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La arquitectura islámica de la India comprende desde el siglo XIII hasta nuestros días. Llegó de la mano de los primeros conquistadores musulmanes y pronto perdió su pureza única integrando elementos de la arquitectura autóctona, como los patios rodeados de columnas, los balcones sujetos por ménsulas y, especialmente, la ornamentación. El islam, por otro lado, agregó la cúpula, los motivos geométricos, los mosaicos y los minaretes. A pesar de las distinciones conceptuales elementales, ambos estilos arquitectónicos se fundieron de manera armónica y dieron lugar a nuevos estilos regionales.

La invasión de los mongoles produjo cambios en la naturaleza del arte chino, especialmente en la pintura y en la escultura. A pesar de que los mandatarios extranjeros tenían interés en perpetuar la cultura clásica china, la mayoría de los artistas no se encontraban a gusto en la corte y se marcharon. La pintura y la caligrafía fueron las artes más cultivadas por estos ex-empleados públicos.

Wen-jen-hua, el arte de los aristócratas letrados durante la dinastía Song, fue durante el periodo Yuan (1279-1368), y en lo sucesivo, la escuela artística más destacada. Sus miembros seguían siendo conocidos como los eruditos y tildaban a los pintores que se quedaron en la academia de preservadores e incluso de imitadores. Al principio de la etapa Yuan, los artistas oficiales obtenían requeridos de obras inspiradas en estudios de pájaros y de flores de la etapa Song o en los paisajes de la escuela Ma-Xia. Todas las innovaciones procedían de fuentes externas a la tradición académica, que jamás regresó a alcanzar el nivel que tuvo durante la dinastía Song del sur.

Los soberanos Shang no pudieron manejar el ascendente poder de una tribu vecina, los Zhou (c. 1122-221 a.C.), establecida en su límite occidental. Hacia el año 1027 a.C. los Zhou apresaron Anyang y se arraigaron en la ciudad. Al principio se conservó buena parte de la cultura Shang; de facto, los bronces y jades de la fase Xi’an, llamado igualmente periodo Zhou occidental (hasta el 770 a.C.), son muy semejantes a los de la dinastía anterior. Con la sucesiva evanescencia del culto a los antepasados, las vasijas antes destinadas a los templos, pasaron a ser preciados trofeos que el monarca otorgaba a sus vasallos más notorios para premiar sus conquistas o conferirles tierras. Estas vasijas de bronce solían llevar largas inscripciones expresando la gesta que conmemoraban y constituyen hoy preciados archivos sobre esa fase de la historia china.

Minimalismo, estilo de estructura musical de finales del siglo XX de gran influencia, igualmente reseñado como música de métodos, música de proceso o música repetitiva. En este estilo, un material rudimentario, a menudo tonal o de escalas y con un pulso fuerte y regular, se repite durante extensos periodos de tiempo, con mínimas variaciones.

Arte africano, agrupación de expresiones artísticas producidas por los pueblos del África subsahariana a lo largo de la historia. El continente africano acoge una gran diversidad de culturas, caracterizadas cada una de ellas por un idioma propio, unas tradiciones y unas formas artísticas características. A pesar de que la gran prolongación del desierto del Sahara actúa como barrera divisoria natural entre el norte de África y el resto del continente, hay considerables evidencias que corroboran toda una serie de influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales que atravesaron África desde tiempos remotos. Hoy, por ejemplo, aparecen entre las culturas del sur del Sahara numerosas muestras de arte islámico, así como igualmente formas arquitectónicas de inspiración norteafricana. Adicionalmente, las indagaciones apuntan a una influencia recíproca entre estas zonas del sur con las tradiciones artísticas y culturales de aquellas regiones del norte de África más cerradas al Mediterráneo. El arte de Egipto, uno de los más brillantes de África, tiene destacadas conexiones artísticas y culturales con las civilizaciones africanas al sur del Sahara.

El compositor germánico Christoph Willibald Gluck inició el proceso de reforma de la ópera que dominaría el estilo de estructura de los siglos XVII y XVIII. A pesar de que sus iniciales óperas son de estilo italiano, las posteriores se vieron influidas por las ideas más revolucionarios y los movimientos reformistas de su etapa. La ópera Eco y Narciso se estrenaron en 1779 en París.

Los primeros pasos que significaron una separación con el historicismo de las iniciales décadas del siglo XX en España, vinieron dados por la llamada descendencia del 25, cuyo máximo ejemplo fue el arquitecto Fernando García Mercadal. Con la instauración de la II República en 1931 se creó un clima favorable al desarrollo del racionalismo arquitectónico, intensificándose los contactos con los miembros de la vanguardia europea y la cooperación en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, comenzados en 1928).

En la cerámica inca la falta del torno hacía que el alfarero se viera obligado a modelar la vasija a mano, y la pasta, presentada en términos generales en forma de rulos alargados, se enroscaba sobre sí misma para cimentar las paredes de la pieza. Adicionalmente de esta antigua técnica andina, el uso del molde aceptó la fabricación en serie, de tal forma que la realización se incrementó eminentemente. Debemos discernir entre el menaje doméstico y la vajilla de uso ritual. Mientras que en el primer caso las formas y tamaños derivaban de las necesidades ordinarias, en el segundo, su desarrollo estuvo de manera directa condicionado por el mundo de las convicciones.

Estilísticamente encontramos la cerámica tipo killke, con una tiempología que va del 1200 al 1450 d.C., y la cerámica policroma tipo Cuzco desde 1450 hasta la colonia. Las iniciales aparecen ornamentadas con motivos geométricos muy sencillos en tonos rojos y negros mientras las segundas, ornamentadas de igual forma, denotan una realización técnica más cuidada. No sólo se plasmaba sobre sus paredes una rica iconografía, sino que las piezas mismas eran puestas como ofrendas en las sepulturas.

Algún tiempo tras la aparición de la nouvelle vague francesa, se manifiesta en Alemania un conjunto de cineastas jóvenes que compartían un punto de vista crítico sobre la sociedad de su tiempo, negando de plano el complaciente materialismo burgués. Werner Herzog, uno de sus representantes más tradicionales, haría, a través de paisajes sobrecogedores y personajes exóticos, una reflexión sobre la vida en circunstancias difíciles y peligrosas, como en su cinta más conocida, Aguirre, la cólera de Dios (1972), sobre el conquistador español Lope de Aguirre, que en el siglo XVI y en pleno Amazonas se manifestó rebelde al monarca Felipe II, pretendiendo, perdido y famélico, dominar un continente entero. Wim Wenders, por otro lado, ha tratado sobre la alienación y la autorrealización, como en El amigo americano (1977), París, Texas (1984) o Cielo sobre Berlín (1987), en cintas que exhiben igualmente su interés por la cultura americano. De una descendencia ulterior es la directora Doris Dörrie, autora de comedias como la popular Hombres, hombres… (1985), que tiene como tema central el combate de sexos, y Sabiduría garantizada (2000).

El estilo conocido como Art Nouveau, nombre adoptado a partir de la tienda parisina La Maison de L´Art Nouveau, apareció a comienzos de la década de 1890 en diversos países. Se denominó Jungendstie en Alemania, estilo Sezession en Austria, Modern Style en Inglaterra, Stilo Liberty en Italia y modernismo en España. Se caracterizó por la concepción artística global, desde los objetos decorativos y el mobiliario hasta el propio edificio, y por su libertad hacetiva, simbolizada con las formas orgánicas de la naturaleza. Por otra parte, algunas corrientes exhibieron mayor preferencia por la línea recta y los rasos perpendiculares.

Hacia mediados del siglo XIX, la pintura romántica inició a reembolsar la intensidad de un movimiento único. Entre los ejemplos más importantes de este periodo se hallan los paisajes serenos y atmosféricos de la Escuela de Barbizon que incluye Camille Corot y Théodore Rousseau. En Inglaterra, tras 1850, los prerrafaelistas revivieron la visión medievalizante de los nazarenos alemanes.

A lo largo del periodo Muromachi (1333-1568), denominado igualmente periodo Ashikaga por ser éste el nombre del clan militar gobernante, se operó un intenso cambio en la cultura japonesa. El clan se encargó del sogunado y restableción la sede del gobierno en la capital, en el distrito de Muromachi de Kioto, lo que significó el final de las tendencias conocidos de la etapa Kamakura y la integración de maneras culturales de expresión más aristocráticas y elitistas. El budismo Zen, la secta Ch’an, que conforme la tradición fue desarrollada en China en el siglo VI, se intercala en el Japón por segunda vez, y allí arraigó.

Con la aparición del budismo en el siglo III a.C. se desarrolla la evolución de una arquitectura monumental en piedra, que se integra con escultura en bajo y altorrelieve. La figura de Buda no se encontraba presente en el arte primitivo indio y se recurría a símbolos y a escenas de su vida, a representaciones de deidades budistas y de leyendas edificantes. En aquella etapa —como a lo largo de toda la historia de la escultura— las figuras y la ornamentación se disponían en liosas composiciones. Los monumentos más notorios de este periodo son los capiteles con formas de animales de los pilares de arenisca para los edictos del monarca Asoka, y las barandillas de mármol que cercan las stupas de Bharhut, en Madhya Pradesh, cuyos relieves parecen estar comprimidos entre la superficie y el fondo. Igualmente son notorias las puertas de la stupa de Sanchi (construida entre el siglo III a.C. y el I d.C.), cuyos relieves tienen la delicadeza y la minuciosidad del tallado en marfil.

A partir del siglo V sucedía el declive del budismo con el apogeo del hinduismo y el jainismo. Los estilos inmanentes a estas dos religiones se mezclaron para dar lugar a los preparados motivos que constituyen el caracterizador de la arquitectura india y que aparecen tallados repetidamente configurando cenefas.

El gobierno mongol concluyó con la instauración de una dinastía china llamada Ming (1368-1644). La corte fundó inminentemente una academia real de pintura que atrajo especialmente a los pintores de pájaros y de flores y a los paisajistas de la escuela Ma-Xia. Pero, seguían siendo los letrados los autores de las obras más significativas. Del grupo destacado de wen-jen de la dinastía Ming, llamado escuela de Wu, salieron muchos artistas sobresalen entre los que destacan Shen Cheu y Wen Cheng-ming. Ambos eran caballeros cultivados y practicaban la pintura y la caligrafía. La pincelada de Shen Cheu tiene un trazo severo que suministra claridad a sus obras, inspiradas con frecuencia en asuntos ordinarios, como un conjunto mirando a la Luna desde una terraza (Museo de Bellas Artes, Boston). Wen Cheng-ming se decantaba por asuntos más simples, como un árbol o una roca, y su obra difunde la fuerza que da la soledad, quizá como reflejo de su desencanto ante la vida oficial.

La fotografía se ha empleado para inspirar e influenciar valoraciones políticas o sociales. Del mismo modo, desde la década de 1920 se ha generado uso de ella para impulsar y conducir el consumo, y como un constituyente más de la publicidad.

Los fotógrafos comerciales realizan fotos que se usan en comunicados o como ilustraciones en obras de texto, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten seductoras usan una holgada variedad de refinadas técnicas. Esta clase de imágenes ha tenido un fuerte impacto cultural. La fotografía comercial y publicitaria ha representado igualmente un gran impulso en la industria gráfica unido de los progresos en las técnicas de multiplicación fotográfica de gran calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos oficios tienen con frecuencia un gran contenido erótico.

Uno de los cineastas más interesantes del ámbito internacional de posguerra fue el sueco Ingmar Bergman, que dio a sus cintas un aire filosófico muy valorado por los espectadores con inquietudes intelectuales. Por el tratamiento de los grandes conflictos que aquejan al hombre: la soledad humana, los conflictos religiosos y las obsesiones sexuales, se transformó en el destacado director sueco y en un autor fundamental en la historia del cine. En El séptimo sello (1956) estudia los misterios del fallecimiento y la moralidad a través de la historia de un caballero medieval que juega una partida de ajedrez con el fallecimiento.

En Fresas salvajes (1957), que representa el igualmente cineasta Victor Sjöström, hace una serie de flashbacks poéticos rememorando la vida de un antiguo docente. Las cintas de Bergman examinan el amor y otras cuestiones clave de la existencia humana; en ellas estudia con mucha habilidad las relaciones y los caracteres de desemejantes personajes, todos ellos vívidamente evidenciados. En Persona (1966), Secretos de un casamiento (1973), Gritos y susurros (1972) y Sonata de otoño (1978), las relaciones de amor-odio entre los diferentes personajes se entremezclan con las temáticas religiosas y filosóficas que cercan sus vidas. La carrera de Bergman se ha extendido a lo largo de tres décadas con obras de gran valor, y un estilo visual impresionante al que acompaña una energía y una inteligencia inimitable.

Arte azteca, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas por el pueblo azteca entre el 1250 y el 1521 d.C. que se cuentan entre las más importantes de Mesoamérica antes de la aparición de los europeos.

El término azteca, junto con los de mexica y tenochca, se emplea hoy día para denominar al pueblo que llegó al valle de México proveniente de Aztlán, lugar mítico ubicado al norte de Mesoamérica. El arte azteca es, básicamente, un arte al servicio del Estado, un lenguaje empleado por la sociedad para comunicar su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas. De establecido constituyente político-religioso, el arte azteca se manifiesta a través de la música y la literatura, sin embargo igualmente de la arquitectura y la escultura, valiéndose para ello de soportes tan variados como los instrumentos musicales, la piedra, la cerámica, el papel o las plumas. Lo primero que llama la atención es la asimilación azteca de las tradiciones artísticas previos y la impronta personal que conferiron a sus expresiones. El arte azteca es violento y rudo sin embargo deja entrever una complejidad intelectual y una sensibilidad que nos hablan de su grande riqueza simbólica.

Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, museo mexicano ubicado en el bosque de Chapultepec de la ciudad de México. Su fundación contestó al gesto del pintor Rufino Tamayo y de su cónyuge Olga, los cuales, tras años de juntar una gran recopilación de arte internacional, decidieron cumplir su anhelo de donarla al pueblo mexicano. El diseño del edificio que recibiría el centro artístico fue responsabilidad de los arquitectos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky. Tras dos años de construcción, el Museo abrió sus puertas al público en 1981. En 1986, tras ser constituido como patrimonio nacional, quedó bajo la administración del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). La Fundación Olga y Rufino Tamayo colabora, desde su producción en 1989, en los diferentes proyectos llevados a cabo por el Museo.

A través de sus diez salas, ofrece una sorprendente panorámica del arte coetáneo en sus diferentes géneros (pintura, escultura, fotografía). Entre los muchos estilos que se hallan representados en el Museo cabe citar el expresionismo abstracto de Willem de Kooning, el surrealismo de Salvador Dalí, René Magritte, Wifredo Lam y Roberto Matta, el dadaísmo de Max Ernst, el cubismo de Fernand Léger y Pablo Ruiz Picasso, el simbolismo de Francis Bacon, el arte cinético de Julio LeParc, Carlos Cruz-Díez y Victor Vasarely, el Pop Art de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, el vanguardismo de Jean Dubuffet, el estilo figurativo de George Segal, el informalismo de Antoni Tàpies y el constructivismo de Joaquín Torres García. Por lo que respecta a los artistas mexicanos, además de obras del propio Rufino Tamayo, se pueden observar las de Lilia Carrillo, entre otros.

Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, museo argentino ubicado en la ciudad de Buenos Aires, está completamente ungido a coleccionar, preservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano. El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) fue inaugurado el 20 de noviembre de 2001 y apareció a partir de la Colección Costantini, una importante agrupación de obras de arte latinoamericano del siglo XX propiedad del compañíario Eduardo F. Costantini. La citada recopilación inició a formarse en 1970 y se fue enriqueciendo hasta que la Fundación Costantini sentenció darla a conocer y exhibirla en diversos museos y salas de todo el mundo, y seguidamente, cimentar un edificio ex profeso para alojar este agrupación de obras que constituirían el acervo fundacional de un futuro museo. El propiedad es obra de los arquitectos argentinos Gastón Atelman, Martín Fourcade y Alfredo Tapia, y tiene una superficie de total aproximada de 8000 m2.

La recopilación estable está formado por pinturas, esculturas, dibujos y otros objetos artísticos, y engloba un amplio ámbito del arte latinoamericano desde sus vanguardias hasta la actualidad, con muestras de 78 artistas de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, México, Uruguay y Venezuela. Entre otros, el museo cuenta con obras de Fernando Botero, Wilfredo Lam, Frida Kahlo, Joaquín Torres García, Hélio Oiticica, Xul Solar o Emiliano di Cavalcanti.

El MALBA organiza además exposiciones temporales y otras actividades culturales como visitas guiadas, programas para niños, ponencias, seminarios, encuentros entre escritores o ciclos de cine.