#Arte

A comienzos de la década de 1980 se desarrolló una reacción contra la impersonalidad del minimalismo y otros estilos abstractos, que provocó un renacimiento de la pintura figurativa llamado neoexpresionismo. Evocador y generativo, el neoexpresionismo empleaba con frecuencia formas distorsionadas y coloridos intensos, inspirados en los expresionistas alemanes de 70 años antes. Entre los pintores asociados a este movimiento destacan los alemanes Anselm Kiefer, Georg Baselitz y A. R. Penck, los italianos Sandro Chia y Enzo Cucchi, y los americanos Julian Schnabel y David Salle.

Aunque el Dadá [Dadaísmo] había perdido fuerza en torno a 1922, algunos de sus ejemplos dirigieron sus energías hacia el emergente surrealismo, en el que, como en el dadaísmo, lo incongruente y lo fortuito se emplearon en el proceso de realización. Las obsesivas y oníricas pinturas de Giorgio de Chirico, conocidas en ocasiones como metafísicas, se anticiparon al surrealismo en varios años. Pero, fue el escritor francés André Breton quien dio nombre al movimiento y escribió su Manifiesto surrealista en 1924, asegurando la superioridad del subconsciente y la relevancia de los anhelos en la producción artística.

Los surrealistas no compartieron criterios estilísticos, adscribiéndose sus miembros a múltiples tendencias, desde la figuración a la abstracción. Pero, tienen en común un ideal de inspiración natural e irracional. Los que trabajaron con un estilo figurativo fueron, entre otros, Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte, Paul Delvaux y Man Ray, mientras que a la corriente abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

El posmodernismo ha repuntado una fase de la arquitectura de finales del siglo XX, en especial durante las décadas de 1970 y 1980, en el momento en que sus representantes más notorios (Robert Venturi, Michael Graves, James Stirling, Ricardo Bofill, Aldo Rossi, Charles Moore, Hans Hollein, Arata Isozaki, Mario Botta, Rob y León Krier, Robert A. M. Stern y Óscar Tusquets, entre otros) gozaron de un gran prestigio en el ámbito teórico y obtuvieron destacadas requeridos institucionales. Su obra, dotada de un cierto carácter manierista, se ha difuminado en infinidad de estilos, desde el clasicismo a la modernidad pasando por las conductas vernáculas. Este eclecticismo ha pretendido evidenciar la pluralidad fundamental de la sociedad postindustrial, un componente decisivo para la arquitectura pública, que debe representar a una gran diversidad de personas con agrados y alusiones culturales dispares. Su conducta contra la modernidad se resume en la máxima de Robert Venturi, que desafió con su “Less is a bore” (menos es un aburrimiento) a la famosa consigna de Ludwig Mies van der Rohe “Less is more” (menos es más).

El romanticismo en España se señaló especialmente en la pintura, representado por Federico Madrazo, con sus cuadros históricos y sus retratos; Antonio María Esquivel, Jenaro Pérez Villaamil, con sus imaginatorios paisajes; Leonardo Alenza, con sus cuadros costumbristas inspirados en la obra de Goya y Eugenio Lucas Padilla, que representaba el espíritu revolucionario de la fase. En Cataluña apareció una escuela pictórica inspirada en los nazarenos alemanes dentro de la que destacan Joaquín Espalter y Pelegrín Clavé.

La pintura romántica germánica, así como su poesía y filosofía, estuvo inspirada por la concepción de la naturaleza como manifestación de la deidad, que condujo a la formación de una escuela paisajística simbólica iniciada por las pinturas místicas y alegóricas de Philipp Otto Runge. El más grande ejemplo y el pintor germánico romántico más eminente fue Caspar David Friedrich, cuyos paisajes meditabundos, pintados en un estilo lúcido y detallado, cabalgan entre el sentimiento delicado y espiritual y el sentido de la melancolía, de la soledad y de la división. Su pesimismo romántico se manifiesta más directamente en su obra Mar polar (1824); el recuerdo de un navío naufragado, apenas visible debajo de una pirámide de placas de hielo, parece un monumento al triunfo de la naturaleza sobre la aspiración humana.

Dado que la escultura en Europa ha estado muy influida por las formas clásicas desde el renacimiento, los fundamentos neoclásicos han experimentado menor impacto que en otras expresiones artísticas. En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en mármoles de colores característicos del último barroco o del rococó, preferentemente contornos limpios, una reposada conducta y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

Estridentismo, movimiento vanguardista literario mexicano desarrollado por Manuel Maples Arce.

Los estridentistas conjugaban el aspecto moderno del futurismo, con la irreverencia Dadá. Trataron de hacerse con una simbiosis entre todas las tendencias de la vanguardia. Animados por la nueva sociedad surgida tras la Revolución Mexicana, ensalzaban las fábricas y las masas jornaleros. Teóricos y prácticos, proyectaron varios manifiestos, como ya habían suceso los surrealistas en Francia; el primero, presentado como el ‘comprimido estridentista’, Actual y Hoja de Vanguardia (1922). A este conjunto pertenecieron escritores como el mismo Maples Arce, Germán List, Salvador Gallardo o Luis Quintanilla. El primer manifiesto igualmente incluía nombres como Cansinos-Assens, Borges y Guillermo de la Torre.

Desde el siglo XVIII, la construcción de grandes edificios en la India ha mantenido las formas indígenas históricas o bien se ha regido por los modelos europeos introducidos por los británicos. Entre los edificios públicos, fábricas, hoteles y edificios de casas hay numerosas muestras de los estilos occidentales de los siglos XVIII, XIX y XX. El ejemplo más eminente de arquitectura moderna lo constituye la ciudad de Chandīgarh, capital conjunta de Haryāna y Punjab, diseñada por el arquitecto francés de origen suizo Le Corbusier en contribución con arquitectos indios.

El trazado general de la ciudad quedó finalizado a comienzos de la década de 1960 y el agrupación arquitectónico presenta características importantes, de las que destacan: la estructura abovedada, rematada por un tejado de hormigón en forma de paraguas, que constituye el palacio de Justicia; la disposición de cubos de hormigón consumados por una sombrilla del mismo material, que es el palacio del Gobernador, y el uso de salientes, huecos, torres de escaleras y otros elementos de contraste para romper la monotonía de las largas fachadas del edificio de las oficinas, que miden 244 metros. La moderna arquitectura india ha incorporado los estilos occidentales adaptándolos a las tradiciones y necesidades locales, como ha acontecido en la estación de ferrocarril de Alwar, en el estado de Rājasthān.

La arquitectura islámica de la India comprende desde el siglo XIII hasta nuestros días. Llegó de la mano de los primeros conquistadores musulmanes y pronto perdió su pureza única integrando elementos de la arquitectura autóctona, como los patios rodeados de columnas, los balcones sujetos por ménsulas y, especialmente, la ornamentación. El islam, por otro lado, agregó la cúpula, los motivos geométricos, los mosaicos y los minaretes. A pesar de las distinciones conceptuales elementales, ambos estilos arquitectónicos se fundieron de manera armónica y dieron lugar a nuevos estilos regionales.

La invasión de los mongoles produjo cambios en la naturaleza del arte chino, especialmente en la pintura y en la escultura. A pesar de que los mandatarios extranjeros tenían interés en perpetuar la cultura clásica china, la mayoría de los artistas no se encontraban a gusto en la corte y se marcharon. La pintura y la caligrafía fueron las artes más cultivadas por estos ex-empleados públicos.

Wen-jen-hua, el arte de los aristócratas letrados durante la dinastía Song, fue durante el periodo Yuan (1279-1368), y en lo sucesivo, la escuela artística más destacada. Sus miembros seguían siendo conocidos como los eruditos y tildaban a los pintores que se quedaron en la academia de preservadores e incluso de imitadores. Al principio de la etapa Yuan, los artistas oficiales obtenían requeridos de obras inspiradas en estudios de pájaros y de flores de la etapa Song o en los paisajes de la escuela Ma-Xia. Todas las innovaciones procedían de fuentes externas a la tradición académica, que jamás regresó a alcanzar el nivel que tuvo durante la dinastía Song del sur.

Los soberanos Shang no pudieron manejar el ascendente poder de una tribu vecina, los Zhou (c. 1122-221 a.C.), establecida en su límite occidental. Hacia el año 1027 a.C. los Zhou apresaron Anyang y se arraigaron en la ciudad. Al principio se conservó buena parte de la cultura Shang; de facto, los bronces y jades de la fase Xi’an, llamado igualmente periodo Zhou occidental (hasta el 770 a.C.), son muy semejantes a los de la dinastía anterior. Con la sucesiva evanescencia del culto a los antepasados, las vasijas antes destinadas a los templos, pasaron a ser preciados trofeos que el monarca otorgaba a sus vasallos más notorios para premiar sus conquistas o conferirles tierras. Estas vasijas de bronce solían llevar largas inscripciones expresando la gesta que conmemoraban y constituyen hoy preciados archivos sobre esa fase de la historia china.

Arte africano, agrupación de expresiones artísticas producidas por los pueblos del África subsahariana a lo largo de la historia. El continente africano acoge una gran diversidad de culturas, caracterizadas cada una de ellas por un idioma propio, unas tradiciones y unas formas artísticas características. A pesar de que la gran prolongación del desierto del Sahara actúa como barrera divisoria natural entre el norte de África y el resto del continente, hay considerables evidencias que corroboran toda una serie de influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales que atravesaron África desde tiempos remotos. Hoy, por ejemplo, aparecen entre las culturas del sur del Sahara numerosas muestras de arte islámico, así como igualmente formas arquitectónicas de inspiración norteafricana. Adicionalmente, las indagaciones apuntan a una influencia recíproca entre estas zonas del sur con las tradiciones artísticas y culturales de aquellas regiones del norte de África más cerradas al Mediterráneo. El arte de Egipto, uno de los más brillantes de África, tiene destacadas conexiones artísticas y culturales con las civilizaciones africanas al sur del Sahara.

Los primeros pasos que significaron una separación con el historicismo de las iniciales décadas del siglo XX en España, vinieron dados por la llamada descendencia del 25, cuyo máximo ejemplo fue el arquitecto Fernando García Mercadal. Con la instauración de la II República en 1931 se creó un clima favorable al desarrollo del racionalismo arquitectónico, intensificándose los contactos con los miembros de la vanguardia europea y la cooperación en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, comenzados en 1928).

En la cerámica inca la falta del torno hacía que el alfarero se viera obligado a modelar la vasija a mano, y la pasta, presentada en términos generales en forma de rulos alargados, se enroscaba sobre sí misma para cimentar las paredes de la pieza. Adicionalmente de esta antigua técnica andina, el uso del molde aceptó la fabricación en serie, de tal forma que la realización se incrementó eminentemente. Debemos discernir entre el menaje doméstico y la vajilla de uso ritual. Mientras que en el primer caso las formas y tamaños derivaban de las necesidades ordinarias, en el segundo, su desarrollo estuvo de manera directa condicionado por el mundo de las convicciones.

Estilísticamente encontramos la cerámica tipo killke, con una tiempología que va del 1200 al 1450 d.C., y la cerámica policroma tipo Cuzco desde 1450 hasta la colonia. Las iniciales aparecen ornamentadas con motivos geométricos muy sencillos en tonos rojos y negros mientras las segundas, ornamentadas de igual forma, denotan una realización técnica más cuidada. No sólo se plasmaba sobre sus paredes una rica iconografía, sino que las piezas mismas eran puestas como ofrendas en las sepulturas.

El estilo conocido como Art Nouveau, nombre adoptado a partir de la tienda parisina La Maison de L´Art Nouveau, apareció a comienzos de la década de 1890 en diversos países. Se denominó Jungendstie en Alemania, estilo Sezession en Austria, Modern Style en Inglaterra, Stilo Liberty en Italia y modernismo en España. Se caracterizó por la concepción artística global, desde los objetos decorativos y el mobiliario hasta el propio edificio, y por su libertad hacetiva, simbolizada con las formas orgánicas de la naturaleza. Por otra parte, algunas corrientes exhibieron mayor preferencia por la línea recta y los rasos perpendiculares.

Hacia mediados del siglo XIX, la pintura romántica inició a reembolsar la intensidad de un movimiento único. Entre los ejemplos más importantes de este periodo se hallan los paisajes serenos y atmosféricos de la Escuela de Barbizon que incluye Camille Corot y Théodore Rousseau. En Inglaterra, tras 1850, los prerrafaelistas revivieron la visión medievalizante de los nazarenos alemanes.

A lo largo del periodo Muromachi (1333-1568), denominado igualmente periodo Ashikaga por ser éste el nombre del clan militar gobernante, se operó un intenso cambio en la cultura japonesa. El clan se encargó del sogunado y restableción la sede del gobierno en la capital, en el distrito de Muromachi de Kioto, lo que significó el final de las tendencias conocidos de la etapa Kamakura y la integración de maneras culturales de expresión más aristocráticas y elitistas. El budismo Zen, la secta Ch’an, que conforme la tradición fue desarrollada en China en el siglo VI, se intercala en el Japón por segunda vez, y allí arraigó.

A partir del siglo V sucedía el declive del budismo con el apogeo del hinduismo y el jainismo. Los estilos inmanentes a estas dos religiones se mezclaron para dar lugar a los preparados motivos que constituyen el caracterizador de la arquitectura india y que aparecen tallados repetidamente configurando cenefas.

El gobierno mongol concluyó con la instauración de una dinastía china llamada Ming (1368-1644). La corte fundó inminentemente una academia real de pintura que atrajo especialmente a los pintores de pájaros y de flores y a los paisajistas de la escuela Ma-Xia. Pero, seguían siendo los letrados los autores de las obras más significativas. Del grupo destacado de wen-jen de la dinastía Ming, llamado escuela de Wu, salieron muchos artistas sobresalen entre los que destacan Shen Cheu y Wen Cheng-ming. Ambos eran caballeros cultivados y practicaban la pintura y la caligrafía. La pincelada de Shen Cheu tiene un trazo severo que suministra claridad a sus obras, inspiradas con frecuencia en asuntos ordinarios, como un conjunto mirando a la Luna desde una terraza (Museo de Bellas Artes, Boston). Wen Cheng-ming se decantaba por asuntos más simples, como un árbol o una roca, y su obra difunde la fuerza que da la soledad, quizá como reflejo de su desencanto ante la vida oficial.

Arte azteca, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas por el pueblo azteca entre el 1250 y el 1521 d.C. que se cuentan entre las más importantes de Mesoamérica antes de la aparición de los europeos.

El término azteca, junto con los de mexica y tenochca, se emplea hoy día para denominar al pueblo que llegó al valle de México proveniente de Aztlán, lugar mítico ubicado al norte de Mesoamérica. El arte azteca es, básicamente, un arte al servicio del Estado, un lenguaje empleado por la sociedad para comunicar su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas. De establecido constituyente político-religioso, el arte azteca se manifiesta a través de la música y la literatura, sin embargo igualmente de la arquitectura y la escultura, valiéndose para ello de soportes tan variados como los instrumentos musicales, la piedra, la cerámica, el papel o las plumas. Lo primero que llama la atención es la asimilación azteca de las tradiciones artísticas previos y la impronta personal que conferiron a sus expresiones. El arte azteca es violento y rudo sin embargo deja entrever una complejidad intelectual y una sensibilidad que nos hablan de su grande riqueza simbólica.