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Una de las figuras imprescindibles en la historia del cine universal es la del español Luis Buñuel, cuya carrera cinematográfica ha transcurrido en su mayor parte en México y Francia, debido a los conflictos que tuvo con la tiranía del general Franco tras la Guerra Civil española. De joven era ya un autor de vanguardia; rodó junto al pintor surrealista Salvador Dalí el cortometraje Un perro andaluz (1929) y el mediometraje La edad de oro (1930).

Flores Xochipilli, Damián © Estela Sánchez

La escultura azteca era fundamentalmente monumental y aparecía asociada a las grandes construcciones arquitectónicas. Muy realista en su concepción, contenía un elemento simbólico y abstracto de gran relevancia relacionado con su universo religioso. Existen piezas de grandes dimensiones que representan a los dioses, los mitos, los monarcas y sus hazañas. De las obras que han acudido hasta nosotros y que se hallan en el Museo Nacional de Antropología de México destacaremos la imponente Coatlicue (diosa serpiente de la tierra), de relieve plano y repleta de símbolos; la cabeza de Coyolxauhqui (diosa de la Luna e hija de Coatlicue); la Piedra del Sol o Calendario azteca, grande bloque circular trabajado en relieve y en honor a la deidad solar Tonatiuh que algunos investigadores atribuyen al señor de la tierra Tlaltecuhtli, y la Piedra de Tizoc, grande disco que cuenta en un friso las conquistas del que fuera célebre tlatoani (emperador) de los aztecas entre 1481 y 1486.

A comienzos de la década de 1980 se desarrolló una reacción contra la impersonalidad del minimalismo y otros estilos abstractos, que provocó un renacimiento de la pintura figurativa llamado neoexpresionismo. Evocador y generativo, el neoexpresionismo empleaba con frecuencia formas distorsionadas y coloridos intensos, inspirados en los expresionistas alemanes de 70 años antes. Entre los pintores asociados a este movimiento destacan los alemanes Anselm Kiefer, Georg Baselitz y A. R. Penck, los italianos Sandro Chia y Enzo Cucchi, y los americanos Julian Schnabel y David Salle.

Códices precolombinos, manuscritos pintados empleados por los pueblos prehispánicos de Mesoamérica (olmecas, teotihuacanos, mayas, aztecas, etc.), formados por una escritura de carácter logosilábico, esto es, inspirada en señales logográficos (que denominan palabras) y fonéticos (transcriben sílabas), o alfabéticos. El nombre de códice o codex es aplicado, siguiendo la nomenclatura habitual del medioevo europeo, por mexicanistas y mesoamericanistas (arqueólogos o etnohistoriadores) de manera indiscriminada y general a cualquier manuscrito pintado —casi siempre mediante glifos— con una tradición explícitamente indígena.

Aunque el Dadá [Dadaísmo] había perdido fuerza en torno a 1922, algunos de sus ejemplos dirigieron sus energías hacia el emergente surrealismo, en el que, como en el dadaísmo, lo incongruente y lo fortuito se emplearon en el proceso de realización. Las obsesivas y oníricas pinturas de Giorgio de Chirico, conocidas en ocasiones como metafísicas, se anticiparon al surrealismo en varios años. Pero, fue el escritor francés André Breton quien dio nombre al movimiento y escribió su Manifiesto surrealista en 1924, asegurando la superioridad del subconsciente y la relevancia de los anhelos en la producción artística.

Los surrealistas no compartieron criterios estilísticos, adscribiéndose sus miembros a múltiples tendencias, desde la figuración a la abstracción. Pero, tienen en común un ideal de inspiración natural e irracional. Los que trabajaron con un estilo figurativo fueron, entre otros, Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte, Paul Delvaux y Man Ray, mientras que a la corriente abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

El movimiento dadaísta apareció en Suiza durante la I Guerra Mundial (1914-1918). El dadaísmo representó la contraposición del racionalismo de Mondrian y otros teóricos de la abstracción. Un conjunto de artistas y escritores disconformes con el método de valores burgués eligió una palabra sin sentido, dada, para denominar su actividad de protesta y sus obras antiestéticas. Se transformó en el movimiento de separación más revolucionario del arte coetáneo.

Los artistas y escritores más conocidos asociados a Dadá fueron Tristan Tzara y Marcel Duchamp, autor del ready-made, esto es, la consideración de objetos ordinarios como obras artísticas, en términos generales esculturas. El más célebre de éstos fue el célebre urinario titulado Fuente, expuesto en Nueva York en 1917. Otros artistas mezclados en el Dadá fueron los franceses Jean Arp y Francis Picabia, el americano Man Ray y los alemanes George Grosz y Max Ernst.

El posmodernismo ha repuntado una fase de la arquitectura de finales del siglo XX, en especial durante las décadas de 1970 y 1980, en el momento en que sus representantes más notorios (Robert Venturi, Michael Graves, James Stirling, Ricardo Bofill, Aldo Rossi, Charles Moore, Hans Hollein, Arata Isozaki, Mario Botta, Rob y León Krier, Robert A. M. Stern y Óscar Tusquets, entre otros) gozaron de un gran prestigio en el ámbito teórico y obtuvieron destacadas requeridos institucionales. Su obra, dotada de un cierto carácter manierista, se ha difuminado en infinidad de estilos, desde el clasicismo a la modernidad pasando por las conductas vernáculas. Este eclecticismo ha pretendido evidenciar la pluralidad fundamental de la sociedad postindustrial, un componente decisivo para la arquitectura pública, que debe representar a una gran diversidad de personas con agrados y alusiones culturales dispares. Su conducta contra la modernidad se resume en la máxima de Robert Venturi, que desafió con su “Less is a bore” (menos es un aburrimiento) a la famosa consigna de Ludwig Mies van der Rohe “Less is more” (menos es más).

A lo largo del periodo arcaico, con la prolongación geográfica y financiera de la civilización griega, el crecimiento de la riqueza y los contactos con el exterior favorecieron el avance de la arquitectura y la escultura monumental. Ambas se realizaron con el mármol y la piedra caliza que abundaban en Grecia. Los templos alojaban imágenes de los dioses y se encontraban ornamentados con esculturas y pinturas. Esta última experimentó igualmente un gran desarrollo en la ornamentación de vasijas, que fueron destacadas objetos de comercio.

El jazz atravesó una dificultad de público y ventas a finales de la década de 1960. Las audiencias juveniles se encontraban a favor de la música de soul y de rock, mientras que los aficionados adultos se sentían ajenos a las abstracciones y falta de emoción de gran parte del jazz moderno. Los músicos de jazz se dieron cuenta de que para regresar a vencer al público debían extraer ideas de la música popular. Algunas de éstas provendrían del rock, sin embargo la mayoría tendrían su origen en los ritmos de baile y las progresiones de acordes de músicos de soul como James Brown. Ciertos conjuntos añadieron igualmente elementos musicales de otras culturas. Los ejemplos iniciales de este nuevo jazz de fusión están algo mezclados con otros subgéneros, sin embargo en 1970 Davis grabó Bitches Brew, un álbum de mucho éxito que combinaba ritmos soul e instrumentos electrónicos con un jazz sin pactos y muy disonante. No debe por ello asombrar que los epígonos de Davis hicieran algunos de los discos de fusión de mayor éxito de la década de 1970: Herbie Hancock, Wayne Shorter y el pianista austriaco Joe Zawinul (los dos últimos jefees del conjunto Weather Report), el guitarrista británico John McLaughlin y el brillante pianista Chick Corea con su conjunto Return to Forever. Por su parte, los músicos de rock comenzaron a integrar frases y solos de jazz sobre ritmos de rock. Entre estos conjuntos se encontraban Chase, Chicago y Blood, Sweat and Tears.

El saxofonista Ornette Coleman fue una de las notorias figuras del jazz de vanguardia de las décadas 1960 y 1970. Estudió las peculiaridades del sonido a través de la improvisación y usó la calidad tonal como herramienta para realizar la melodía.

Otro producto de la experimentación de finales de la década de 1950 fue el intento del compositor Gunther Schuller, junto con el pianista John Lewis y su Modern Jazz Quartet, de fusionar el jazz y la música clásica en una tercera corriente, uniendo músicos de los dos mundos en un repertorio que se nutría con técnicas de ambas músicas.

Igualmente ésos fueron los años de mayor actividad del compositor, bajista y jefe de banda Charlie Mingus, que dotó a sus improvisaciones inspiradas en progresiones de acordes de la vehemencia más cruda y salvaje. Más controvertida aún sería la obra del saxofonista alto Ornette Coleman, cuyas improvisaciones, a veces casi atonales, suprimían las progresiones de acordes, aunque propugnaban el perseverante swing rítmico característico del jazz. Si bien el sonido y la técnica áspera de Coleman resultaban incómodos para muchos críticos, otros apreciaron el ingenio, la sinceridad y el extraño sentido de la forma que caracterizaban sus solos. Inspiró a toda una escuela de jazz de vanguardia que floreció en las décadas de 1960 y 1970 y que incluía al Art Ensemble of Chicago, al clarinetista Jimmy Giuffre, al pianista Cecil Taylor e incluso a Coltrane, que se aventuró en la improvisación vanguardista en 1967 poco antes de su fallecimiento.

El romanticismo en España se señaló especialmente en la pintura, representado por Federico Madrazo, con sus cuadros históricos y sus retratos; Antonio María Esquivel, Jenaro Pérez Villaamil, con sus imaginatorios paisajes; Leonardo Alenza, con sus cuadros costumbristas inspirados en la obra de Goya y Eugenio Lucas Padilla, que representaba el espíritu revolucionario de la fase. En Cataluña apareció una escuela pictórica inspirada en los nazarenos alemanes dentro de la que destacan Joaquín Espalter y Pelegrín Clavé.

La pintura romántica germánica, así como su poesía y filosofía, estuvo inspirada por la concepción de la naturaleza como manifestación de la deidad, que condujo a la formación de una escuela paisajística simbólica iniciada por las pinturas místicas y alegóricas de Philipp Otto Runge. El más grande ejemplo y el pintor germánico romántico más eminente fue Caspar David Friedrich, cuyos paisajes meditabundos, pintados en un estilo lúcido y detallado, cabalgan entre el sentimiento delicado y espiritual y el sentido de la melancolía, de la soledad y de la división. Su pesimismo romántico se manifiesta más directamente en su obra Mar polar (1824); el recuerdo de un navío naufragado, apenas visible debajo de una pirámide de placas de hielo, parece un monumento al triunfo de la naturaleza sobre la aspiración humana.

Dado que la escultura en Europa ha estado muy influida por las formas clásicas desde el renacimiento, los fundamentos neoclásicos han experimentado menor impacto que en otras expresiones artísticas. En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en mármoles de colores característicos del último barroco o del rococó, preferentemente contornos limpios, una reposada conducta y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

La pintura barroca en Inglaterra estuvo sometida por la presencia de Van Dyck, inspirador de una descendencia entera de retratistas. La escultura recibió influencias, igualmente, de los estilos italiano y flamenco. El arquitecto Inigo Jones estudió el clasicismo de Andrea Palladio en Italia, como se aprecia en su Banqueting House (1619-1622, Londres), que contiene un espectacular fresco en el techo con la Alegoría de la Paz y la Guerra (1629) de Rubens.

Christopher Wren igualmente viajó a Italia y Francia, y sus proyectos para la catedral de Saint Paul en Londres (iniciada en 1675) revelan su intenso conocimiento de Bramante, Bernini y otros arquitectos italianos. Wren, que dirigió la restauración de Londres tras el incendio de 1666, influyó decisivamente en la arquitectura inglesa y de sus colonias americanas incluso tras acabado el siglo XVII y bien avanzado el XVIII.

Dentro de la arquitectura románica de los desemejantes reinos que conforman la península Ibérica durante el periodo románico, debemos discernir tres momentos constructivos atendiendo a su desarrollo en el tiempo y a las múltiples escuelas regionales.

Se conservan pocos ejemplos de arquitectura prerrománica en Inglaterra. Antes del siglo X la mayoría de los edificios se construían en madera y los primeros de piedra (en los siglos X y XI) fueron edificios toscos, como la torre de Todos los Santos (fundamentos del siglo XI) de Earls Barton en Northampton. Posteriormente a la conquista normanda en el año 1066, el estilo románico, conocido en las islas Británicas con el nombre de normando, reemplazó al sajón.

El estilo románico en Alemania evolucionó a partir de la arquitectura otónica. La relevancia convencional del cuerpo occidental fue específicamente eminente en los edificios que presentan torres emparejadas, como en la primitiva catedral de Estrasburgo, del primer románico (iniciada en el 1015), donde se prefigura la disposición de las peculiares fachadas góticas.

Estridentismo, movimiento vanguardista literario mexicano desarrollado por Manuel Maples Arce.

Los estridentistas conjugaban el aspecto moderno del futurismo, con la irreverencia Dadá. Trataron de hacerse con una simbiosis entre todas las tendencias de la vanguardia. Animados por la nueva sociedad surgida tras la Revolución Mexicana, ensalzaban las fábricas y las masas jornaleros. Teóricos y prácticos, proyectaron varios manifiestos, como ya habían suceso los surrealistas en Francia; el primero, presentado como el ‘comprimido estridentista’, Actual y Hoja de Vanguardia (1922). A este conjunto pertenecieron escritores como el mismo Maples Arce, Germán List, Salvador Gallardo o Luis Quintanilla. El primer manifiesto igualmente incluía nombres como Cansinos-Assens, Borges y Guillermo de la Torre.

A lo largo del periodo gupta sucedía igualmente el avance de la escultura hindú. Se tallaron relieves para decorar los santuarios perforados en la roca de Udayagiri, Madhya Pradesh (400-600) y los templos de Garhwal, cerca de Allahābād y Deogarh. Numerosas escuelas florecieron entre el siglo VII y el IX. A ellas pertenecen el estilo de Pallavas, de alto nivel arquitectónico, buen ejemplo del cual es la obra de Kānchipuram, Tamil Nadu; el estilo Rastrakuta, cuyas mejores muestras son un colosal relieve y el busto de tres cabezas de Siva con forma de elefante, cerca de Bombay, y el estilo Cachemira.

Desde el siglo XVIII, la construcción de grandes edificios en la India ha mantenido las formas indígenas históricas o bien se ha regido por los modelos europeos introducidos por los británicos. Entre los edificios públicos, fábricas, hoteles y edificios de casas hay numerosas muestras de los estilos occidentales de los siglos XVIII, XIX y XX. El ejemplo más eminente de arquitectura moderna lo constituye la ciudad de Chandīgarh, capital conjunta de Haryāna y Punjab, diseñada por el arquitecto francés de origen suizo Le Corbusier en contribución con arquitectos indios.

El trazado general de la ciudad quedó finalizado a comienzos de la década de 1960 y el agrupación arquitectónico presenta características importantes, de las que destacan: la estructura abovedada, rematada por un tejado de hormigón en forma de paraguas, que constituye el palacio de Justicia; la disposición de cubos de hormigón consumados por una sombrilla del mismo material, que es el palacio del Gobernador, y el uso de salientes, huecos, torres de escaleras y otros elementos de contraste para romper la monotonía de las largas fachadas del edificio de las oficinas, que miden 244 metros. La moderna arquitectura india ha incorporado los estilos occidentales adaptándolos a las tradiciones y necesidades locales, como ha acontecido en la estación de ferrocarril de Alwar, en el estado de Rājasthān.