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Podemos hacernos una clara idea de la arquitectura romana a través de los sobrecogedores restos de los edificios públicos y privados de la Roma antigua y gracias a los escritos de la fase, como el De architectura, un tratado en 10 volúmenes recopilado por Vitrubio hacia el final del siglo I a.C.

Arte romano, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas en la antigua Roma y su Imperio, que en su periodo de máximo apogeo se difundió desde las islas Británicas hasta el mar Caspio. El arte romano más primitivo inició con el derrocamiento de los soberanos etruscos y el establecimiento de la República el año 510 a.C. Se considera que el final del arte romano, y por consiguiente el comienzo del arte medieval, llegó con la conversión del emperador Constantino I el Grande al cristianismo y con el traslado de la capital del Imperio desde Roma a Constantinopla en el año 330. Pero, el estilo romano e incluso sus temáticas paganas siguieron representándose durante siglos, a menudo bajo la impronta cristiana.

En los siglos XV y XVI, especialmente gracias a las copias romanas, la tradición artística griega se recuperó en el arte y arquitectura renacentistas. El realismo, el sentido de la proporción y los órdenes arquitectónicos de la antigüedad clásica reflorecieron en el arte europeo. Del mismo modo, las excavaciones de Pompeya y otros hallazgos grecorromanos que tuvieron lugar durante el siglo XVIII favorecieron un nuevo apogeo de la antigüedad griega en el arte y esbozaron el movimiento conocido con el nombre de neoclasicismo. El término clásico llegó a constreñir no únicamente una fase concreto del arte griego, sino el arte griego y romano habitualmente.

Los artistas y arquitectos academicistas se limitaron a imitar las características formales del arte griego, a menudo sin comprender su espíritu. En el siglo XX algunos artistas reaccionaron contra las tradiciones académicas y comenzaron a apreciar el arte griego de la fase arcaico por encima de las fases artísticos ulteriores.

Los ejércitos de Alejandro Magno, tras apresar las ciudades-estado de Grecia, llevaron su cultura por todo Oriente Próximo. Las polis griegas sufrieron un destacado declive político y económico que afectó tanto a las esferas religiosas como a las sociales; esto dio lugar a una nueva forma de comprender el arte. Los griegos fueron abiertos a la influencia de ciertos elementos orientales, como la magnificencia decorativa y las religiones exóticas. En las ciudades más opulentas de Asia Menor, así como en Alejandría (Egipto), se desarrolló un nuevo helenismo, amalgama del espíritu griego y de los estilos orientales.

Las obras arquitectónicas disminuyeron en el momento en que Atenas, derrotada en el conflicto bélico del Peloponeso, perdió su supremacía política en el ámbito griego. En las artes plásticas, la nueva y detallada caracterización de las figuras reflejó un interés por el individuo, suceso que ratifican los poetas y filósofos de aquel momento.

La dinastía Tang (618-907) favoreció un gran desarrollo artístico, por lo que esta fase se conoce como la edad de oro de China. El país había sido consolidado, en primer lugar, durante el breve mando de la dinastía Sui (581-617) y, ya de manera más segura, por el joven monarca Taizong en el año 618. La estabilidad del gobierno y el bienestar financiero consecuente, favorecieron un florecimiento de todas las expresiones artísticas: pintura, cerámica, metalistería, música y poesía. Los budistas padecieron periodos de persecución durante la era Tang, sin embargo en el arte chino perduró la influencia de su religión.

De aquella fase se preservan en la actualidad las pagodas de piedra y las pinturas del monasterio de Dun-huang. En las provincias del norte se continuó practicando la escultura monumental en piedra, que demostraba una ascendente tendencia hacia las figuras corpulentas, repletas de sensualidad. Este interés por el volumen es la destacada característica de la escultura Tang, tanto religiosa como profana, que se aprecia en la piedra y en la cerámica. Son muy pocas las imágenes budistas de metal que se preservan de aquellos siglos, porque durante las fases de actividad antibudista se fundían para acuñar monedas.

1. Pintura

A pesar de que la pintura budista mantuvo su relevancia durante este periodo, la tradición paisajística sucedió a un primer plano. Se conoce el nombre de tres pintores, aunque de su obra sólo quedan algunas copias. Wang Wei, un solitario terrateniente, autor del paisaje monocromo, prefería los paisajes nevados. Sus obras sirvieron de modelo para otros pintores, y la intimidad y apacigua melancolía plasmadas en ellas fueron muy apreciadas por los artistas ulteriores. Contrastando con su estilo está el de Li Se-hiun y su hijo Li Chao-tao (activos hacia 651-730). Una copia desarrollada en el fase Song de la obra de este último Viajeros en la montaña (Museo del Palacio Nacional de Taipei, Taiwan) deja constancia del exilio de un monarca Tang. Como muchos paisajes de este periodo, está desarrollado en tonos verdes y azules brillantes, y presenta un impresionante ámbito con filas rocosas y frondosos árboles que le confieren un carácter monumental. Este estilo se encontraba muy distanciado de las composiciones más sencillas de pintores como Wang Wei.

En el fase Tang se perfeccionó la pintura de retratos iniciada en la era Han. Los emperadores encargaban retratos de sí mismos y de sus predecesores para las colecciones imperiales. En el Museo de Bellas Artes de Boston se conserva un ejemplo de esta tradición. Hablamos de una obra de Yen Li-pen, destacado artista Tang, en la que aparecen representados 13 emperadores desde la dinastía Han hasta la Sui. Igualmente se acostumbraba a ornamentar las cámaras funerarias con retratos de los difuntos y de los miembros de su familia.

2. Artes decorativas

La innovación es la característica destacado de la fase Tang en lo relativo a las artes decorativas. La influencia de comerciantes y artesanos provenientes de Oriente Próximo estimuló el surgimiento de nuevos estilos en metalistería y cerámica. Los frascos de viaje y los platos de plata y oro, con gran diversidad de maneras, traen a la memoria las tradiciones de Asia central. Los vistosos cacharros de loza, especialmente jarras y vasijas para beber, se parecían mucho a la orfebrería persa y se encontraban inspirados en modelos de metal. Es destacada la cerámica de esa fase pues gracias a una técnica elaborada en el sur de China fue posible guisar una sustancia blanca, de grano fino, que hoy se conoce como porcelana. Esta cerámica procede de una amalgama de caolín, cuarzo y feldespato molido que, una vez mezclada y moldeada al torno, se cuece en el horno a temperaturas altísimas que fluctúan entre los 1.250 ºC y 1.300 ºC. Si bien hasta después no se sacó partido de todas las posibilidades de la porcelana, sus orígenes en la dinastía Tang constituyen un destacado hito en este campo.

La dinastía Ch’in tuvo un destacado papel en la historia de China, pese a su brevedad (221-206 a.C.). El debilitamiento político del imperio Zhou oriental concluyó con la consolidación del poder del emperador Qin Shi Huangdi, del que procede el nombre de China. A su fallecimiento, este fuerte gobernante fue enterrado en la provincia noroccidental de Shanxi, en un túmulo funerario macizo, encontrado en 1974. En esta sepultura real han brotado más de 6.000 figuras de terracota (entre hombres y caballos) destinadas a resguardar la cripta. Representan uno de los regimientos del emperador, formado por oficiales perfectamente provistos, aurigas y arqueros, así como jóvenes militares de a pie. Este ejército de terracota se encontraba pintado con una holgada variedad de brillantes colores que el paso del tiempo se ha responsable de apagar. A pesar de que ya hacía tiempo que se habían abandonado los sacrificios humanos, propios de los enterramientos Shang, el anhelo de protección durante el viaje al más allá seguía siendo un destacada elemento en las prácticas funerarias.

Twins Seven Seven

Muchas de las llamadas artes convencionales de África están aún en pleno uso y vigencia. Como en todas las fases artísticas, coexisten actualmente en África destacadas innovaciones junto con significativos conservadurismos estilísticos. En años recientes, los progresos en los medios de comunicación experimentados en el continente africano han posibilitado la dispersión y divulgación a gran escala de las múltiples formas artísticas entre sus diferentes culturas. Hoy, por ejemplo, algunas máscaras de estilo nigeriano se están usando con asiduidad entre las poblaciones de Ghana y otras tribus de la costa de Guinea.

Imogen Cunningham

Los trabajos pioneros de Daguerre y de Talbot llevaron a dos tipos diferentes de fotografía. El daguerrotipo positivo, apreciado por su claridad y detalle, fue empleado en especial para retratos de familia como sustituto del mucho más caro retrato pintado. Después, el daguerrotipo fue suplantado en popularidad por la carte de visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otra parte, el procedimiento del calotipo de Talbot era menos necesario en los detalles, aunque tenía la ventaja de que producía un negativo del que se podían alcanzar el número de copias anheladas. A pesar de que el calotipo se asoció inicialmente a la fotografía paisajista, desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue empleada por el pintor escocés David Octavius Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.

El periodismo gráfico se distingue de cualquier otra labor fotográfica documental en que su finalidad es relatar una historia específica en términos visuales. Los reporteros gráficos trabajan para periódicos, revistas, agencias de prensa y otras publicaciones que cubren sucesos que engloban desde los deportes, hasta las artes y la política. Uno de los primeros fue el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, quien desde 1930 se dedicó a documentar lo que él llamaba el “momento decisivo”. Sostenía que la dinámica de cualquier situación dada alcanza en algún momento su punto álgido, momento que se corresponde con la imagen más significativa. Cartier-Bresson, maestro en esta técnica, poseía la sensibilidad para apretar el disparador en el momento oportuno. Los progresos tecnológicos de la década de 1930, en específico las mejoras en las cámaras pequeñas como la Leica, así como en la sensibilidad de la cinta, posibilitaron aquella técnica instantánea. Muchas de las imágenes de Cartier-Bresson tienen tanta fuerza en su concepción como en lo que difunden y son identificadas al mismo tiempo oficio artístico, documental y periodismo gráfico.

A finales del siglo XVII y comienzos del XVIII el estilo germánico de ópera se juzgaba inferior al estilo italiano. El centro operístico más importante de Alemania era Hamburgo, donde se inició un teatro de ópera en 1678. Reinhard Keiser compuso más de 100 obras allí. Posteriormente al fallecimiento de Keiser, los compositores y cantantes italianos dominaron todos los teatros de ópera de Alemania.

En lugar de reflejar la vida en otras partes del mundo, algunos fotógrafos del siglo XIX se limitaron a documentar las circunstancias de su propio entorno. De esta manera, el fotógrafo británico John Thomson plasmó la vida ordinaria de la clase jornalera londinense en torno a 1870 en un volumen de fotos titulado Vida en las calles de Londres (1877). El reportero americano de origen danés Jacob August Riis desarrolló de 1887 a 1892 una serie de fotografías de los barrios bajos de Nueva York reunidas en dos volúmenes fotográficos: Cómo vive la otra mitad (1890) e Hijos de la indigencia (1892). Entre 1905 y 1910 Lewis Wickes Hine, fotógrafo americano, captó igualmente en sus imágenes a los oprimidos de Estados Unidos: jornaleros de las industrias siderometalúrgicas, mineros e inmigrantes europeos. En Brasil, Marc Ferrez plasmó en sus fotografías la vida rural y las pequeñas comunidades indias. En Perú, el fotógrafo Martín Chambi recoge en su obra un retrato de la sociedad de su país y en especial de los pueblos indígenas.

En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado especialmente en tres ámbitos, al margen de otras consideraciones científicas o técnicas. Por un lado se hallan el campo del reportaje periodístico gráfico, cuyo propósito es captar el mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por otro tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e representativos.

El reportaje entiende la fotografía documental y la de redacción gráfica, y por lo general no se suele manipular. Lo normal es que el reportero gráfico emplee las técnicas y los procesos de revelado indispensables para aprehender una imagen bajo las circunstancias existentes. A pesar de que este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva, siempre hay una persona detrás de la cámara, que ineludiblemente selecciona lo que va a aprehender. Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración igualmente la propósito y el uso del reportaje fotográfico, las fotos más reales, y quizás las más imparciales, pueden ser empleadas como propaganda o con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría de los casos, no dependen del propio fotógrafo.

Arte maya, formas de expresión social, política e ideológica de uno de los pueblos más atrayentes de la América prehispánica. Sus expresiones engloban todas las técnicas y materiales imaginables y se despliega en el tiempo durante más de dos mil años.

El territorio que englobaron fue muy grande: el sur de México con la península de Yucatán, Guatemala, Belice y parte de Honduras y El Salvador. El periodo de mayor apogeo fue el clásico (300-900 d.C.), después sobrevino el denominado derrumbe maya de las tierras bajas de El Petén, el abandono de los centros más importantes y el resurgir de la civilización más al norte, en la península de Yucatán, durante el periodo posclásico (900-1500 d.C.). El arte maya hunde sus raíces en la cultura olmeca (1200-400 a.C.) y recibe ulteriores influencias de Teotihuacán y Tula. Nos encontramos, pues, ante un arte mesoamericano que interviene de sus mismos patrones y concepciones.

De Stijl (El estilo) fue el nombre de una revista en torno a la cual se constituyó el conjunto de artistas neoplasticistas holandeses en torno a 1919.

Sus representantes más destacados, además de los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg, fueron los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Rietveld (igualmente diseñador de muebles), cuya hogar Schröder (1924-1925) en Utrecht resume los criterios abstraccionistas del movimiento —volúmenes a partir de la intersección ortogonal de rasos independientes, pintados en colores primarios, así como la eliminación del ornamento y la simetría y la reiteración—.

Frank Lloyd Wright se formó en el estudio de Louis Sullivan hasta comenzar una trayectoria profesional independiente en 1900. A partir de esta fecha, proyectó un tipo de casas unifamiliares conocidas con el nombre de prairie houses (casas de la pradera), entre las que destaca la hogar Robie (1908) en Chicago. Esta arquitectura novedosa no recibió una gran acogida en Estados Unidos sin embargo sí en Holanda, donde sus principios racionales y su estructura a base de potentes rasos perpendiculares ejercieron una influencia decisiva en el movimiento neoplasticista.

Wright adaptó la hogar Robie al terreno, con sólidas terrazas de mampostería, dispuso una gran chimenea central y en torno a ella un espacio fluido continuo, enestablecido por intensos salientes que se proyectan hacia el exterior. Wright disfrutó de una larga y prolífica carrera, siendo el destacado ejemplo de la arquitectura orgánica. Uno de sus últimos proyectos fue el Museo Solomon Guggenheim de Nueva York (1946-1959).

Frank Lloyd Wright proyectó la hogar de la Cascada (1937) en Bear Run para la familia Kaufmann, siguiendo sus principios sobre la arquitectura orgánica. Está situada sobre una cascada natural, y en su construcción se combinan perfectamente la piedra, el hormigón y el hierro pintado.

En el Teotihuacán se desarrollaron diversas manifestaciones artísticas que se corresponden con tipos de arte muy ricos en detalles.

Arte mural

El arte mural se localiza en los muros de varios palacios ubicados en el perímetro urbano de la gran metrópoli. Ejemplifica muy bien la concepción sagrada de la ciudad. Las escenas están presididas por figuras de dioses o por sacerdotes ataviados con sus atributos. El más representado es el dios de la lluvia, Tláloc, protagonista de numerosas cultos conectadas con la tierra y la fertilidad. El Tlalocan, o paraíso del dios Tláloc, es el mural más conocido. Situado en la vecindad de Tepantitla nos muestra a quienes se hallan en ese paraíso gozando felices de los dones de la naturaleza. A mediados del siglo V, y coincidiendo con la expansión de la cultura teotihuacana a otros territorios, los murales se llenan de escenas y motivos militares, con guerreros armados con escudos, dardos y propulsores, jaguares y coyotes comiendo corazones humanos y desemejantes señales calendáricos asociados con registros dinásticos. Otros murales en Atetelco, Zacuala o Teopancaxco, arrojan información sobre otros dioses, sobre el almanaque, el comercio y las actividades guerreras.

En 1951, el director de cine japonés Akira Kurosawa, con Rashomon, obtuvo el gran trofeo del Festival Internacional de Cine de Venecia, dando a conocer el potente cine de su país al público occidental, tras años en que maestros japoneses del cine, como Ozu Yasujiro, hubieran sido la fuente de inspiración para los cineastas occidentales (de facto, el propio Kurosawa fue plagiado por la industria de Hollywood en dos ocasiones, con Los siete samuráis (1954), de la que los americanas hacen Los siete magníficos, de John Sturges, seis años después, y con Mercenario (1961), de la que parte Sergio Leone para hacer sus spaghetti-western). Las cintas de Mizoguchi y de Kinugasa eran dramas atractivamente producidos con una fotografía bella y caracterizada por un único empleo del color. Cuentos de la Luna pálida de agosto (1953), de Mizoguchi, sobre leyendas japonesas del siglo XVI, y La puerta del infierno (1954), de Kinugasa, sobre un cuento medieval de honor familiar, sobresalieron como trabajos de una gran madurez artística, profundidad filosófica e impacto visual.

La arquitectura de Teotihuacán se encuentra estrechamente conectada con el urbanismo. La planificación urbanística de la ciudad no únicamente se encuentra en el centro, sino que toda ella responde a un reticulado muy exacto. Adicionalmente del eje destacado de la ciudad, que corre de norte a sur, la avenida Este (este-oeste) divide el centro en cuatro partes. La ciudad se despliega por 20 km2 y debió tener una población de 100.000 habitantes. Alcanzó su mayor apogeo en la etapa Xolalpan (450-650 d.C.) cuya superficie englobó 24 km2 arribando a tener 250.000 habitantes. Las grandes pirámides del Sol y la Luna, el templo del Quetzalpadrelotl y la Ciudadela son los elementos más característicos. La pirámide del Sol, que mide 64 m de altura, pesa en torno a un millón de toneladas y ocupa 45.225 m2. El carácter cortesano de las construcciones se revela con la gran relevancia que adquiere la voluntad de la Ciudadela. Hablamos de una grande plataforma de 400 m de largo que sustenta pirámides, templos y altares. Al fondo del patio destacado se levanta el palacio de Quetzalcóatl, una estructura de seis cuerpos con tablero-talud, que después se ornamentaría con imágenes de los dioses Quetzalcóatl (la Serpiente Emplumada) y Tláloc (dios de la lluvia) y con muchos elementos marinos y conchas.

La Revolución Industrial modificó el entorno tecnológico y social de la construcción hasta tal punto que los antiguos preceptos y propósitos de la estructura arquitectónica perdieron toda su validez. A partir de 1840, los destacados artistas y críticos rastrearon nuevas aproximaciones a la arquitectura.

En Inglaterra, el escritor John Ruskin y el diseñador William Morris, autor del movimiento Arts & Crafts, sostenían que los objetos producidos por la máquina se encontraban desprovistos de significado cultural y por ello carentes de cualidades estéticas. Inspirados en el pasado medieval y en la ideología socialista aseguraron la relevancia del artesanado y rastrearon la implicación directa de los obreros en la realización de artefactos de uso ordinario y doméstico.