#Enciclopedista

La música computadorizada se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música desarrollada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los computadores almacenan la información de manera digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960, los términos música electroacústica y por computador aluden, respectivamente, aunque no de manera perseverante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de manera semejante, puesto que casi toda la música electrónica emplea ya tecnología digital.

Las distinguidas técnicas empleadas para hacer música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para hacer nuevos sonidos y las que se usan para modificar, o transformar, sonidos ya inscritos. En etapas pasadas se utilizaban osciladores y filtros de control por voltaje, sin embargo estas funciones las realiza hoy el computador. La producción de sonidos absolutamente nuevos obtenidos por la superposición o la amalgama de sonidos puros es un proceso denominado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el americano Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983).

Asentado el expresionismo abstracto como estilo preponderante, algunos artistas americanas comenzaron a rebelarse contra su carácter estricto y teórico. De esta rebelión nació el llamado Pop Art. Los artistas pop tomaron imágenes de los comunicados publicitarios de los medios de comunicación de masas, de las bandas de cómic, cintas, objetos ordinarios y de la cultura popular. A pesar de que se juzga un movimiento genuinamente americano, tuvo su principio en Londres, en una exhibición de Richard Hamilton y otros artistas. Un precedente del Pop Art se ha encontrado en la obra dadaísta de Marcel Duchamp, específicamente en sus ready-made. Los artistas más sobresalientes del Pop Art americano fueron Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann y James Rosenquist.

Música electrónica, música desarrollada por medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se representa a través de altavoces), la música electrónica en vivo (desarrollada en tiempo real con sintetizadores y otros conjuntos electrónicos), la música específica (desarrollada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo con música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música aluden en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy están en uso otras terminologías, como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, expresaciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías empleadas.

Arte y arquitectura contemporáneas, término empleado para denominar indiscriminadamente el arte y la arquitectura desarrollados durante el siglo XX, que entiende diversos movimientos, estilos y escuelas, unidas por su separación en relación al historicismo de finales del siglo XIX y su emancipación de los cánones clásicos, que habían sometido las Bellas Artes desde el renacimiento.

El cuestionamiento acerca de los fundamentos artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta permanencia y la mayoría alineados en la búsqueda de nuevas direcciones y fundamentos innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.

La cultura zapoteca (igualmente denominada cultura de Monte Albán) dominó el valle de Oaxaca. Se originó en el periodo preclásico (inició c. 1500 a.C.) y alcanzó su apogeo entre el año 300 d.C., en torno a, y el 700 d.C. En Monte Albán (fl. en torno al 500 a.C. y el 500 d.C.), que es el mayor agrupación urbano zapoteca, se aprecia que esta civilización mantuvo vínculos primero con los olmecas y después con Teotihuacán. Dado que concedían gran relevancia a la adoración de sus antepasados más ilustres, los zapotecas tienen una gran realización artística conectada con los ritos funerarios. Las sepulturas de Monte Albán y de toda la zona de Oaxaca tienen elaboradas urnas funerarias con figuras que representan deidades asociadas con fuerzas naturales como la lluvia y el viento.

En los templos de Monte Albán se aprecia la influencia del método de talud y tablero empleado en la arquitectura de Teotihuacán, al igual que en las espaciosas plazas envueltas de escaleras monumentales que guían a los basamentos de los templos. Igualmente hay estelas con relieves e inscripciones jeroglíficas diseminadas por la zona. Las sepulturas tenían antecámaras y muchos nichos y se encontraban ornamentadas con frescos que denotan la influencia de los murales de Teotihuacán.

El artista de jazz más prominente de la década de 1940 fue Charlie Parker, que se transformó en el jefe de un nuevo estilo conocido como bebop, rebop o bop. Al igual que Lester Young, Charlie Christian y otros solistas notorios, Parker tocaba con big bands. Pero, durante la Segunda Guerra Mundial la economía de guerra y los cambios en los agrados del público llevaron a la disolución de numerosas de estas orquestas. Este declive, en amalgama con el estilo absolutamente nuevo del bebop, produjo una revolución en el mundo del jazz.

La civilización maya dominó el sur de Mesoamérica durante la segunda mitad del primer milenio de nuestra era. A pesar de que se originó en el periodo preclásico, la cultura maya alcanzó su apogeo artístico e intelectual durante la última etapa clásica, desde en torno al año 600 hasta en torno al 900. En la etapa de la conquista española ya se encontraba en declive.

Ninguna otra civilización precolombina igualó a los mayas en la diversidad y calidad de su arquitectura. Los emplazamientos mayas clásicos se instauraron en un principio en las zonas de las tierras bajas tropicales. Comparados con la cultura de Teotihuacán, dichos emplazamientos parece que brindaron mayor atención a los trazos cultores y dedicaron menos interés a los urbanos. La mayoría de los vestigios mayas están en México. Entre ellas se puede mencionar Palenque, Yaxchilán y Bonampak y en la península de Yucatán, Chichén Itzá, Cobá, Dzibilchaltún, Edzná, Hochab, Kabah, Labná, Sayil, Uxmal y Xpuhil.

A lo largo de la década de 1920 hubo conjuntos de jazz que comenzaron a tocar siguiendo el modelo de las bandas de baile de sociedad, configurando las que se dieron en llamar big bands. Fueron tan conocidos en las décadas de 1930 y 1940 que este periodo se conoce como la era del swing. Uno de los trazos más importantes en el nacimiento de la era del swing fue un cambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans, usando un compás más fluido, de cuatro tiempos. Los músicos igualmente realizaron el uso de estructuras melódicas cortas, denominadas riffs, con pautas de cuestiona y respuesta. Para abastecer dicho procedimiento las orquestas se dividieron en secciones instrumentales, cada una con sus propios riffs, dando la ocasión a los músicos para que tocasen solos o improvisaciones espaciosas.

En Francia el periodo de maneración del romanticismo concordó con las Guerras Napoleónicas (1799-1815). Los primeros artistas franceses de este estilo hallaron su fuente de inspiración en los sucesos que les rodeaban. Antoine-Jean Gros inició la transformación del neoclasicismo al romanticismo impulsado por el estilo sobrio de su maestro, Jacques-Louis David, quien tenía un estilo más colorista y emocionante, influido por el pintor flamenco barroco Petrus Paulus Rubens. La destacada figura del romanticismo francés fue Théodore Géricault, que además llevó las tendencias trágicas y coloristas al estilo de Gros y modificó el sentido heroico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento. En su Coracero herido (1814) un soldado, en medio de una humareda, se desmaya en el campo. Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de aislamiento y vulnerabilidad; y esto para Géricault y otros pintores románticos constituía la esencia de la condición humana.

Un elemento importante en la evolución del jazz de la década de 1920 fue la música para piano. El distrito de Harlem, en la ciudad de Nueva York, se transformó en el centro de un estilo muy técnico, inspirado en los potentes contratiempos desarrollados por la mano izquierda del pianista, con improvisaciones muy espaciosas, y que se daría a conocer como stride piano. El maestro de esta escuela de comienzos de la década de 1920 fue James P. Johnson, cuyo alumno Fats Waller —vocalista y showman de talento— se transformó en el intérprete más popular de este estilo.

La mayoría de la música primigenia de jazz se representaba en pequeñas bandas de marcha o la tocaban pianistas solistas. Adicionalmente del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en las celebraciones campestres, nupcias, desfiles y funerales. Era tradicional que las bandas tocasen endechas de trayecto a los funerales, y marchas alegres al regresar. Si bien el blues y el ragtime florecieron con independencia del jazz y siguieron coexistiendo con él, influyeron en su estilo y sus formas, y sirvieron de vehículo importante para la improvisación jazzística.

El rock latino no es más —ni tampoco menos— que la irrupción de los sonidos latinoamericanos y el idioma español en el rock. Porque en su génesis, el rock and roll fue un ritmo anglosajón, amalgama de los tres grandes estilos conocidos americanas, el country, el blues y el jazz. Pero el rock es una música permeable y el primer éxito de rock and roll cantado íntegramente en castellano llegó en 1959. Fue ‘La Bamba’, la adaptación de una canción convencional mexicana desarrollada por Ritchie Valens, el alías con el que el californiano Ricardo Valenzuela ocultaba su origen mexicano. El inmediato fallecimiento de Valens en un accidente de aviación, truncó la optimismo de ver hacia donde podía evolucionar esta tendencia.

Tras el golpe generado por los triunfos internacionales de The Beatles especialmente, florecieron en muchos países de Europa una gran cantidad de conjuntos atraídos por los ritmos de los nuevos tiempos. Existe coincidencia general en que en España, y debido a la beatlemanía, el rock inició a asegurarse entre 1964 y 1966, años en que ya se encontraban en activo numerosas bandas que habían ganado cierto prestigio y divulgación: Los Brincos, Bruno Lomas y Los Rockeros, Los Pekenikes, Lone Star, Micky y Los Tonys, Los Mustang, Los Sírex, Pop Tops, Los Bravos, Los Canarios, Los Cheyennes, fueron algunas de las más conocidas que consiguieron además cierto eco en otros países, así como Miguel Ríos y Teddy Bautista al emprender sus carreras en solitario.

En la década de 1970, el rock ya era una industria y un negocio. Y los músicos querían ser lo que se designó rock stars. Las estrellas del rock vivían en un mundo aparte, una especie de versión juvenil de Hollywood bajo la máxima ‘sexo, drogas y rock’n´roll’.

El primer gran pintor del renacimiento italiano fue Masaccio, autor de un nuevo concepto de naturalismo y expresividad en las figuras, así como de la perspectiva lineal y aérea. Su pintura es realista, sobria y visiblemente definida, y se adelanta en casi cien años a la maniera grande de los pintores del siglo XVI. A pesar de que tuvo una carrera corta (falleció a la edad de 27 años) la obra de Masaccio tuvo una grande divulgación en el curso del arte ulterior. Los frescos (c. 1427) que representan capítulos de la vida de san Pedro pintados para la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, exhiben el carácter revolucionario de su obra, especialmente en lo que se refiere al empleo de la luz.

En una de las escenas más famosas, El tributo de la moneda, Masaccio reviste las figuras de Cristo y de los apóstoles con un nuevo sentido de dignidad, monumentalidad y refinamiento. Los frescos de la capilla Brancacci sirvieron de inspiración a pintores ulteriores, entre ellos el propio Miguel Ángel. En el fresco de la Santísima Trinidad (c. 1420-1425, Santa Maria Novella, Florencia) Masaccio, aplicando algunos de los hallazgos de Brunelleschi relativos a la perspectiva lineal, creó por primera ocasión la ilusión espacial.

A lo largo del golfo de México se desarrolló una cultura que en el pasado se denominó erróneamente totonaca, y que actualmente conocemos como cultura clásica de Veracruz. Recibe su nombre del actual estado mexicano de Veracruz, que corresponde en torno a la zona donde se concentró la actividad de dicha cultura. En El Tajín, destacado centro cultor, se hallan siete edificaciones para el juego de pelota, que indican la relevancia que tenía para la cultura clásica de Veracruz el juego de pelota mesoamericano, un deporte alegórico de carácter ritual, el tlachtli. Muchos de los relieves más importantes de esa civilización decoran las edificaciones destinadas a este juego, y en algunos se simboliza el sacrificio ritual de los partícipes.

El jazz ahonda sus raíces en el eclecticismo musical de los afroamericanos. En esta tradición sobreviven huellas de la música del África occidental, de las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo, de la música popular y clásica europea de los siglos XVIII y XIX y de maneras musicales conocidos ulteriores que han influido en la música negra o que son obras de compositores negros. Entre los aspectos africanos se hallan los estilos vocales, que destacan por una gran libertad de coloración vocal, la tradición de la improvisación, las pautas de cuestiona y respuesta, y la complejidad rítmica, tanto en la síncopa de líneas melódicas individuales como en los ritmos complejos que tocan los diferentes integrantes de una formación. Otras formas de música afroamericana son los cantos que seguían el trabajo, las nanas y, aunque ulteriores, los cánticos espirituales y los blues.

Jazz, forma musical nacida hacia 1900 en Estados Unidos. Posee una historia definida y una evolución estilística específica. En su desarrollo ha tomado elementos de la música folclórica; a su vez, la música popular los ha tomado del jazz.

Arquitectura colonial, agrupación de expresiones arquitectónicas que florecieron en América Latina desde el hallazgo del continente, en 1492, hasta la emancipación del mismo, a comienzos del siglo XIX.

A principios del siglo XVI puede decirse que ha finalizado la conquista de América en su mayoría. Sobre miserias de grandes imperios precolombinos, como México y Perú, se organizan los cimientos de la nueva civilización hispanoamericana. El arte en Latinoamérica va a ser básicamente religioso, establecido por el poder de las notorias órdenes religiosas surgidas del antiguo continente. En el trazado reticular de las ciudades, con origen en los esquemas romanos filtrados a través de los españoles que los formulan, aparecen las plazas y los monumentos como elementos aptos de tensionar y referenciar el agrupación. La iglesia, edificada junto a la plaza central de las poblaciones, se erige en punto de referencia del espacio urbano. Pese a la uniformidad que las órdenes religiosas, muy centralizadas, van a pretender dar, las nuevas formas artísticas van impregnándose de variaciones étnicas y geográficas. Las diferentes escuelas se diferenciarán tanto por los materiales empleados para la construcción, específicos en cada zona, como por las tipologías de los edificios gracias a la cometido que deban cumplir.