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Museo de Arte Moderno (México), museo mexicano ubicado en el bosque de Chapultepec de la ciudad de México. Fue inaugurado en 1964, año en que concluyeron las obras del edificio que lo alberga, cuyo diseño fue obra de los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares.

El Museo de Arte Moderno tiene una superficie de más de 36.000 m2, a la que hay que agregar los amplios jardines donde se exhiben obras escultóricas. Sus cinco espacios básicos de exhibición son la Sala Xavier Villaurrutia, la Sala Carlos Pellicer, la Sala José Juan Tablada, la Sala Antonieta Rivas Mercado y la Galería Fernando Gamboa. Su recopilación estable está integrada por obras de los más característicos artistas mexicanos del siglo XX, con una importante presencia de los miembros de la escuela mexicana de pintura. De este modo, se pueden observar obras de artistas como Frida Kahlo o Cordelia Ureta. Pintores surrealistas, rupturistas y jóvenes artistas mexicanos tienen igualmente un espacio en el Museo. Mención especial merece la recopilación que tiene de obras de Rufino Tamayo, de quien se exhiben establemente cuadros como Las músicas dormidas y Hombre radiante de alegría.

El Museo ha sido sede de importantes exposiciones, como las dedicadas a Auguste Rodin, Paul Klee, Wifredo Lam, Joan Miró, Henri Cartier-Bresson, Giorgio de Chirico y Henry Moore, entre otros.

Museo de Arte (Perú), museo peruano sito en la capital del Estado, Lima, que ofrece una visión general del arte de Perú a través de las tres grandes etapas de su historia: prehispánica, colonial y republicana.

Del periodo prehispánico pueden apreciarse piezas de cerámica, textiles y metalúrgicas provenientes de todas las culturas que poblaron Perú desde su horizonte temprano. El periodo colonial está representado por lienzos de Cuzco y Lima, escultura e imaginería religiosas, mobiliario, platería y marfiles. Las salas que se dedican al arte de la república incluyen aquellas obras identificadas representativas de los más importantes pintores académicos, indigenistas y modernos.

El Museo aún tiene un encantador adicional a sus fondos, que es el propio edificio que lo alberga, antiguo Palacio de la Exposición, construido en 1872.

Galería de Arte Nacional (Venezuela), museo venezolano desarrollado en 1976 y ubicado en la entrada oeste del parque Los Caobos de Caracas. Este edificio forma una agrupación museística con otras fundaciones culturales, como el Museo de Ciencias Naturales, el Museo de Bellas Artes y el Ateneo de Caracas.

La Galería de Arte Nacional es una fundación pública, consagrada por excelencia a inspeccionar, preservar y promover las artes plásticas venezolanas de todos los tiempos. En sus exposiciones estables pueden observarse obras de artistas venezolanos de gran prestigio internacional como Cornelius Zitman, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero, además de obras de Antonio Herrera Toro, Arturo Michelena, Cristóbal de Rojas y Martín Tovar y Tovar. En su patio central, además, se pueden observar atrayentes trabajos escultóricos.

En Francia a lo largo del siglo XIII las artes decorativas estuvieron bajo el dominio de la evocación religiosa. Los medallones que aparecen en las ilustraciones de las Bibles moralisées (Biblias moralizadas), en el segundo cuarto del siglo, se basaron sin duda en el diseño de las vidrieras catedralicias. En el salterio de Luis IX (posterior a 1255), los gabletes con rosetones que enmarcan las miniaturas imitan los modelos de la Sainte-Chapelle. A partir de 1250 el mismo estilo cortesano inspira la escultura monumental y las pequeñas tallas elefantinas (de marfil).

El hinduismo, el budismo o el islam no han ejercido la misma influencia sobre todas las regiones del Sureste asiático. Esto es lo que ocurre específicamente en las tribus de las colinas del interior, en partes de Sumatra y Kalimantan (Borneo) y entre los habitantes de la Indonesia Oriental. Entre todos estos conjuntos, el espíritu y la devoción a los ancestros constituyen el tema destacado, tanto en arte como en arquitectura. Los pueblos de Papúa (Irian Jaya), por ejemplo, usan los mangles para tallar estacas bis, que representan a las concepciones previas de una familia. Hasta la cristianización de estos pueblos, se erigían bis para vengar el fallecimiento, culto en la que se incluía igualmente la caza de cabezas.

Uno de los elementos arquitectónicos elementales de la ciudad medieval es la catedral. Situada en el centro de la villa, constituía el punto de encuentro de la vida social de la comunidad y un destacado elemento de identidad para todos sus miembros. A lo largo del periodo gótico se cimentaron algunos de los ejemplos más destacados de la cristiandad, como el de Chartres en Francia o el de Burgos en España.

En la ciudad medieval europea es la catedral el edificio más característico de la vida y del espíritu de la sociedad, ya que en su construcción ha intervenido toda la ciudad, directa o indirectamente.

La escultura prehistórica primitiva se realizaba en piedra, arcilla, marfil, cobre y oro.

En el valle del Indo, entre los restos de los edificios de ladrillo quemado de Mohenjo-Daro, han brotado objetos del III milenio a.C. entre los que hay figuras de alabastro y mármol, figurillas representando a diosas desnudas y animales en terracota y loza fina, un modelo de una carreta en cobre y muchos sellos cuadrados de marfil y loza con animales y pictografías. La similitud de estos objetos con las obras de Mesopotamia en cuanto a los asuntos y a las formas estilizadas indica la existencia de una relación entre las dos culturas y un posible origen común (véase Arte y arquitectura de Mesopotamia).

No hay pruebas de que hubiera contactos con la cultura de Oriente Próximo en la etapa védica y ulterior. A la etapa más antigua de este periodo pertenece una figurilla de oro, del siglo IX, que simboliza a una diosa, y que ha sido hallada en Lauriya Nandangarh. Entre los objetos siguientes, pertenecientes al periodo en torno al 600 a.C. hay discos de piedras pulidas y ornamentadas, y monedas que representan desemejantes tipos de animales y símbolos religiosos.

La primera muestra de arquitectura india fue la construcción de edificios de ladrillo, al tiempo que se erigían estructuras de madera. Estas últimas fueron desapareciendo a lo largo de los siglos, sin embargo fueron imitadas por construcciones de piedra que aún siguen en pie.

El budismo, acudido a China desde la vecina India, tuvo un intenso efecto sobre el arte de la fase de las Seis Dinastías. Los primeros ejemplos de arte budista que se vieron en China fueron las estatuillas traídas por los budistas indios. En el siglo IV la afluencia de estilos y asuntos produjo una nueva clase de arte y arquitectura budistas dentro de la tradición china. En la zona occidental aún se pueden observar, en el monasterio de Dun-huang, destacadas pinturas murales inspiradas en historias sagradas. Aumentó la popularidad de la escultura monumental proveniente del norte de la India, y se desarrollaron tallas en piedra maciza que representan a las deidades budistas en las montañas de las provincias de Henan y Shaanxi. Una de las contribuciones más importantes a la arquitectura de la fase fue la pagoda de madera, inspirada en la stupa india y en la torre de la dinastía Han. Hacia el siglo VI prácticamente todas las facetas de la vida cultural china se encontraban inspiradas en el budismo.

El apogeo del estalinismo en la Unión Soviética y del nacionalsocialismo en Alemania detuvo de manera tajante la evolución de la arquitectura moderna en estos países. El fascismo italiano, en cambio, acogió esta tendencia arquitectónica como expresión del nuevo orden social, lo que aceptó la construcción de edificios racionalistas tan significativos como la hogar del Fascio en Como (1932-1936), obra de Giuseppe Terragni. Por el contrario, el nazismo germánico procedió al cierre de la Bauhaus en 1933, fuerzando con ello a Mies van der Rohe y Walter Gropius a exiliarse en Estados Unidos en 1937.

La destrucción generada por la Segunda Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la necesidad de reemplazar los edificios derribados por otros alojamientos de bajo coste. Esta ocurrencia propició la invención del método ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se transformó en el arquitecto más insigne del siglo XX. Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret sugirió hacer edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos amparos sostenían las vigas en voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares. Dada la resistencia de este método constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la cometido de soporte, permitiendo por consiguiente aligerar su carga y abrir los vanos que se juzgaran indispensables.

A lo largo de los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos comenzaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por así pues dominaban las escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más destacadas fue el movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples, nula ornamentación y desasosiego por el papel social de la arquitectura. Pese a estos criterios de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, como C. F. A. Voysey y Philip Webb, se manifestaron contra los progresos industriales demandando los trabajos artísticos propios de la sociedad preindustrial. Este desasosiego contrasta grandemente con el decidido amparo a la tecnología proclamado por otros arquitectos de la fase, en especial por algunos incondicionales del Art Nouveau, como el belga Victor Horta.

International Style o Movimiento moderno, en arquitectura, corriente surgida en las iniciales décadas del siglo XX, que marca una separación revolucionario con las formas compositivas convencionales. El movimiento moderno aprovechó las probabilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio raso en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de ornamentación en las fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos.

A pesar de que los orígenes de este movimiento pueden rastrearse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se cimentaron a partir de la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J. P. Oud y Le Corbusier. El término International Style inició a generalizarse en Estados Unidos tras la exhibición de arquitectura moderna conmemorada en 1932 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con motivo de la cual Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson escribieron el libro International Style: Architecture since 1922. Igualmente se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura alarmada por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos. Pese a que tras la Segunda Guerra Mundial hubo aún destacadas construcciones dentro de este estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado sometidas por otros movimientos críticos, herederos en cualquier caso del movimiento moderno.

Le Jardin des Colonnes © Jean Pierre Guyomard

En la década de 1960 apareció entre muchos arquitectos un sentimiento de desaprobación hacia el International Style, que había degenerado desde su pureza inicial hacia fórmulas que parecían monótonas y estériles. Una de las corrientes arquitectónicas que va a reaccionar contra la ortodoxia del racionalismo será la llamada posmoderna, asociada al movimiento filosófico del mismo nombre. El posmoderno en arquitectura no pretendió ser un movimiento conexionado, sino una serie de conductas individualistas que varían desde las tendencias neohistoricistas de Ricardo Bofill o de Óscar Tusquets hasta los extremados aspectos del deconstructivismo que practican Frank Gehry o Zaha Hadid, pasando por la ironía de Robert Venturi, Helmut John o Michael Graves. El polifacético Philip Johnson dio un espaldarazo a la corriente posmoderna con la erección del edificio AT&T (1982) de Nueva York, un rascacielos coronado por un frontón partido.

La educación de Louis I. Kahn en la tradición academicista le inculcó el reconocimiento por los métodos constructivos romanos (como el de las termas de Caracalla) y produjo una conducta ambigua inspirada en el estudio reflexivo de la historia arquitectónica desde la antigüedad hasta Claude Nicolas Ledoux.

A mitad de su carrera combinó estas preocupaciones con las premisas del movimiento moderno en edificios como los laboratorios Richards (1958-1961) de la Universidad de Pennsylvania (Filadelfia) o el Instituto Salk (1965) en La Jolla (California). Gracias a estas obras monumentales alcanzó un gran fama internacional que le procuró destacadas requeridos en países en vías de desarrollo. A esta fase de su trayectoria pertenece el Instituto indio de compañía (1975), en Ahmedabad (India) y sus proyectos de la década de 1960 para Dhaka, la capital de Bangladesh, como el edificio de la Asamblea Nacional.

La década de 1980 ha sido testimonio de una revolución en las formas de entrar a los artículos cinematográficos, con la sustitución del visionado en las salas de cine por el vídeo doméstico, en el que los títulos de debut —especialmente los de las grandes superproducciones— están disponibles poco tras su pase por las salas. Este suceso, unido a la implantación sucesiva de la televisión por cable, con canales temáticos, en las que hay y habrá aún más canales especializados en la emisión continua de cintas, amenaza seriamente no ya a la industria, sino la circunstancia mismo del cine.

Como consecuencia, se está desarrollando un clima semejante al de la década de 1950, en el momento en que las productoras rastrearon, ante la aparición de la televisión, nuevos formatos en busca de un mayor espectáculo, para conquistar cautivar de nuevo a los espectadores a las salas de cine.

Arte de Teotihuacán, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas por la primera gran civilización de la región central de México (200 a.C.-700 d.C.). Su capital, Teotihuacán, situada a 45 kilómetros de la actual ciudad de México, se transformó en la ciudad más importante de Mesoamérica. Las mejoras en las técnicas agrícolas, inspiradas básicamente en la canalización de las aguas, hicieron posible una gran concentración de población que serviría de apoyo económico de la ciudad y de mano de obra para las grandes construcciones públicas. El arte teotihuacano manifiesta por primera ocasión de manera grandiosa la concepción estatal mesoamericana que encontraría eco en enclaves tan distanciados como Monte Albán, El Tajín, Kaminaljuyú o Tikal.

La mayor contribución de Teotihuacán fue establecer las peculiaridades definitorias de la ciudad sagrada. Toda ella constituye un gran teatro propagandístico donde la escenografía es espectacular y emotiva. La holgada Avenida de los Muertos con las grandes pirámides del Sol y la Luna componían un eje monumental, en torno al cual se erigían construcciones palaciegas y templarias, mientras las extensiones habitacionales se situaban en los barrios de las afueras (Atetelco, Tetitla, Tepantitla). Su grandeza es tal que en el momento en que varios siglos después los aztecas tuvieron que tomar la elección un lugar para situar la producción del mundo se decidieron por Teotihuacán. Un ascendente comercio llevó su influjo hasta los enclaves más distantes de Mesoamérica: por el norte hasta los desiertos de Sonora y Sinaloa y, por el sur, hasta Uaxactún y Tikal en las tierras bajas mayas. El resultado fue un grande crecimiento de los sectores artesanales y un perfeccionamiento técnico de todas las artes como jamás antes se había conocido.

Adicionalmente de los primeros trabajos del cineasta Alfred Hitchcock, que comenzó a hacer largometrajes en Hollywood en 1939, y el trabajo durante la posguerra del gerente Carol Reed, con obras como Larga es la noche (1946), la contribución más peculiar del cine británico en las décadas de 1930 y 1940 fue la escuela documentalista dirigida por John Grierson, que acuñó el término documental, definiéndolo como “el tratamiento ingenioso de la realidad”, para discernirlo de los noticiarios y de las cintas de viajes. Como resultado del amparo estatal, se rodaron Song of Ceylon (Canción de Ceilán, 1934), Housing problems (Problemas de la vivienda, 1935) o Night Mail (Correo nocturno, 1936), con las que el género maduró, estableciendo una relación más cercana con el público mediante la inclusión de citas y simulaciones dramatizadas de factos, en un estilo precursor de los actuales docudramas televisivos.

Arte gótico, estilo artístico europeo con unos límites en el tiempos que fluctúan entre en torno a el año 1140 y las iniciales décadas del siglo XVI, conforme las extensiones geográficas. Se desarrolló en el ámbito de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las múltiples artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera ocasión por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos sopesaban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico. En el siglo XIX sucedía una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se juzga uno de los momentos más destacadas desde el punto de vista artístico en Europa.

Orígenes de la agricultura, inicios del cultivo de plantas y de la domesticación de animales, nos trasladan a la prehistoria. La naturaleza de la agricultura, que va unida a la domesticación de animales se asocia, por norma general, al periodo neolítico y en términos generales, denota un distanciamiento de la vida nómada del cazador-recolector. Está asociado con la vida sedentaria, el avance de asentamientos estables y la aparición de los primeros recipientes de barro para cocinar y almacenar los alimentos. El origen de la agricultura se encuadra dentro de la revolución neolítica, que sucedía hace unos 10.000 años en el Oriente Próximo, hace unos 8.000 años en China y es posible que hace unos miles de años en el Nuevo Mundo.

El desarrollo de la agricultura ha sido considerado siempre como una revolución, una nueva estilo de vida hecha posible gracias a la implantación del cultivo y a la cría de ganado por parte de unos hábiles cazadores-recolectores. En décadas recientes, sin embargo, se ha generado evidente que la caza, la pesca y la recolección representan, habitualmente, un estilo de vida mucho más sencillo y descansado que la agricultura, que precisa un considerable trabajo para organizar el suelo, sembrarlo, eliminar las malas hierbas y juntar las cosechas. De este modo pues, la agricultura no era un estilo de vida mejor, sino que es posible que fuera adoptado por una necesidad. Hoy en día se da por supuesto que este tránsito se vio influido por circunstancias bastante específicas como un incremento de la población debido a la mejora en las circunstancias medioambientales al concluir los periodos glaciales, o a una reducción de las probabilidades de caza y recolección.