#Enciclopedista

La década de 1980 quedará conectada a la historia del rock por dos sucesos ajenos a la música. El primero, el homicidio de John Lennon, a manos de un fan mentalmente inestable, el 8 de diciembre de 1980. Pero especialmente por el nacimiento, el 1 de agosto de 1981, de la cadena MTV (Music Television), el primer canal musical de televisión con una programación de 24 horas. La emisora, inspirada en la emisión de videoclips, precisa 200 mensuales para renovar la programación y eso dará alas a la producción de estos spots de tres minutos que sustituirán al single radiofónico.

Entre el 17 de agosto de 1960, día en que The Beatles actuaron por primera ocasión con ese nombre en el Indra Club de Hamburgo (Alemania), y el 15 de agosto de 1969, en el momento en que se inició en Bethel, estado de Nueva York, el festival de Woodstock, median apenas nueve años. La gran discrepancia es que en el Indra apenas había medio centenar de asistentes y a Woodstock acudieron 400.000 personas a ver a Jimi Hendrix, The Band, Creedence Clearwater Revival o Janis Joplin. El rock había empezado la década como una curiosidad y la concluyó como el movimiento más importante de la actualidad. Un aglutinante de la juventud, que lo mismo servía para hacer más llevadera la vida de los militares en el conflicto bélico de Vietnam que para oponerse contra esa guerra.

El ansia por marcar un cambio revolucionario a las formas de vida, a través del rock and roll, quedó expuesto con el surgimiento en escena de The Rolling Stones, nombre tomado de un tema de Muddy Waters. Se presentaron en público el 12 de julio de 1962 en el célebre local Marquee de Londres, en el momento en que aún sus constituyentes eran una formación insegura. Representaban, entre los reducidos círculos en que se desenvolvían en sus principios, la optimismo británica del rhythm and blues anglosajón y blanco, y en poco tiempo consiguieron celebridad como imitación a la beatlemanía.

Pero, sería absurdo admitir esta visión de la historia del rock, pues conforme acreditados testimonios (entre ellos los de un ayudante del mánager de The Beatles), los jefes de la banda, Keith Richards y Mick Jagger, solicitaron en 1963, por la vía de el compañerismo, una constitución a sus directos contrincantes: el proyecto formado en un rato por McCartney y John Lennon se transformaría, conforme los mismos testimonios, en el tema ‘I Wanna be Your Man’, que algunos consideran el primer éxito de los Stones.

La riqueza aguardaba a Elvis Presley, nacido en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935. Pertenecía a una familia humilde del sur de Estados Unidos (white trash, ‘basura blanca’ para los herederos de los ideales esclavistas de la Confederación Sudista) que se fijó en Memphis en 1948, sin embargo en 1954 ya cantaba y grababa asuntos de Arthur Crudup y Bill Monroe, fluctúando entre el blues, el gospel y el country rural.

Por aquella etapa, el fin de algunas compañías discográficas, ante la declive del country (el año nuevo de 1953 fallecía Hank Williams), consistía en conocer a cantantes que evidenciaran ‘sentimientos blancos’ con fuerza, voces y corazones negros, y Elvis pareció el artista elegido en una etapa en que ya gozaban de relativo crédito solistas como Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash, Roy Orbison y Chuck Berry. Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de los cinco pioneros o, en cualquier caso —en palabras de Jesús Ordovás—, de ‘los cinco grandes autores del rock and roll’. Pero Elvis, gracias a su cooperación en diversos espectáculos intensivos de la ciudad de Nashville-Davidson a comienzos de 1956, de clara significación country, pudo abandonar a su condición de héroe local que goza del interés de una audiencia reducida sin embargo devoto, y con habilidad, apoyándose en su asunto ‘Heartbreak Hotel’, atradicional en el entorno donde lo presenta, deslumbra, hipnotiza a masas de quinceañeras y se alza con un triunfo que le catapulta en cuestión de pocos días al primer puesto de la lista de triunfos de Estados Unidos.

Los trazos más sobresalientes del avance artístico precolombino se hallan en la arquitectura, la escultura, las pinturas murales y las artes decorativas como la cerámica, la metalistería y los tejidos.

A lo largo de 3.000 años, antes de la exploración y colonización del hemisferio occidental por parte de los europeos, los pobladores nativos de la América precolombina poseían una agrupación de civilizaciones cuyos logros artísticos e intelectuales podían competir con los de la antigua China, de la India, Mesopotamia y el mundo mediterráneo.

Estos logros resultan aún más atrayentes si tenemos en cuenta que la mayoría de las técnicas de las civilizaciones del hemisferio oriental no eran conocidas en el Nuevo Mundo. La rueda, por ejemplo, se utilizaba en Mesoamérica únicamente en los juguetes y jamás llegó a adaptarse a la alfarería, a la construcción de carretas o como método de arrastre. El uso de herramientas de metal no era frecuente y, además, no comenzaron a emplearse hasta las últimas etapas de la historia precolombina. Los mayas realizaban elaboradas esculturas y complejos ornamentos de jade golpeando una piedra con otra.

Curiosamente, la persona que mejor simboliza al rock en la década en la que se desarrolla Internet es un músico que no pudo aguantar la fama, Kurt Cobain, que se suicidó en 1994, a los 27 años, autor de Nirvana, los máximos ejemplos del grunge y autores de Nevermind (1991), el primer disco rock con un sonido que se puede calificar de ‘noventas’. El grunge fue un efímero movimiento rockero salido de Seattle, heredero del rock de la década de 1970 y el punk, y al que se sumó el espíritu de la denominada descendencia X. Los hijos del baby boom de la segunda mitad de la década de 1960, que frisando los 25 años hallan muy difícil su integración en el mundo laboral desarrollado por sus padres. Son los años de la implantación de disco compacto y de la cultura de clubes.

A comienzos del siglo XX se idearon instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, sin embargo eran muy rudimentarios en su construcción y liosos en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser empleados en las representaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos indispensables para hacer y modificar los sonidos por medios electrónicos. En la década de 1960, Robert Moog, Donald Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a hacer sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o el volumen, y se empleaba para hacer, filtrar y modificar, sonidos electrónicos. Pronto florecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían empleados cada vez más con propósitos comerciales, desde los comunicados de la televisión hasta la banda sonora de cintas de ciencia ficción. Hoy existe una holgada diversidad de sintetizadores, aptos de imitar casi cualquier sonido y de hacer gamas tonales y timbres absolutamente nuevos.

Frente al cine que representan los previos autores de cine de culto, pese a ser americano y en ocasiones asociado a la industria de Hollywood, ésta ha continuado otras líneas de realización para el consumo intensivo, en especial de niños y adolescentes. Se basan especialmente en el efectismo que las nuevas tecnologías y los grandes cálculos permiten. Dentro de esta categoría figuran las cintas de catástrofes, como La aventura del Poseidón (1972), de Ronald Neame, El coloso en llamas (1974), de John Guillermin e Irvin Allen, o Titanic (1997), de James Cameron, premiada con 11 distinciones Oscar de la Academia; las simulaciones de personajes del cómic, como Superman (1978), de Richard Donner, Batman (1989), de Tim Burton, y Spider-Man (2002), de Sam Raimi; o las cintas bélicas de ciencia ficción como la saga Star Wars, de Georges Lucas: La guerra de las galaxias (1977), El imperio contraataca (1980), El retorno de Jedi (1983), La amenaza fantasma (1999) y El ataque de los clones (2002), la primera cinta completamente digital. A esto hay que agregar las fantasías tecnológicas que ha generado posible los progresos de la informática, como Matrix (1999), de Larry y Andy Wachowski.

Las cintas de gánsteres y musicales dominarían la pantalla a comienzos de 1930. El éxito de Hampa dorada (1930), de Mervyn LeRoy, hizo una estrella de Edward G. Robinson. Películas como El enemigo público número 1 (1934), de W. S. Van Dyke, o Scarface, el miedo del hampa (1932), de Howard Hawks, dieron dinamismo, vigor y realismo a la pantalla, como los musicales y las comedias estrafalarias que parecían exhibir una conducta contestataria ante la vida. El éxito del musical de la Warner, La calle 42 (1933), de Lloyd Bacon y Busby Berkeley, inició una tendencia a hacer cintas de baile, con coreografías magistrales de Berkeley. Éstas darían paso a musicales más intimistas, como los de Fred Astaire y Ginger Rogers, como Sombrero de copa (1935), de Mark Sandrich, y Swing time (1936), de George Stevens.

Los cómicos conocidos, como W. C. Fields, los Hermanos Marx, Mae West y Stan Laurel y Oliver Hardy (el Gordo y el Flaco), desarrollaron al tiempo mundos cómicos diferentes y personales con los que el público de cada uno de ellos se identificaba. Por así pues, gran parte de la violencia y la carga sexual de las iniciales cintas de gánsteres y de las comedias musicales fue reducida por la influencia de la Legión Católica para la Decencia y la ascendente fuerza de las leyes de la censura de 1934.

El cinematógrafo fue conocido en la mayoría de las capitales de los países latinoamericanos inminentemente tras la primera proyección desarrollada en París por los hermanos Lumière. Pero, en ninguno de ellos apareció una industria propiamente dicha hasta la década de 1940. Desde principios del siglo XX, a través de la distribución y la exhibición, las compañías americanas de cine detentan el control de las pantallas de todo el continente, excepto en el corto periodo de la Segunda Guerra Mundial. Como aliado, México se benefició de este destacado mercado cedido por Estados Unidos en detrimento de Argentina y España, el primero neutral y el segundo bajo una tiranía fascista, que vieron decaer sus correspondientes industrias cinematográficas. En ese periodo México vio aumentar su industria gracias a un mercado seguro de conversa castellana. Las manufacturas por lo general eran comedias y dramas conocidos, en el momento en que no cintas de tendencia asociado-folclórica.

El cine en México había empezado con Riña de hombres en el zócalo (1897). A partir de esta fecha no se dejaron de hacer cintas, en términos generales noticiarios sobre la independencia y la Revolución Mexicana como El grito de Dolores (1910, de Felipe Jesús del Haro) o Insurrección en México (1911, de los hermanos Alva). En 1917, el gobierno de Venustiano Carranza restringe la divulgación del cine documental revolucionario, y ese mismo año se funda la productora Azteca Film, que realiza cintas de ficción como La inquietud.

Entre 1909 y 1912 todos los trazos de la naciente industria estuvieron bajo el control de un trust americano, la MPPC (Motion Pictures Patents Company), formado por los notorios productores. Este conjunto limitó la permanencia de las cintas a una o dos bobinas y rehusó la solicitud de los artistas de aparecer en los títulos de crédito. El trust fue desmontado con éxito en 1912 por la ley antitrust del gobierno, que aceptó a los productores independientes formar sus propias compañías de distribución y exhibición, por lo que pudieron llegar hasta el público americano obras europeas de calidad, como Quo vadis? (1912, de Enrico Guazzoni), de Italia, o La reina Isabel (1912), de Francia, protagonizada por la artista Sarah Bernhardt.

La historia del cine comprende la evolución histórica del arte audiovisual conocida como cinematografía.

La invención de la cámara de cine fue antecedida por muchos inventos asociados con experimentos en el ámbito del movimiento y la visión. Conforme se iba perfeccionando la fotografía, el próximo paso natural sería conquistar la imagen en movimiento. A partir del zoetropo, se experimentó en todas las direcciones hasta la invención del cine.

A unos 40 kilómetros al noroeste de la ciudad de México se halla Teotihuacán (Lugar de los dioses). Allí se desarrolló la primera civilización legítimamente urbana de Mesoamérica; fue la primera ciudad del hemisferio occidental e inició su crecimiento urbanístico antes del comienzo de la era cristiana, continuando su florecimiento hasta en torno al 700 d.C., etapa en la que había conseguido una población cercana a los 125.000 habitantes. En Teotihuacán se desarrolló una estética clásica, inspirada en el orden y el refinamiento. La delicadeza austera y el diseño estilizado explican el arte monumental, que produce el efecto de una serena sencillez y una noble grandeza. Los edificios, por ejemplo, se diseñaron con el método de talud y tablero configurando plataformas escalonadas. Mediante este método de construcción se conseguía manejar y unificar completamente los elementos horizontales y los verticales, así como las partes salientes y las recesivas, los efectos de luz y sombra, además de la ornamentación ilustrativa y geométrica.

Desde comienzos del siglo XX, los europeos habitantes en los países del Sureste asiático han influido en el arte de los artistas locales, en especial en el empleo de nuevos materiales y técnicas, y en las elección de asuntos diferentes a los habituales. En Birmania y Malaysia, los británicos formaron a conjuntos de pintores, y en algunos casos cooperaron para los artistas locales a desplazarse a Europa para terminar su formación. En Tailandia, el arquitecto italiano Feroci contribuyó a la producción de un departamento de arte en la Universidad Silpakorn de Bangkok. Los artistas tailandeses eran adiestrados en las técnicas occidentales, que no tenían mucho que ver con las tradiciones de pintura mural de su país.

Pop, género musical que se ha apoderado las listas de ventas desde su surgimiento, a comienzos de la década de 1960, y que ha acogido etiquetas de toda clase, dada su extrema facilidad para adoptar influencias ajenas. Las canciones pop se encargan en la reiteración de melodías en torno a una construcción clásica de estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente y estribillo.

A pesar de que sus orígenes se remontan al siglo XIX, no fue hasta el XX, con la producción de la industria discográfica, en el momento en que se transformó, como otros géneros, en una realidad de consumo para una audiencia planetaria, desarrollando todo su potencial.

A lo largo de los tres primeros siglos de nuestros días casi todas las esculturas de piedra no excavadas en la roca que se preservan, incluidas las estelas, salieron de los talleres de Gandhara y Mathura. Hay unas pocas obras, la mayoría haksis, de estilos asociados con Mathura que se han encontrado en regiones tan orientales como Patna. Pero, para las imágenes de Buda, tanto erguido como sentado, se recurría a las exportaciones de la propia Mathura. Normalmente se está de conformidad en que la estela Kanoria Parsvanatha, de Patna, es de finales del siglo IV, y al inscripción fragmentaria del Neminatha sentado de Rajgir se puede asignar al reinado de Candragupta II (en torno a 377-414), por la forma en que la prenda inferior de la figura de sirviente en pie acaba justo encima de las rodillas, con cuatro ondas vigorosas cayendo entre las piernas. Ambas revelan las etapas iniciales de un estilo que terminará en los budas post-Gupta de Nalanda, sin embargo no, curiosamente, los grandes budas Gupta de Sarnath, más distanciados hacia el oeste.

House, género musical brotado a mediados de la década de 1980, como reacción al sonido de las manufacturas discotequeras en boga desde finales de la década anterior. En su lugar, el house sugería asuntos instrumentales, de largos y atmosféricos desarrollos, construidos a base de sonidos sintetizados. Tras extenderse por los clubes de Inglaterra y Estados Unidos, en especial gracias a la comunidad gay de clubbers, el house llegó a las listas de triunfos a finales de la década de 1980, de la mano de algunas sagaces manufacturas de artistas como Madonna.

Música aleatoria, música en la que el rol del compositor se diferencia tanto en la producción artística como en la representación. A pesar de que en líneas generales esto es aplicable a todo periodo histórico para detallar la improvisación o la libertad de las cadencias de los conciertos, el término se aplica en sentido severo a la estética compositiva común en las décadas de 1950 y 1960.

Conforme avanzaba el siglo XX, los estilos operísticos evidenciaban tanto los perseverantes enfoques nacionalistas como un ascendente internacionalismo representado por el atonalismo y las técnicas seriales. El ruso Serguéi Prokófiev escribió la ópera bufa El amor de las tres naranjas durante un viaje a través del Oeste de Estados Unidos. Se estrenó en Chicago en 1921. Antes de fallecer, compuso su gran ópera Guerra y paz (1946, revisada en 1952) inspirada en la obra literaria en prosa de Tolstói. Dmitri Shostakóvich no era del gusto de Stalin en el momento en que compuso su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), una obra que luego fue revisada bajo el nombre de Katerina Ismailova (1963).