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El jazz ahonda sus raíces en el eclecticismo musical de los afroamericanos. En esta tradición sobreviven huellas de la música del África occidental, de las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo, de la música popular y clásica europea de los siglos XVIII y XIX y de maneras musicales conocidos ulteriores que han influido en la música negra o que son obras de compositores negros. Entre los aspectos africanos se hallan los estilos vocales, que destacan por una gran libertad de coloración vocal, la tradición de la improvisación, las pautas de cuestiona y respuesta, y la complejidad rítmica, tanto en la síncopa de líneas melódicas individuales como en los ritmos complejos que tocan los diferentes integrantes de una formación. Otras formas de música afroamericana son los cantos que seguían el trabajo, las nanas y, aunque ulteriores, los cánticos espirituales y los blues.

Jazz, forma musical nacida hacia 1900 en Estados Unidos. Posee una historia definida y una evolución estilística específica. En su desarrollo ha tomado elementos de la música folclórica; a su vez, la música popular los ha tomado del jazz.

Ópera, drama cantado en compañía instrumental que, a discrepancia del oratorio, se simboliza en un espacio teatral ante un público. Existen varios géneros estrechamente asociados con la ópera, como son el musical, la zarzuela y la opereta.

Los orígenes de la ópera

La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Entre sus precedentes se encontraban los madrigales italianos de la etapa, a cuyas escenas con coloquios, sin embargo sin acción teatral, se pondría música. Otros precedentes eran los melodramas, ballets de cour, intermedios y otros espectáculos ceremoniales y de salón propios del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un conjunto de músicos y eruditos conocidos como la camerata fiorentina o di Bardi. La camerata tenía dos propósitos: revivir el estilo musical del drama de la antigua Grecia y realizar una vía distinta al estilo sobrecargado del contrapunto propio de la música renacentista tardía. En especial, anhelaban que los compositores brindaran más atención a las escrituras en los que basaban sus obras, adaptándolos de una manera sencilla para que la música pudiese evidenciar en cada frase el significado del texto. Estas peculiaridades seguramente no eran comunes en la antigua música griega, sin embargo la camerata no disponía de una información detallada y suficiente sobre ese periodo musical (ni se prepara de ella hoy día).

Desde comienzos de la década de 1960 el componente más destacado en el ámbito del rock arraiga en lo que ha venido a denominarse la ‘respuesta británica’, expresión que comprende las numerosas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades provenientes de Estados Unidos.

La aparición de The Beatles en 1962, tras múltiples intentonas previas para formar una banda estable, estimuladas por el inquieto John Winston Lennon (tuvo nombres como The Quarrymen o Johnny and the Moondogs, 1956-1959, Long John and the Silver Beatles, 1960, Beat Brothers o The Cavern, 1961, y The Silver Beatles, 1962) a quien secundaban de una forma regular Paul McCartney y George Harrison y con menor frecuencia el bajista Stu Sutcliffe y el batería Pete Best, supuso el germen de la ‘revolución británica del rock’. Estos jóvenes de Liverpool realizaron múltiples giras por Escocia y Alemania, y grabaciones como conjunto de amparo de figuras de segunda categoría, hasta hallar en Brian Epstein al productor idóneo e idílico que conducirá su carrera al estrellato.

Tecno, género de música producido por medios electrónicos que apareció en Detroit a mediados de la década de 1980 y que recibió gran éxito comercial en todo el mundo.

La música tecno nació en el momento en que tres amigos (Juan Atkins, Derrick May y Kevin Sauderson) que habían coincidido en el Instituto de Belleville (Detroit) en 1984 comenzaron a hacer música sintetizada que evidenciaba la declive postindustrial de su ciudad y el incremento de la relevancia de la tecnología informática. Atkins usó por primera ocasión la palabra ‘tecno’ para detallar sus experimentos con sintetizadores analógicos y digitales. Después la etiqueta se ha aplicado a una ingente diversidad de estilos de música de baile. Influido por la música pop electrónica europea (especialmente por el conjunto alemán Kraftwerk, primera agrupación que usó de manera única sonidos sintetizados en su música) y el funk psicodélico de George Clinton y Bootsy Colins, el tecno de Detroit creó paisajes futuristas apoyándose en ritmos de danza. Mientras la música house de Chicago (una amalgama de disco, soul y funk) se apoyó en los graves fuertes y en un inamovible compás 4/4, el tecno primigenio experimentaba con desemejantes parámetros del sonido para hacer diversos ritmos y ambientes.

Rock, concepto que engloba de un modo general la agrupación de corrientes musicales que florecieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con los años ha perdido el establecido carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal, sometido a continuo cambio.

Francia, Alemania e Italia realizaron unos estilos operísticos característicos durante el siglo XIX. Estas obras evidenciaban el movimiento galán y sus ideales estéticos. París fue el lugar de nacimiento de la grand opéra, una espectacular amalgama de representación escénica, acción, ballet y música, gran parte de ella escrita por compositores extranjeros que se arraigaron en Francia. Entre los primeros ejemplos encontramos La vestale (1807), de Gasparo Spontini, y Lodoiska (1791), de Luigi Cherubini, ambos italianos, y La muette de Portici (1828), de Daniel François Esprit Auber. Este estilo terminó con las monumentales obras del compositor berlinés Giacomo Meyerbeer, como Robert le diable (1831) y Los hugonotes (1836). La ópera legítimamente francesa Los troyanos (1856-1859), de Hector Berlioz, con una puesta en escena de los relatos del conflicto bélico de Troya y de Dino y Eneas, fue apartada durante mucho tiempo en su propio país. Lo cierto es que, no se representó en su concepción monumental de manera integral mientras el compositor estuvo vivo. Fausto (1859), de Charles Gounod, inspirada en el poema del autor germánico Johann Wolfgang von Goethe, fue una de las óperas francesas más conocidos a mediados del siglo XIX.

Los esfuerzos pioneros de Armstrong, Ellington, Henderson y otros músicos hicieron que el jazz adquiriera una influencia preponderante en la música americano de las décadas de 1920 y 1930. Músicos tan conocidos como el director de banda Paul Whiteman emplearon algunos de los recursos rítmicos y melódicos más llamativos del jazz, aunque con menor libertad y talento improvisatorio que el que caracterizaba la música de los notorios intérpretes del género. En un intento de fusionar el jazz con la música ligera, la orquesta de Whiteman estrenó piezas sinfónicas de estilo jazzístico de compositores americanas como George Gershwin. Más cerca de la tradición jazzística de la improvisación y del virtuosismo de los solos se encontraba la música de las bandas de Benny Goodman (que usó muchos arreglos de Henderson), Gene Krupa y Harry James.

Desde los días del ragtime, los compositores de jazz han admirado la música clásica. Varios músicos de la era del swing ‘jazzearon a los clásicos’ en grabaciones como “Bach Goes to Town” (Benny Goodman) o “Ebony Rhapsody” (Ellington y otros). Por su parte, los autores de música clásica rindieron tributo al jazz en obras como Contrastes (1938, encargada por Goodman) del húngaro Béla Bartók y Ebony Concerto (1945, dirigido por la orquesta liderada por Woody Herman) del ruso Ígor Stravinski. Otros compositores, como el americano Aaron Copland o el francés Darius Milhaud, tributoaron al jazz en sus obras.

Renacimiento (música), música que se desarrolló en Europa durante el periodo conocido como renacimiento, que en términos musicales ocupa, aproximadamente, desde el año 1430 hasta el 1600.

Nuevas teorías

En 1477, el teórico flamenco Johannes Tinctoris, autor del diccionario de música más antiguo que se conoce, ya comunicaba en su tratado Liber de arte contrapuncti el surgimiento de un nuevo arte de la música, cuya fuente y origen eran el compositor inglés John Dunstable y el francés Guillaume Dufay. Martin le Franc, en su poema Le champion des dames (1440-1442), igualmente hablaba de un nuevo estilo armónico asumido por Dufay y su coetáneo, Gilles Binchois, conforme el ejemplo de Dunstable, conocido como la contenance angloise (‘continencia inglesa’), que se distinguía por un uso más delicado de las consonancias y, por lo cual, por el uso moderada de las técnicas matemáticas peculiaridades de la música antigua en la alta edad media. Dunstable y Dufay ciertamente estallaron los procedimientos compositivos medievales —ambos escribieron motetes isorrítmicos— sin embargo lo hicieron a través de una nueva estructura musical definida por una equilibrio en tríadas, unos centros tonales articulados con claridad y con unos fines expresivos nuevos.

A finales del siglo XVII y comienzos del XVIII el estilo germánico de ópera se juzgaba inferior al estilo italiano. El centro operístico más importante de Alemania era Hamburgo, donde se inició un teatro de ópera en 1678. Reinhard Keiser compuso más de 100 obras allí. Posteriormente al fallecimiento de Keiser, los compositores y cantantes italianos dominaron todos los teatros de ópera de Alemania.

Entretanto evolucionaba el género musical a lo largo de las décadas, la corriente destacada del jazz, o mainstream, aunque incorporaba numerosas de las ideas melódicas de Coltrane e incluso algunas piezas de jazz modal, continuó construyendo sus improvisaciones sobre las progresiones de acordes de las canciones conocidos. Las canciones brasileñas, en especial las del estilo de la bossa-nova, consiguieron integrarse al repertorio de comienzos de la década de 1960. Sus ritmos latinos y sus refrescantes progresiones de acordes llamaron la atención de los músicos de jazz de varias concepciones, en especial de Stan Getz y el flautista Herbie Mann. Incluso tras la declive de la bossa nova, las sambas que hicieron su aparición siguieron en el repertorio del jazz, al mismo tiempo que muchos conjuntos enriquecieron sus percusiones con instrumentos caribeños.

El trío que formó el pianista Bill Evans representaba las canciones conocidos con profundidad, y los músicos interactuaban de modo perseverante en lugar de limitarse a permanecer su turno en los solos. Esta interacción se acentuó aún más en la sección rítmica del quinteto de Davis a partir de 1963, en el momento en que incluyó al batería Tony Williams, al bajista Ron Carter, al pianista Herbie Hancock y, más hacia delante, al singular saxofonista tenor Wayne Shorter.

En 1955 Miles Davis preparó un quinteto que contaba en sus filas con el saxofonista tenor John Coltrane, cuyo enfoque contrastaba vivamente con las líneas melódicas de serenas sonoridades y expresivas de Davis. Coltrane vertía torrentes de notas con velocidad y impetu, explorando cada célula melódica, no importa cuán exótica fuera. Pero igualmente tocaba baladas lentas con aplomo y serenidad. En sus solos demostraba un sentido excepcional de la forma y del tiempo. En 1958 apareció en un álbum mítico de Miles Davis, Kind of Blue. Junto con el pianista Bill Evans, Davis compuso para este álbum un conjunto de piezas que pertenecen todas a la misma tonalidad, con un mismo acorde y modalidad mantenidos durante 16 compases cada vez —que describió el nombre de jazz modal— lo que implicaba gran libertad para el improvisador.

Coltrane, negándose a sí mismo, impulsó en principio la complejidad del bop hasta sus últimas secuelas en ‘Giant Steps’ (1959), para luego establecerse en el otro extremo, en el jazz modal. Este último estilo dominó su repertorio a partir de 1960, en el momento en que grabó ‘My Favourite Things’ usando un arreglo con final abierto donde cada solista permanecía en un mismo modo durante el tiempo anhelado. El cuarteto de Coltrane incluía al pianista McCoy Tyner y al batería Elvin Jones, dos músicos que, debido a sus cualidades musicales, fueron muy imitados.

El jazz atravesó una dificultad de público y ventas a finales de la década de 1960. Las audiencias juveniles se encontraban a favor de la música de soul y de rock, mientras que los aficionados adultos se sentían ajenos a las abstracciones y falta de emoción de gran parte del jazz moderno. Los músicos de jazz se dieron cuenta de que para regresar a vencer al público debían extraer ideas de la música popular. Algunas de éstas provendrían del rock, sin embargo la mayoría tendrían su origen en los ritmos de baile y las progresiones de acordes de músicos de soul como James Brown. Ciertos conjuntos añadieron igualmente elementos musicales de otras culturas. Los ejemplos iniciales de este nuevo jazz de fusión están algo mezclados con otros subgéneros, sin embargo en 1970 Davis grabó Bitches Brew, un álbum de mucho éxito que combinaba ritmos soul e instrumentos electrónicos con un jazz sin pactos y muy disonante. No debe por ello asombrar que los epígonos de Davis hicieran algunos de los discos de fusión de mayor éxito de la década de 1970: Herbie Hancock, Wayne Shorter y el pianista austriaco Joe Zawinul (los dos últimos jefees del conjunto Weather Report), el guitarrista británico John McLaughlin y el brillante pianista Chick Corea con su conjunto Return to Forever. Por su parte, los músicos de rock comenzaron a integrar frases y solos de jazz sobre ritmos de rock. Entre estos conjuntos se encontraban Chase, Chicago y Blood, Sweat and Tears.

El saxofonista Ornette Coleman fue una de las notorias figuras del jazz de vanguardia de las décadas 1960 y 1970. Estudió las peculiaridades del sonido a través de la improvisación y usó la calidad tonal como herramienta para realizar la melodía.

Otro producto de la experimentación de finales de la década de 1950 fue el intento del compositor Gunther Schuller, junto con el pianista John Lewis y su Modern Jazz Quartet, de fusionar el jazz y la música clásica en una tercera corriente, uniendo músicos de los dos mundos en un repertorio que se nutría con técnicas de ambas músicas.

Igualmente ésos fueron los años de mayor actividad del compositor, bajista y jefe de banda Charlie Mingus, que dotó a sus improvisaciones inspiradas en progresiones de acordes de la vehemencia más cruda y salvaje. Más controvertida aún sería la obra del saxofonista alto Ornette Coleman, cuyas improvisaciones, a veces casi atonales, suprimían las progresiones de acordes, aunque propugnaban el perseverante swing rítmico característico del jazz. Si bien el sonido y la técnica áspera de Coleman resultaban incómodos para muchos críticos, otros apreciaron el ingenio, la sinceridad y el extraño sentido de la forma que caracterizaban sus solos. Inspiró a toda una escuela de jazz de vanguardia que floreció en las décadas de 1960 y 1970 y que incluía al Art Ensemble of Chicago, al clarinetista Jimmy Giuffre, al pianista Cecil Taylor e incluso a Coltrane, que se aventuró en la improvisación vanguardista en 1967 poco antes de su fallecimiento.

Minimalismo, estilo de estructura musical de finales del siglo XX de gran influencia, igualmente reseñado como música de métodos, música de proceso o música repetitiva. En este estilo, un material rudimentario, a menudo tonal o de escalas y con un pulso fuerte y regular, se repite durante extensos periodos de tiempo, con mínimas variaciones.

El compositor germánico Christoph Willibald Gluck inició el proceso de reforma de la ópera que dominaría el estilo de estructura de los siglos XVII y XVIII. A pesar de que sus iniciales óperas son de estilo italiano, las posteriores se vieron influidas por las ideas más revolucionarios y los movimientos reformistas de su etapa. La ópera Eco y Narciso se estrenaron en 1779 en París.