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¿Te imaginas un concierto gratuito de tu banda favorita cuando menos te lo esperas? Parece como un sueño o una promoción, pero no lo es. La banda irlandesa U2 sorprendió a todos los que estaban en el metro de Nueva York, disfrazada de músicos callejeros.

Pronto el sonido estaba atrayendo a muchas personas, pero la mayoría creía que esos músicos hippies tocando en la estación Grand Central lo hacían a cambio de unas monedas. La idea fue del programa The Tonight Show With Jimmy Fallon y dejó a muchos fans emocionados, cuando poco a poco, la gente estaba señalando que efectivamente era la banda U2.

La década de 1980 quedará conectada a la historia del rock por dos sucesos ajenos a la música. El primero, el homicidio de John Lennon, a manos de un fan mentalmente inestable, el 8 de diciembre de 1980. Pero especialmente por el nacimiento, el 1 de agosto de 1981, de la cadena MTV (Music Television), el primer canal musical de televisión con una programación de 24 horas. La emisora, inspirada en la emisión de videoclips, precisa 200 mensuales para renovar la programación y eso dará alas a la producción de estos spots de tres minutos que sustituirán al single radiofónico.

Entre el 17 de agosto de 1960, día en que The Beatles actuaron por primera ocasión con ese nombre en el Indra Club de Hamburgo (Alemania), y el 15 de agosto de 1969, en el momento en que se inició en Bethel, estado de Nueva York, el festival de Woodstock, median apenas nueve años. La gran discrepancia es que en el Indra apenas había medio centenar de asistentes y a Woodstock acudieron 400.000 personas a ver a Jimi Hendrix, The Band, Creedence Clearwater Revival o Janis Joplin. El rock había empezado la década como una curiosidad y la concluyó como el movimiento más importante de la actualidad. Un aglutinante de la juventud, que lo mismo servía para hacer más llevadera la vida de los militares en el conflicto bélico de Vietnam que para oponerse contra esa guerra.

El ansia por marcar un cambio revolucionario a las formas de vida, a través del rock and roll, quedó expuesto con el surgimiento en escena de The Rolling Stones, nombre tomado de un tema de Muddy Waters. Se presentaron en público el 12 de julio de 1962 en el célebre local Marquee de Londres, en el momento en que aún sus constituyentes eran una formación insegura. Representaban, entre los reducidos círculos en que se desenvolvían en sus principios, la optimismo británica del rhythm and blues anglosajón y blanco, y en poco tiempo consiguieron celebridad como imitación a la beatlemanía.

Pero, sería absurdo admitir esta visión de la historia del rock, pues conforme acreditados testimonios (entre ellos los de un ayudante del mánager de The Beatles), los jefes de la banda, Keith Richards y Mick Jagger, solicitaron en 1963, por la vía de el compañerismo, una constitución a sus directos contrincantes: el proyecto formado en un rato por McCartney y John Lennon se transformaría, conforme los mismos testimonios, en el tema ‘I Wanna be Your Man’, que algunos consideran el primer éxito de los Stones.

Curiosamente, la persona que mejor simboliza al rock en la década en la que se desarrolla Internet es un músico que no pudo aguantar la fama, Kurt Cobain, que se suicidó en 1994, a los 27 años, autor de Nirvana, los máximos ejemplos del grunge y autores de Nevermind (1991), el primer disco rock con un sonido que se puede calificar de ‘noventas’. El grunge fue un efímero movimiento rockero salido de Seattle, heredero del rock de la década de 1970 y el punk, y al que se sumó el espíritu de la denominada descendencia X. Los hijos del baby boom de la segunda mitad de la década de 1960, que frisando los 25 años hallan muy difícil su integración en el mundo laboral desarrollado por sus padres. Son los años de la implantación de disco compacto y de la cultura de clubes.

A comienzos del siglo XX se idearon instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, sin embargo eran muy rudimentarios en su construcción y liosos en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser empleados en las representaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos indispensables para hacer y modificar los sonidos por medios electrónicos. En la década de 1960, Robert Moog, Donald Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a hacer sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o el volumen, y se empleaba para hacer, filtrar y modificar, sonidos electrónicos. Pronto florecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían empleados cada vez más con propósitos comerciales, desde los comunicados de la televisión hasta la banda sonora de cintas de ciencia ficción. Hoy existe una holgada diversidad de sintetizadores, aptos de imitar casi cualquier sonido y de hacer gamas tonales y timbres absolutamente nuevos.

Pop, género musical que se ha apoderado las listas de ventas desde su surgimiento, a comienzos de la década de 1960, y que ha acogido etiquetas de toda clase, dada su extrema facilidad para adoptar influencias ajenas. Las canciones pop se encargan en la reiteración de melodías en torno a una construcción clásica de estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente y estribillo.

A pesar de que sus orígenes se remontan al siglo XIX, no fue hasta el XX, con la producción de la industria discográfica, en el momento en que se transformó, como otros géneros, en una realidad de consumo para una audiencia planetaria, desarrollando todo su potencial.

House, género musical brotado a mediados de la década de 1980, como reacción al sonido de las manufacturas discotequeras en boga desde finales de la década anterior. En su lugar, el house sugería asuntos instrumentales, de largos y atmosféricos desarrollos, construidos a base de sonidos sintetizados. Tras extenderse por los clubes de Inglaterra y Estados Unidos, en especial gracias a la comunidad gay de clubbers, el house llegó a las listas de triunfos a finales de la década de 1980, de la mano de algunas sagaces manufacturas de artistas como Madonna.

Música aleatoria, música en la que el rol del compositor se diferencia tanto en la producción artística como en la representación. A pesar de que en líneas generales esto es aplicable a todo periodo histórico para detallar la improvisación o la libertad de las cadencias de los conciertos, el término se aplica en sentido severo a la estética compositiva común en las décadas de 1950 y 1960.

Conforme avanzaba el siglo XX, los estilos operísticos evidenciaban tanto los perseverantes enfoques nacionalistas como un ascendente internacionalismo representado por el atonalismo y las técnicas seriales. El ruso Serguéi Prokófiev escribió la ópera bufa El amor de las tres naranjas durante un viaje a través del Oeste de Estados Unidos. Se estrenó en Chicago en 1921. Antes de fallecer, compuso su gran ópera Guerra y paz (1946, revisada en 1952) inspirada en la obra literaria en prosa de Tolstói. Dmitri Shostakóvich no era del gusto de Stalin en el momento en que compuso su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), una obra que luego fue revisada bajo el nombre de Katerina Ismailova (1963).

La música computadorizada se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música desarrollada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los computadores almacenan la información de manera digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960, los términos música electroacústica y por computador aluden, respectivamente, aunque no de manera perseverante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de manera semejante, puesto que casi toda la música electrónica emplea ya tecnología digital.

Las distinguidas técnicas empleadas para hacer música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para hacer nuevos sonidos y las que se usan para modificar, o transformar, sonidos ya inscritos. En etapas pasadas se utilizaban osciladores y filtros de control por voltaje, sin embargo estas funciones las realiza hoy el computador. La producción de sonidos absolutamente nuevos obtenidos por la superposición o la amalgama de sonidos puros es un proceso denominado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el americano Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983).

Música electrónica, música desarrollada por medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se representa a través de altavoces), la música electrónica en vivo (desarrollada en tiempo real con sintetizadores y otros conjuntos electrónicos), la música específica (desarrollada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo con música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música aluden en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy están en uso otras terminologías, como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, expresaciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías empleadas.

El artista de jazz más prominente de la década de 1940 fue Charlie Parker, que se transformó en el jefe de un nuevo estilo conocido como bebop, rebop o bop. Al igual que Lester Young, Charlie Christian y otros solistas notorios, Parker tocaba con big bands. Pero, durante la Segunda Guerra Mundial la economía de guerra y los cambios en los agrados del público llevaron a la disolución de numerosas de estas orquestas. Este declive, en amalgama con el estilo absolutamente nuevo del bebop, produjo una revolución en el mundo del jazz.

A lo largo de la década de 1920 hubo conjuntos de jazz que comenzaron a tocar siguiendo el modelo de las bandas de baile de sociedad, configurando las que se dieron en llamar big bands. Fueron tan conocidos en las décadas de 1930 y 1940 que este periodo se conoce como la era del swing. Uno de los trazos más importantes en el nacimiento de la era del swing fue un cambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans, usando un compás más fluido, de cuatro tiempos. Los músicos igualmente realizaron el uso de estructuras melódicas cortas, denominadas riffs, con pautas de cuestiona y respuesta. Para abastecer dicho procedimiento las orquestas se dividieron en secciones instrumentales, cada una con sus propios riffs, dando la ocasión a los músicos para que tocasen solos o improvisaciones espaciosas.

Un elemento importante en la evolución del jazz de la década de 1920 fue la música para piano. El distrito de Harlem, en la ciudad de Nueva York, se transformó en el centro de un estilo muy técnico, inspirado en los potentes contratiempos desarrollados por la mano izquierda del pianista, con improvisaciones muy espaciosas, y que se daría a conocer como stride piano. El maestro de esta escuela de comienzos de la década de 1920 fue James P. Johnson, cuyo alumno Fats Waller —vocalista y showman de talento— se transformó en el intérprete más popular de este estilo.

La mayoría de la música primigenia de jazz se representaba en pequeñas bandas de marcha o la tocaban pianistas solistas. Adicionalmente del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en las celebraciones campestres, nupcias, desfiles y funerales. Era tradicional que las bandas tocasen endechas de trayecto a los funerales, y marchas alegres al regresar. Si bien el blues y el ragtime florecieron con independencia del jazz y siguieron coexistiendo con él, influyeron en su estilo y sus formas, y sirvieron de vehículo importante para la improvisación jazzística.

El rock latino no es más —ni tampoco menos— que la irrupción de los sonidos latinoamericanos y el idioma español en el rock. Porque en su génesis, el rock and roll fue un ritmo anglosajón, amalgama de los tres grandes estilos conocidos americanas, el country, el blues y el jazz. Pero el rock es una música permeable y el primer éxito de rock and roll cantado íntegramente en castellano llegó en 1959. Fue ‘La Bamba’, la adaptación de una canción convencional mexicana desarrollada por Ritchie Valens, el alías con el que el californiano Ricardo Valenzuela ocultaba su origen mexicano. El inmediato fallecimiento de Valens en un accidente de aviación, truncó la optimismo de ver hacia donde podía evolucionar esta tendencia.

Tras el golpe generado por los triunfos internacionales de The Beatles especialmente, florecieron en muchos países de Europa una gran cantidad de conjuntos atraídos por los ritmos de los nuevos tiempos. Existe coincidencia general en que en España, y debido a la beatlemanía, el rock inició a asegurarse entre 1964 y 1966, años en que ya se encontraban en activo numerosas bandas que habían ganado cierto prestigio y divulgación: Los Brincos, Bruno Lomas y Los Rockeros, Los Pekenikes, Lone Star, Micky y Los Tonys, Los Mustang, Los Sírex, Pop Tops, Los Bravos, Los Canarios, Los Cheyennes, fueron algunas de las más conocidas que consiguieron además cierto eco en otros países, así como Miguel Ríos y Teddy Bautista al emprender sus carreras en solitario.

En la década de 1970, el rock ya era una industria y un negocio. Y los músicos querían ser lo que se designó rock stars. Las estrellas del rock vivían en un mundo aparte, una especie de versión juvenil de Hollywood bajo la máxima ‘sexo, drogas y rock’n´roll’.