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La Revolución Industrial modificó el entorno tecnológico y social de la construcción hasta tal punto que los antiguos preceptos y propósitos de la estructura arquitectónica perdieron toda su validez. A partir de 1840, los destacados artistas y críticos rastrearon nuevas aproximaciones a la arquitectura.

En Inglaterra, el escritor John Ruskin y el diseñador William Morris, autor del movimiento Arts & Crafts, sostenían que los objetos producidos por la máquina se encontraban desprovistos de significado cultural y por ello carentes de cualidades estéticas. Inspirados en el pasado medieval y en la ideología socialista aseguraron la relevancia del artesanado y rastrearon la implicación directa de los obreros en la realización de artefactos de uso ordinario y doméstico.

Ciertos artistas americanas, que habían sido realistas en la década de 1930, se unieron a un nuevo movimiento brotado en las décadas posteriores con el nombre de expresionismo abstracto. La presencia de muchos surrealistas europeos en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial fue decisiva en la evolución de este movimiento. Los artistas americanas tomaron de éstos su interés por el subconsciente, el simbolismo y la mitología. Influidos a su vez por la técnica surrealista del automatismo, estos pintores comenzaron a hacer obras completamente naturales en las que el proceso pictórico por sí mismo se convertía en el tema primordial de la obra.

Orfebrería precolombina, arte de hacer objetos con metales preciosos, en el periodo previo a la presencia europea. Si bien hemos de indicar que el arte de trabajar los metales es ancestral y nace de manera independiente en todo el mundo, con técnicas muy afines por la propia naturaleza de la materia.

Para fundir metales primero se deben separar de los minerales donde se hallan (metalurgia), y seguidamente conocer su grado de fundición con el propósito de alearlos y moldearlos. Esto supone un conocimiento y control de las temperaturas a partir de otras tecnologías, tales como la cerámica, cuyo desarrollo permite trabajar con crisoles y moldes forzosamente refractarios. Pero existen técnicas para trabajar algunos metales en frío, esto es sin tener que recurrir al fundido, tal es el caso del martillado y templado, y son estos los primeros ensayos tecnológicos que el hombre practica en oro y cobre.

El cubismo igualmente ejerció influencia en el surgimiento del arte no figurativo o arte abstracto. Wassily Kandinsky ya pintó en 1909 obras abstractas que contenían alusiones a la naturaleza y a la música. El suizo Paul Klee produjo algunas acuarelas abstractas tras su primer encuentro con el cubismo. Los artistas rusos igualmente conocían el cubismo a través de algunas colecciones privadas de Moscú, sin embargo progresaron hacia un arte abstracto construido geométricamente. Kazimir Maliévich pintó un cuadrado negro sobre fondo blanco en 1913, denominando suprematismo a su versión del abstraccionismo, algo que para él expresaba la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas. Otros pintores rusos inspirados por el cubismo, conocidos como constructivistas, fueron Alexandr Rodchenko, Liubov Popova, El Lissitsky, Naum Gabo, Antón Pevsner y Vladímir Tatlin.

Deconstructivismo, estilo arquitectónico coetáneo atribuido a finales de la década de 1980 a diversos arquitectos americanas y europeos.

El deconstructivismo arquitectónico nace en la exhibición Arquitectura deconstructivista conmemorada bajo la dirección de Philip Johnson y Peter Eisenman en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1988 y debe su nombre a las alusiones teóricas y formales desarrolladas, por una parte, al constructivismo ruso de entreguerras (citando algunas de las obras de Alexandr Rodchenko y Vladímir Tatlin por su carácter formal inestable) y por otra parte, a la filosofía de la desconstrucción ilustrada por los trabajos de Jacques Derrida.

Posmodernismo (arte), corriente artística de la segunda mitad del siglo XX, que se caracteriza, a grandes rasgos, por el empleo de materiales, formas y técnicas modernas combinadas conforme las sutilezas compositivas y simbólicas de los estilos clásicos. En arquitectura supuso una reacción contra el dogmatismo del movimiento moderno. En el resto de las artes puede comprenderse como un cambio de postura ante la filiación abstracta y conceptual de las iniciales vanguardias del siglo XX, o igualmente como una evolución desde el Pop Art, cuyo eclecticismo y populismo explotó el valor simbólico de los objetos ordinarios.

El común denominador de todos los artistas de finales del siglo XIX fue una menor desasosiego por el realismo y por la aproximación devoto a la naturaleza, y un mayor interés por las pretensiones expresivas. En el cambio de siglo su obra inició a vencer aceptación. Entretanto, la próxima descendencia de pintores usó incluso mayores distorsiones de línea, color y espacio pictórico.

En Inglaterra, así como en Alemania, los paisajes impregnados de un sentimiento romántico se transforman en la destacada expresión de la pintura romántica, aunque los artistas ingleses fueron más innovadores en estilo y en técnica. Samuel Palmer pintó paisajes que se distinguen por una inocente simplicidad en cuanto a su estilo así como por un sentimiento religioso que deriva de Blake. John Constable, proveniente de un entorno natural salvaje asociado con muchos poetas y pintores románticos, dotó a los paisajes ingleses de un intenso sentimiento.

Fue el primer gran artista en trabajar al aire libre y en llevar al lienzo la frescura de la visión a través del uso de colores luminosos y llamativos a base de pinceladas densas. Joseph Mallord William Turner comunicó la visión más revolucionario de todos los artistas románticos. Comenzó con paisajes que se remontan al pintor francés del siglo XVII Claudio de Lorena, sin embargo transformó algunas de sus obras tardías como Tormenta de nieve: navío de vapor de Harbour Mouth (1842), en una amalgama de efectos atmosféricos de luz y color, amalgama de nubes, niebla, nieve y mar en un torbellino en el cual los desemejantes objetos se diluyen.

Romanticismo (arte), en arte, movimiento artístico e intelectual europeo que se despliega en torno a desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no puede ser referido con un estilo singular, con una técnica o con una conducta, sin embargo sin embargo la pintura romántica se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico. Mientras que el arte clásico y neoclásico es mesura, claro y completo en cuanto a la expresión, el arte romántico se caracteriza por esforzarse en evidenciar estados de ánimo, sentimientos muy intensos o espirituales, así como por prevenir la claridad y la definición. El escritor germánico Ernst Hoffmann definió la esencia del romanticismo como la “infinita añoranza”. En la elección de asuntos, los artistas del movimiento romántico exhibieron preferencia por la naturaleza, especialmente en su aspecto más salvaje o recóndito, así como con asuntos exóticos, melancólicos o melodramáticos que producen miedo o ímpetu.

La pintura neoclásica se volcó en Roma, donde muchos pintores expatriados se agruparon en torno a la figura del historiador germánico Johann Winckelmann. Su círculo incluía al pintor bohemio Anton Raphael Mengs, el escocés Gavin Hamilton y el americano Benjamin West. El Parnaso de Mengs (1761) un fresco pintado para la villa Albani en Roma, fue diseñado especialmente por consejo de Winckelmann. A discrepancia de las peculiars composiciones de frescos del barroco o del rococó, su estructura es simple: sólo unas pocas figuras, en total calma, con poses semejantes a las de estatuas antiguas.

Neoclasicismo, estilo artístico que evolucionó especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos en torno al año 1750 hasta inicios de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas.

Más que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona sucesos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que pretendieron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero.

Aunque los acontecimientos políticos —guerra de los Treinta Años (1618-1648) en Alemania y presencia de los turcos en Austria— impidieron el desarrollo del barroco en ambos países hasta el siglo XVIII, algunos artistas importantes se destacaron a lo largo del siglo XVII. Dos maestros de la pintura barroca alemana fueron Adam Elsheimer, que se trasladó a Roma en 1600 y pintó dentro de la corriente clasicista italiana, y Johann Liss, que viajó a Venecia en 1621, trabajando allí y también en Roma.

Al iniciar el siglo XVII muchos artistas holandeses, incluido Hendrick Goltzius, aún pintaban al estilo manierista. El barroco de Caravaggio llegó a Holanda en el momento en que determinados artistas, entre los que destacan Gerrit van Honthorst y Hendrik Terbrugghen, retornaron a su país natal provenientes de Italia; hacia 1620 el naturalismo se encontraba fuertemente asentado en la escuela de Utrecht.

Desde Italia, donde recibieron su formación los destacados artistas de la fase, el barroco se propagó vertiginosamente por el norte de Europa. Cada país, sin embargo, dependiendo de su específico situación política, religiosa y financiera, evolucionó hacia desemejantes versiones del estilo.

El barroco en Flandes está sometido por la brillantez de Petrus Paulus Rubens. A lo largo de los años de juventud, el estilo pictórico de Rubens recibió influencias de fuentes italianas tan múltiples como Caravaggio, los Carracci y Miguel Ángel, como se aprecia, por ejemplo, en el Rapto de las hijas de Leucipo (1616-1617, Alte Pinakothek, Munich). Rubens y sus ayudantes realizaron un considerable número de cuadros de asuntos mitológicos y religiosos para clientes y mecenas de toda Europa.

A lo largo de los siglos XVII y XVIII, la arquitectura barroca latinoamericana conservó las pautas indicadas por la península Ibérica sin embargo con algunas peculiaridades. Una de ellas es su sorprendente pluralidad, condicionada por el propio medio físico, la gran diversidad de materiales existentes en cada área geográfica y la presencia de un pasado precolombino. Entre los condicionantes físicos, la frecuencia de terremotos en algunas zonas como Guatemala o Perú produjo ciertos patrones estéticos, al tiempo que conducía al desarrollo de técnicas constructivas especialmente resistentes a los movimientos sísmicos como la quincha (red de cañas atadas con cordobanes aglutinados con barro).

La arquitectura islámica española ofrece edificios que son fundamentales para la comprensión del arte musulmán, tanto por ser autora de maneras interesantes, como por el papel que desempeña en la divulgación de maneras y técnicas orientales.

Algunos de los bronces islámicos más refinados se han preservado en los tesoros de las iglesias europeas. Al principio se tomaron las formas Sasánidas sin embargo el periodo fatimí produjo vasijas de bronce con forma animal, así como candiles y platos. A pesar de que en el este de Irán se realizaron atrayentes piezas grabadas con incrustaciones de cobre y plata, los bronces más refinados fueron producto de los talleres de Mosul (Irak), durante los 50 años que anticiparon a la conquista mongola.

Una de las expresiones artísticas que alcanzó mayor fama dentro del arte islámico es la cerámica, en la que se puede considerar un grado de innovación e inventiva comparable al de las artes plásticas de otras culturas.

En España, los pintores renacentistas jamás consiguieron llegar al nivel artístico de Italia y los países del norte de Europa, aunque su arte se encontraba muy asociado a ambas tradiciones. Los mecenas españoles confiaron a pintores y escultores extranjeros sus obras de arte más destacadas. Incluso en el siglo XVI, Tiziano fue el pintor de la corte española, pese a que no siempre se mantuvo en el país. En arquitectura, no se cimentarían edificios en estilo renacentista hasta finales del siglo XVI. Un ejemplo es el monasterio de El Escorial, complejo arquitectónico construido por anhelo del monarca Felipe II cerca de Madrid. En su construcción intervinieron dos arquitectos: el primero, Juan Bautista de Toledo, se había formado en Italia y había trabajado a las órdenes de Miguel Ángel.

El estuco, el ladrillo y el azulejo se utilizaron como elementos decorativos en los edificios islámicos. Los Selyúcidas añadieron la cerámica vidriada (véase más abajo Cerámica). La superficie de los mihrabs, con sus bandas de inscripciones coránicas, se realizó en estuco tallado o barro vidriado. Los paneles murales se decoraron con motivos decorativos de lacería geométrica sobre azulejos.