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La otra gran aportación al movimiento moderno partió de Francia. Las iniciales expresiones habían pasado más o menos inadvertidas en Francia, Inglaterra y Estados Unidos, sometidos durante las décadas de 1920 y 1930 por el Art Déco, un estilo empleado en edificios públicos y en la mayoría de los rascacielos americanas, como el Empire State Building (1930) de Nueva York. Una excepción fue Charles Édouard Jeanneret, apodado Le Corbusier, un suizo francófono discípulo de Auguste Perret y Peter Behrens establecido en París, cuyas aportaciones a la arquitectura contemporánea le conceden un lugar privilegiado en el ámbito internacional.

Los incas emplearon el diseño geométrico para ornamentar sus tejidos, de gran valor simbólico y religioso.

Conocieron un desarrollo espectacular en este tipo de arte. Primeramente se daba a las fibras (lana y algodón) un tinte con colorantes naturales, para a continuación ser hiladas con la ayuda de ruecas y después tejidas en diversos tipos de telares rudimentarios. El más corriente, aún se sigue usando en los Andes, consistía en dos lienzos dispuestos sobre un plano horizontal, uno establecido a un árbol o a un poste y el otro atado a una correa que el tejedor pasaba en torno a los riñones. Las técnicas conocidas eran muy variadas, sin embargo para hacer tejidos dirigidos a fines de culto se utilizaba el brocado, el bordado y la tapicería, siendo las piezas salidas de los talleres de Paracas las más apreciadas. Estas admiradas telas podían alcanzar hasta 20 metros de longitud y se encontraban ornamentadas con una perfecta maestría y buen gusto con motivos zoomorfos policromos, marcando, sin duda, uno de los más brillantes momentos del arte universal del tejido.

En Alemania y en Austria indagaciones afines llevaron a la instauración de un estilo moderno. Especialmente prominentes fueron las innovaciones de dos arquitectos austriacos: Otto Wagner, que acentuó la cometido, la textura del material y la claridad estructural, y Adolf Loos, que propugnó el uso de las formas geométricas. Estos y otros esfuerzos por encontrar un lenguaje para la nueva era industrial se fundieron en la personalidad del arquitecto germánico Walter Gropius, nombrado gerente de la escuela de arte de Weimar tras la I Guerra Mundial.

Junto a su colega Adolf Meyer, Gropius, que se había formado en el estudio de Peter Behrens, se había destacado ya por sus proyectos modélicos de fábricas. La escuela de Weimar, con la denominación de Bauhaus, se desplazó con posterioridad a Dessau, donde los nuevos edificios (1925-1926) supusieron la codificación definitiva de los principios del movimiento moderno: ventanas horizontales, muro-cortina de vidrio, disposición racional y diseño global de todos los elementos. Al próximo año se consolidó a escala internacional con las Weissenhof Siedlung (casas obreras) cerca de Stuttgart, dirigidas por Ludwig Mies van der Rohe (otro discípulo de Behrens que en 1930 tomó el mando de la Bauhaus, sucediendo al arquitecto Hans Meyer) y en las que intervinieron varios arquitectos europeos.

Aunque los orfebres mixtecos que realizaron las ofrendas de las sepulturas de Monte Albán fueron los mejores de Mesoamérica, los aztecas consiguieron tal maestría en la fundición, combinando oro y plata, que no se quedaron atrás. Los metales se empleaban básicamente para hacer joyas: collares, pendientes, pectorales, orejeras, bezotes (adornos que se ponían en un orificio practicado bajo el labio inferior) y pulseras. Igualmente se hacían figuras y recipientes.

Utilizaban la cera perdida y eran maestros en la fundición, hasta el punto de fabricar figuras articuladas. Frecuentemente se combinaban los metales con piedras semipreciosas como el jade, la amatista y la turquesa, configurando collares y adornos de gran belleza.

De la misma forma que los pintores, los escultores de comienzos del siglo XX estuvieron influidos por el arte primitivo, como se evidencia en las iniciales obras de Constantin Brancusi y Henry Moore. Brancusi simplificó las formas hasta el límite en El recién nacido (1915, Colección Arensberg, Museo de Arte de Filadelfia), que forma parte de una serie de obras inspiradas en formas ovoides, cuyas curvas evocan los ritmos del cuerpo humano sólo rotos por los bordes afilados y el extremo cortado.

Brancusi combinó la sutileza expresiva con una habilidad inigualable para conocer la belleza intrínseca de los materiales, ya fueran madera, piedra o metal. El británico Moore igualmente explotó la textura de los materiales, desarrollando obras curvilíneas de gran delicadeza y monumentalidad. Inspirándose en la escultura prehispánica, acogió como tema se reiterado la figura femenina reclinada (véase Arte y arquitectura precolombinas).

Cerámica precolombina, la realización de cerámica en América surge, como en el resto del mundo, del menester de acumular, llevar, modificar y consumir algunos alimentos líquidos y sólidos.

Las notorios peculiaridades de la tecnología empleada durante dicho periodo son: el uso de cestos, esquinazo y otros frutos como moldes que se cubren con arcilla para hacerse con recipientes y que se desvanecen con la cocción; la ausencia de torno en la fabricación de piezas, lo que otorga gran libertad al artesano; y el empleo de moldes para la obtención de ciertas formas, en especial figuras y conjuntos escultóricos. La forma de cocer es simplemente por desecación al sol o en horno abierto.

El interés por la escultura primitiva igualmente ejerció un papel destacado en la formación del cubismo. Picasso, en la obra Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), muestra su conocimiento de la antigua escultura africana e ibérica. Picasso y Braque instauraron el cubismo entre 1907 y 1914, uno de los estilos más prominentes de la fase contemporánea. En el cubismo se enfatiza la superficie plana y bidimensional del lienzo y se formula una forma analítica de perspectiva, inspirada en la multiplicidad de los puntos de vista, que niega los cálculos de la pintura convencional tales como los escorzos, la valoración de sombras y el claroscuro. En una primera fase, llamada cubismo analítico, los artistas rastrearon el estudio y desestructura de las formas tridimensionales en múltiples elementos geométricos, a partir de la fragmentación en elementos cúbicos y sus proyecciones planas. Para resaltar aún más la naturaleza científica de la representación, se favorece el uso de una variedad de color apagada y monocroma.

Arte griego, agrupación de expresiones artísticas que se realizaron en Grecia y sus colonias entre los siglos XI y I a.C. A pesar de que esta cultura tuvo su principio en la civilización del Egeo, su evolución ulterior la transformó en una de las fases más prominentes de la historia del arte occidental.

El arte griego se singularizó por la representación naturalista de la figura humana, no únicamente en el aspecto formal, sino igualmente en el modo de evidenciar el movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de seres humanos, se transformó así en la razón básica del arte griego, asociado a los mitos, la literatura y la vida ordinaria.

Escuela de Chicago, movimiento arquitectónico americano, que apareció a finales del siglo XIX en Chicago, cuyos incondicionales proyectaron rascacielos, una de las iniciales tipologías específicas de la arquitectura moderna. En 1885 el arquitecto e ingeniero William Le Baron Jenney erigió el Home Insurance Building (demolido en 1927), un edificio de diez pisos en el que por primera ocasión se usó un esqueleto absolutamente metálico, formado por columnas de hierro colado y vigas de acero, que sustentaba las superficies de albañilería de suelos y paredes, desarrollando así el arquetipo constructivo del rascacielos.

La mayoría de los emplazamientos mesoamericanos precolombinos se hallan en lo que actualmente es México.

Las culturas preclásicas más importantes de México fueron la olmeca y las culturas occidentales de Colima, Jalisco y Nayarit.

Muchos de los objetos provenientes de excavaciones precolombinas están asociados con lo funerario y tienen un cometido más utilitario o cultor que decorativo. Aún sin contar con las ventajas de técnicas mecánicas básicas, son objetos de una calidad de ejecución y diseño equiparable a cualquier ejemplo artístico destacado de cualquier parte del mundo preindustrial.

Al inicio del siglo XVII en Francia, la escuela manierista de Fontainebleau propugnaba su actividad gracias a los requeridos para el castillo de Fontainebleau, entre los que destacan la ornamentación de la capilla de la Trinidad con pinturas de Martin Fréminet (1619). El manierismo igualmente se conservó en las pinturas de Jacques Callot y Jacques Bellange. Las escenas tenebristas de Georges de la Tour, sin embargo, recomiendan la influencia de Caravaggio. El naturalismo barroco evolucionó de la mano de artistas como Valentin de Boulogne, que había vivido en Italia, y de aquellos otros que habían tenido relación con los pintores flamencos naturalistas, como los hermanos Le Nain y Philippe de Champaigne.

La evolución del arte barroco, en todas sus formas, debe estudiarse dentro de su entorno histórico. A partir del siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió perseverantemente, y muchos hallazgos científicos influyeron en el arte; las indagaciones que Galileo desarrolló sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan numerosas pinturas de la fase. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas en torno al Sol, y no de la Tierra como hasta ese momento se creía; su obra, divulgada en 1543, no fue absolutamente aceptada hasta tras 1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de muchos enclaves y culturas exóticas, apartados hasta ese momento.

Arte barroco, estilo preponderante en el arte y la arquitectura occidentales desarrollado entre el año 1600 hasta el 1750. Sus características persistieron a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo rococó. Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América. El término barroco se aplica igualmente a la literatura y la música de aquel periodo. 

La pintura de caballete no existió en el arte islámico, condensado apenas en la ilustración de obras. Las iniciales muestras preservadas son miniaturas de manuscritos científicos griegos traducidos al árabe (vehículo por el cual las instrucciones del mundo clásico se transmitieron a Occidente), las fábulas de Bidpai (300 d.C., traducidas al árabe con el nombre de Caliba y Dinna) y el Maqamat de al-Hariri (1054-1122), cuentación de las aventuras de un viajero. Estilísticamente todas estas pinturas derivan de la escuela de Bagdad del siglo XIII.

La irrupción de los españoles al continente americano a finales del siglo XV trajo consigo las iniciales expresiones arquitectónicas de influencia europea que, aunque en un principio contenían elementos del gótico tardío, pronto adquirieron aspectos tradicionales del renacimiento español y más específicamente del plateresco. El primer monumento de este estilo que se conserva en América Latina es la catedral de Santo Domingo. Fundada en 1523, destaca por el delicado trabajo de su portada obra del arquitecto Rodrigo Gil de Liendo. Igualmente en Santo Domingo se encuentra la iglesia del hospital de San Nicolás de Bari.

Los franceses fueron reacios a admitir las innovaciones que se habían producido en el arte en Italia, aunque durante el siglo XVI fueron definitivamente adoptadas en Francia, como consecuencia de la presencia de muchos artistas italianos en la corte de Francisco I. Leonardo da Vinci viajó a Francia en 1516 a solicitud del propio monarca, sin embargo debido a su avanzada edad, falleció antes de que pudiera realizar obras de relevancia. La obra del palacio de Fontainebleau se transformó en el punto central del arte renacentista francés.

A su vez, la pintura en Alemania tuvo una ilustre tradición durante el renacimiento, gracias a varias personalidades artísticas que dominaron el ámbito. El arte germánico estuvo muy relacionado al pasado gótico, sin embargo muchos de sus artistas fueron aptos de fundir la herencia medieval con los nuevos hallazgos. Konrad Witz fue uno de ellos. Parte del gran altar El milagro de los peces, igualmente conocido como Cristo andando sobre las aguas (1441, Museo de Arte e Historia, Ginebra), evidencia un paisaje real con referencias específicas a elementos del paisaje suizo de los Alpes y que expresan la conciencia de Witz en relación a la aceptación de los progresos artísticos italianos. Los artistas alemanes encabezaron el avance del arte del grabado, como lo revelan las publicaciones de libros, que en este periodo florecieron por todas partes.

A lo largo de la fase de los Omeyas y primeros Abasíes, los príncipes de las familias cimentaron varios palacios en el desierto de Siria e Irak. Algunos de ellos se encontraban rodeados por terrenos de caza —como los de los últimos soberanos Sasánidas— y otros disponían de baños abovedados derivados de la arquitectura tardorromana, que igualmente se aprecia en su empleo como villas o explotaciones agrícolas. Por ello, estos palacios supusieron una sumario entre las tradiciones orientales y occidentales, característica del primer arte islámico.

En el norte de Europa, las expresiones artísticas del gótico tardío fueron contemporáneas con los hallazgos y con el cambio de visión del mundo producido en Italia. En el norte, países como Alemania, los Países Bajos e Inglaterra fueron menos abiertos a la hora de admitir el incipiente renacimiento.

Las iniciales obras del siglo XV fueron menos significativas y a escala menor que las que se produjeron en Italia. Paralelamente, la miniatura de la obra Las muy ricas horas del duque de Berry (c. 1416, Musée Condé, Chantilly), desarrollada por los hermanos Limbourg, revela un interés por el detalle naturalista y por lo anecdótico apartado en Italia. Igualmente son importantes en esta obra la delicadeza y la minuciosidad con que están tratados todos los elementos del paisaje.

Mientras Miguel Ángel, Tiziano y Rafael trabajaban en un estilo figurativo, otros pintores adoptan un lenguaje más lírico y decorativo, no tan relacionados a los cánones de la antigüedad clásica. El oficio de estos maestros revela el comienzo del manierismo, un estilo que heredó el cambio favorecido ya en los momentos finales del cinquecento.

Andrea Palladio proyectó la villa Barbaro en Maser hacia 1560 y destaque de este movimiento. En ella se observan algunos aspectos característicos en la obra de este arquitecto, como las fachadas clasicistas y las combinaciones de arcos y dinteles.