#Arte

¿Qué es el arte? ¿Dónde se puede encontrar? ¿Quién es capaz de apreciarlo? ¿Quién lo produce? Al pensar en estas preguntas, es natural que se evoquen respuestas asociadas al universo de la cultura erudita. Arte es un cuadro de Portinari, una sinfonía de Mozart, una película de Jean-Luc Godard o una coreografía de Deborah Colker. Habita museos concurridos, refinadas salas de concierto, cinematecas de culto y teatros renacentistas. Está a la disposición de unos pocos privilegiados dotados de sensibilidad agudizada para descifrar o interpretar sus mensajes. Para algunos el arte, sobre todo, es realizado por individuos únicos.

El filósofo británico Robin George Collingwood (1889-1943) en su clásico The Principles of Art sostiene que el arte es hecho por el ser humano para exprimir sus sentimientos subjetivos. Bajo este punto de vista, las obras artísticas hablan de sueños, epifanías, perplejidades, frustraciones, dolores, amores. Son capaces de suscitar emociones en público que los hechos del día a día no consiguen transmitir. Provocan risa, lágrimas, reflexión, cambios de mentalidad. De ahí su importancia en la vida de cada uno de nosotros.

El arte puede ser una forma de expresión grotesca, capaz de retorcer emociones y provocar espanto y asombro. Existen numerosas pinturas en la historia del arte que no han escapado de controversia, más aún por la época en que fueron desarrolladas, como la exhibida en la entrada del artículo (La silla eléctrica; de Andy Warhol). A continuación 10 pinturas macabras que muestran que el arte también puede ser perturbador.

Ya estamos acostumbrados a ver cuadros famosos versionados como la Mona Lisa y El grito rondando el Internet y no es necesario ser un gran amante del arte para ello.

Así que para salir un poco de lo común, el personal de Design Crowd decidió unirse a los iconos de las artes visuales con los más famosos personajes de la cultura pop. ¡El resultado no puede ser más divertido!

La expresión ‘hombre del Renacimiento’ representa alguien que puede ser muy competente en las diferentes actividades. Pero el hecho es que la mayoría de los hombres del Renacimiento eran, como hoy, especialistas únicamente en su oficio. Cristóbal Colón no pintó. Maquiavelo no dibujó máquinas de guerra. Miguel Ángel no inventó máquinas voladoras – aunque fuese quien llegase más cerca, siendo arquitecto y escultor.

El ‘hombre del Renacimiento’ fue uno. Leonardo da Vinci entra en esta lista como el más valorado en la categoría de arte, pero también merece puesto de honor para invención e ingeniería. Era alguien que ora podía pintar La última cena, ora podía diseñar tanques de guerra y máquinas voladoras; más tarde se dedicó a estudios de anatomía humana, y todavía se volcó en la escultura antes de volver de nuevo a la pintura.

La mayoría de la gente tiene algunos hábitos bien definidos que difieren unos de otros. Son detalles únicos que pasan incluso desapercibidos, pero que en las manos del director de arte del tumblr 2 Kinds of People, autor procedente de Lisboa, se convirtieron en ilustraciones que tratan nuestras manías cotidianas con mucho buen humor.

Desde las personas metódicas hasta las que son más desorganizadas, casi todos poseen costumbres semejantes y por eso el artista define que hay dos tipos de personas en el mundo.

Un gran nombre del arte 3D de calle es el artista americano Kurt Wenner. Él fue el primero en hacer pinturas en 3D, trabajó como ilustrador científico de la NASA, y ha desarrollado varias otras importantes obras de ilustración. Muchos artistas se inspiraron en el arte 3D de Wenner y se animaron a desarrollar su proyecto alrededor de todo el mundo. Conoce 25 obras de arte callejero en 3d sorprendentes en la galería superior.

Los trazos más sobresalientes del avance artístico precolombino se hallan en la arquitectura, la escultura, las pinturas murales y las artes decorativas como la cerámica, la metalistería y los tejidos.

A lo largo de 3.000 años, antes de la exploración y colonización del hemisferio occidental por parte de los europeos, los pobladores nativos de la América precolombina poseían una agrupación de civilizaciones cuyos logros artísticos e intelectuales podían competir con los de la antigua China, de la India, Mesopotamia y el mundo mediterráneo.

Estos logros resultan aún más atrayentes si tenemos en cuenta que la mayoría de las técnicas de las civilizaciones del hemisferio oriental no eran conocidas en el Nuevo Mundo. La rueda, por ejemplo, se utilizaba en Mesoamérica únicamente en los juguetes y jamás llegó a adaptarse a la alfarería, a la construcción de carretas o como método de arrastre. El uso de herramientas de metal no era frecuente y, además, no comenzaron a emplearse hasta las últimas etapas de la historia precolombina. Los mayas realizaban elaboradas esculturas y complejos ornamentos de jade golpeando una piedra con otra.

A unos 40 kilómetros al noroeste de la ciudad de México se halla Teotihuacán (Lugar de los dioses). Allí se desarrolló la primera civilización legítimamente urbana de Mesoamérica; fue la primera ciudad del hemisferio occidental e inició su crecimiento urbanístico antes del comienzo de la era cristiana, continuando su florecimiento hasta en torno al 700 d.C., etapa en la que había conseguido una población cercana a los 125.000 habitantes. En Teotihuacán se desarrolló una estética clásica, inspirada en el orden y el refinamiento. La delicadeza austera y el diseño estilizado explican el arte monumental, que produce el efecto de una serena sencillez y una noble grandeza. Los edificios, por ejemplo, se diseñaron con el método de talud y tablero configurando plataformas escalonadas. Mediante este método de construcción se conseguía manejar y unificar completamente los elementos horizontales y los verticales, así como las partes salientes y las recesivas, los efectos de luz y sombra, además de la ornamentación ilustrativa y geométrica.

Asentado el expresionismo abstracto como estilo preponderante, algunos artistas americanas comenzaron a rebelarse contra su carácter estricto y teórico. De esta rebelión nació el llamado Pop Art. Los artistas pop tomaron imágenes de los comunicados publicitarios de los medios de comunicación de masas, de las bandas de cómic, cintas, objetos ordinarios y de la cultura popular. A pesar de que se juzga un movimiento genuinamente americano, tuvo su principio en Londres, en una exhibición de Richard Hamilton y otros artistas. Un precedente del Pop Art se ha encontrado en la obra dadaísta de Marcel Duchamp, específicamente en sus ready-made. Los artistas más sobresalientes del Pop Art americano fueron Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann y James Rosenquist.

Arte y arquitectura contemporáneas, término empleado para denominar indiscriminadamente el arte y la arquitectura desarrollados durante el siglo XX, que entiende diversos movimientos, estilos y escuelas, unidas por su separación en relación al historicismo de finales del siglo XIX y su emancipación de los cánones clásicos, que habían sometido las Bellas Artes desde el renacimiento.

El cuestionamiento acerca de los fundamentos artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta permanencia y la mayoría alineados en la búsqueda de nuevas direcciones y fundamentos innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.

La cultura zapoteca (igualmente denominada cultura de Monte Albán) dominó el valle de Oaxaca. Se originó en el periodo preclásico (inició c. 1500 a.C.) y alcanzó su apogeo entre el año 300 d.C., en torno a, y el 700 d.C. En Monte Albán (fl. en torno al 500 a.C. y el 500 d.C.), que es el mayor agrupación urbano zapoteca, se aprecia que esta civilización mantuvo vínculos primero con los olmecas y después con Teotihuacán. Dado que concedían gran relevancia a la adoración de sus antepasados más ilustres, los zapotecas tienen una gran realización artística conectada con los ritos funerarios. Las sepulturas de Monte Albán y de toda la zona de Oaxaca tienen elaboradas urnas funerarias con figuras que representan deidades asociadas con fuerzas naturales como la lluvia y el viento.

En los templos de Monte Albán se aprecia la influencia del método de talud y tablero empleado en la arquitectura de Teotihuacán, al igual que en las espaciosas plazas envueltas de escaleras monumentales que guían a los basamentos de los templos. Igualmente hay estelas con relieves e inscripciones jeroglíficas diseminadas por la zona. Las sepulturas tenían antecámaras y muchos nichos y se encontraban ornamentadas con frescos que denotan la influencia de los murales de Teotihuacán.

La civilización maya dominó el sur de Mesoamérica durante la segunda mitad del primer milenio de nuestra era. A pesar de que se originó en el periodo preclásico, la cultura maya alcanzó su apogeo artístico e intelectual durante la última etapa clásica, desde en torno al año 600 hasta en torno al 900. En la etapa de la conquista española ya se encontraba en declive.

Ninguna otra civilización precolombina igualó a los mayas en la diversidad y calidad de su arquitectura. Los emplazamientos mayas clásicos se instauraron en un principio en las zonas de las tierras bajas tropicales. Comparados con la cultura de Teotihuacán, dichos emplazamientos parece que brindaron mayor atención a los trazos cultores y dedicaron menos interés a los urbanos. La mayoría de los vestigios mayas están en México. Entre ellas se puede mencionar Palenque, Yaxchilán y Bonampak y en la península de Yucatán, Chichén Itzá, Cobá, Dzibilchaltún, Edzná, Hochab, Kabah, Labná, Sayil, Uxmal y Xpuhil.

En Francia el periodo de maneración del romanticismo concordó con las Guerras Napoleónicas (1799-1815). Los primeros artistas franceses de este estilo hallaron su fuente de inspiración en los sucesos que les rodeaban. Antoine-Jean Gros inició la transformación del neoclasicismo al romanticismo impulsado por el estilo sobrio de su maestro, Jacques-Louis David, quien tenía un estilo más colorista y emocionante, influido por el pintor flamenco barroco Petrus Paulus Rubens. La destacada figura del romanticismo francés fue Théodore Géricault, que además llevó las tendencias trágicas y coloristas al estilo de Gros y modificó el sentido heroico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento. En su Coracero herido (1814) un soldado, en medio de una humareda, se desmaya en el campo. Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de aislamiento y vulnerabilidad; y esto para Géricault y otros pintores románticos constituía la esencia de la condición humana.

El primer gran pintor del renacimiento italiano fue Masaccio, autor de un nuevo concepto de naturalismo y expresividad en las figuras, así como de la perspectiva lineal y aérea. Su pintura es realista, sobria y visiblemente definida, y se adelanta en casi cien años a la maniera grande de los pintores del siglo XVI. A pesar de que tuvo una carrera corta (falleció a la edad de 27 años) la obra de Masaccio tuvo una grande divulgación en el curso del arte ulterior. Los frescos (c. 1427) que representan capítulos de la vida de san Pedro pintados para la capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, exhiben el carácter revolucionario de su obra, especialmente en lo que se refiere al empleo de la luz.

En una de las escenas más famosas, El tributo de la moneda, Masaccio reviste las figuras de Cristo y de los apóstoles con un nuevo sentido de dignidad, monumentalidad y refinamiento. Los frescos de la capilla Brancacci sirvieron de inspiración a pintores ulteriores, entre ellos el propio Miguel Ángel. En el fresco de la Santísima Trinidad (c. 1420-1425, Santa Maria Novella, Florencia) Masaccio, aplicando algunos de los hallazgos de Brunelleschi relativos a la perspectiva lineal, creó por primera ocasión la ilusión espacial.

A lo largo del golfo de México se desarrolló una cultura que en el pasado se denominó erróneamente totonaca, y que actualmente conocemos como cultura clásica de Veracruz. Recibe su nombre del actual estado mexicano de Veracruz, que corresponde en torno a la zona donde se concentró la actividad de dicha cultura. En El Tajín, destacado centro cultor, se hallan siete edificaciones para el juego de pelota, que indican la relevancia que tenía para la cultura clásica de Veracruz el juego de pelota mesoamericano, un deporte alegórico de carácter ritual, el tlachtli. Muchos de los relieves más importantes de esa civilización decoran las edificaciones destinadas a este juego, y en algunos se simboliza el sacrificio ritual de los partícipes.

Arquitectura colonial, agrupación de expresiones arquitectónicas que florecieron en América Latina desde el hallazgo del continente, en 1492, hasta la emancipación del mismo, a comienzos del siglo XIX.

A principios del siglo XVI puede decirse que ha finalizado la conquista de América en su mayoría. Sobre miserias de grandes imperios precolombinos, como México y Perú, se organizan los cimientos de la nueva civilización hispanoamericana. El arte en Latinoamérica va a ser básicamente religioso, establecido por el poder de las notorias órdenes religiosas surgidas del antiguo continente. En el trazado reticular de las ciudades, con origen en los esquemas romanos filtrados a través de los españoles que los formulan, aparecen las plazas y los monumentos como elementos aptos de tensionar y referenciar el agrupación. La iglesia, edificada junto a la plaza central de las poblaciones, se erige en punto de referencia del espacio urbano. Pese a la uniformidad que las órdenes religiosas, muy centralizadas, van a pretender dar, las nuevas formas artísticas van impregnándose de variaciones étnicas y geográficas. Las diferentes escuelas se diferenciarán tanto por los materiales empleados para la construcción, específicos en cada zona, como por las tipologías de los edificios gracias a la cometido que deban cumplir.

Podría decirse que el barroco recibió mayor significación en América que en la propia península Ibérica. El barroco en Hispanoamérica es básicamente ornamental. Se aplica un lenguaje decorativo a esquemas constructivos y estructurales incambiados desde los comienzos de la arquitectura hispanoamericana. México y Perú son quizá los dos grandes focos donde con más intensidad iba a encontrar eco el nuevo estilo así entendido.

Con los olmecas surgen desde el periodo preclásico medio (1200-900 a.C.) los más antiguos centros de cultos planificados que se conocen en Mesoamérica. Situados en términos generales en islas —o en elevaciones del terreno que se transforman en islas durante la temporada de lluvia— los centros de culto de esta etapa consisten básicamente en plataformas y basamentos sucesos de tierra compacta o, en algunos casos, de adobe o bloques de arcilla secados al sol. Pero de los templos y palacios que debieron alzarse encima de los montículos —simples chozas producidas de materiales caducos— no quedan restos.

Arte olmeca, agrupación de expresiones de carácter singular e restaurador que sentaron los patrones estéticos para todo el ulterior desarrollo del arte mesoamericano. Las notorias expresiones artísticas de los olmecas fueron la escultura y la cerámica. Del mismo modo, igualmente se debió a ellos el comienzo de un método de escritura y los cómputos matemáticos.