#América Latina

La mayoría de los emplazamientos mesoamericanos precolombinos se hallan en lo que actualmente es México.

Las culturas preclásicas más importantes de México fueron la olmeca y las culturas occidentales de Colima, Jalisco y Nayarit.

Muchos de los objetos provenientes de excavaciones precolombinas están asociados con lo funerario y tienen un cometido más utilitario o cultor que decorativo. Aún sin contar con las ventajas de técnicas mecánicas básicas, son objetos de una calidad de ejecución y diseño equiparable a cualquier ejemplo artístico destacado de cualquier parte del mundo preindustrial.

La irrupción de los españoles al continente americano a finales del siglo XV trajo consigo las iniciales expresiones arquitectónicas de influencia europea que, aunque en un principio contenían elementos del gótico tardío, pronto adquirieron aspectos tradicionales del renacimiento español y más específicamente del plateresco. El primer monumento de este estilo que se conserva en América Latina es la catedral de Santo Domingo. Fundada en 1523, destaca por el delicado trabajo de su portada obra del arquitecto Rodrigo Gil de Liendo. Igualmente en Santo Domingo se encuentra la iglesia del hospital de San Nicolás de Bari.

Muralismo, movimiento artístico de carácter indigenista, que nace tras la Revolución Mexicana de 1910 de conformidad con un programa dirigido a socializar el arte, y que niega la pintura convencional de caballete, así como cualquier otra obra proveniente de los círculos intelectuales. Propone la realización de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, los combates sociales y otros trazos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus notorios protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se difundió a otros países de América.

Arte mestizo, concepto utilizado por algunos historiadores del arte desarrollado en la América hispana durante el periodo colonial, para denominar las obras en las que es incuestionable una representación local del arte europeo a partir de elementos decorativos o estructurales propios del mundo indígena.

A lo largo del siglo XX la historiografía del arte colonial ha manifestado un desasosiego perseverante por establecer el grado de extravaganza de esta realización artística, nacida a partir de los modelos europeos trasplantados a América tras la instauración española en el continente americano. Y para detectar esta extravaganza se han indicado varios puntos de partida. Uno de los más importantes ha sido la identificación de asuntos provenientes del repertorio iconográfico de las desemejantes culturas prehispánicas contemporáneas al momento de la conquista, incorporados a la ornamentación de obras propias de la cultura europea, en especial de carácter religioso, como iglesias y conventos. A estos asuntos se han añadido igualmente aquellos provenientes de la flora y la fauna americana. Los ejemplos se relacionan tanto con la cultura azteca en el área del virreinato de Nueva España como con las culturas preincaicas y la incaica en el virreinato del Perú.

La escultura maya abarca una gran variedad de expresiones: altares, estelas, lápidas, dinteles zoomorfos, tableros, cetros, jambas, columnas, figuras de bulto y marcadores de juego de pelota. Sus notorias peculiaridades son el uso del relieve, la monumentalidad en el tratamiento de los asuntos, el uso del color en el finalizado superficial, la dependencia del ámbito arquitectónico, la profusión de señales caligráfico y ornamental, la relevancia de las líneas curvas y el carácter abigarrado y escenográfico de la estructura.

Las estelas conmemorativas son magníficos trabajos entre los que destacaremos las de Tikal, Copán, Quiriguá y Cobán. Hablamos de monumentales lajas de piedra clavadas verticalmente en el suelo, en las que los escultores mayas tallaron en bajorrelieve imágenes del jubileo de sus soberanos. Se erigían al finalizar una etapa temporal concreta, cada cinco y cada veinte años, y en ellas, mediante jeroglíficos, se contaban los sucesos más importantes del reinado. Excelentes son los dinteles figurativos que flanqueaban las puertas de los palacios y templos de Yaxchilán, los altares de Piedras Negras y los zoomorfos de Quiriguá, aunque quizá la cumbre de la escultura maya sean los paneles de los edificios de Palenque. El palacio, y los templos de las Inscripciones, el Sol, la Cruz y la Cruz Foliada, constituyen uno de los mejores ejemplos de cómo el hombre es capaz de plasmar en piedra su universo religioso.

Arte maya, formas de expresión social, política e ideológica de uno de los pueblos más atrayentes de la América prehispánica. Sus expresiones engloban todas las técnicas y materiales imaginables y se despliega en el tiempo durante más de dos mil años.

El territorio que englobaron fue muy grande: el sur de México con la península de Yucatán, Guatemala, Belice y parte de Honduras y El Salvador. El periodo de mayor apogeo fue el clásico (300-900 d.C.), después sobrevino el denominado derrumbe maya de las tierras bajas de El Petén, el abandono de los centros más importantes y el resurgir de la civilización más al norte, en la península de Yucatán, durante el periodo posclásico (900-1500 d.C.). El arte maya hunde sus raíces en la cultura olmeca (1200-400 a.C.) y recibe ulteriores influencias de Teotihuacán y Tula. Nos encontramos, pues, ante un arte mesoamericano que interviene de sus mismos patrones y concepciones.

En el Teotihuacán se desarrollaron diversas manifestaciones artísticas que se corresponden con tipos de arte muy ricos en detalles.

Arte mural

El arte mural se localiza en los muros de varios palacios ubicados en el perímetro urbano de la gran metrópoli. Ejemplifica muy bien la concepción sagrada de la ciudad. Las escenas están presididas por figuras de dioses o por sacerdotes ataviados con sus atributos. El más representado es el dios de la lluvia, Tláloc, protagonista de numerosas cultos conectadas con la tierra y la fertilidad. El Tlalocan, o paraíso del dios Tláloc, es el mural más conocido. Situado en la vecindad de Tepantitla nos muestra a quienes se hallan en ese paraíso gozando felices de los dones de la naturaleza. A mediados del siglo V, y coincidiendo con la expansión de la cultura teotihuacana a otros territorios, los murales se llenan de escenas y motivos militares, con guerreros armados con escudos, dardos y propulsores, jaguares y coyotes comiendo corazones humanos y desemejantes señales calendáricos asociados con registros dinásticos. Otros murales en Atetelco, Zacuala o Teopancaxco, arrojan información sobre otros dioses, sobre el almanaque, el comercio y las actividades guerreras.

La arquitectura de Teotihuacán se encuentra estrechamente conectada con el urbanismo. La planificación urbanística de la ciudad no únicamente se encuentra en el centro, sino que toda ella responde a un reticulado muy exacto. Adicionalmente del eje destacado de la ciudad, que corre de norte a sur, la avenida Este (este-oeste) divide el centro en cuatro partes. La ciudad se despliega por 20 km2 y debió tener una población de 100.000 habitantes. Alcanzó su mayor apogeo en la etapa Xolalpan (450-650 d.C.) cuya superficie englobó 24 km2 arribando a tener 250.000 habitantes. Las grandes pirámides del Sol y la Luna, el templo del Quetzalpadrelotl y la Ciudadela son los elementos más característicos. La pirámide del Sol, que mide 64 m de altura, pesa en torno a un millón de toneladas y ocupa 45.225 m2. El carácter cortesano de las construcciones se revela con la gran relevancia que adquiere la voluntad de la Ciudadela. Hablamos de una grande plataforma de 400 m de largo que sustenta pirámides, templos y altares. Al fondo del patio destacado se levanta el palacio de Quetzalcóatl, una estructura de seis cuerpos con tablero-talud, que después se ornamentaría con imágenes de los dioses Quetzalcóatl (la Serpiente Emplumada) y Tláloc (dios de la lluvia) y con muchos elementos marinos y conchas.

A través de la integración de arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, los actuales pueblos latinoamericanos, desde los tiempos prehispánicos, se preocuparon por hacer un arte ambiental que consiguiese comunicar un efecto monumental. Tras la conquista española, esta tendencia se minimizó, hasta que de nuevo se hizo incuestionable, especialmente a partir de 1950.

Entre los ejemplos más espectaculares se hallan las universidades de México y Caracas y la ciudad de Brasilia (la nueva capital de Brasil), un primer símbolo del espíritu fidedigno del arte y arquitectura contemporáneas en Latinoamérica. México emerge como centro del mundo artístico latinoamericano en la primera mitad del siglo XX. Entre sus múltiples expresiones artísticas merecen una mención especial los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, en una línea figurativa y didáctica que difunde una aseveración cultural nacionalista y unas manifestaciones políticas revolucionarias.

A lo largo de los siglos XVII y XVIII, la arquitectura barroca latinoamericana conservó las pautas indicadas por la península Ibérica sin embargo con algunas peculiaridades. Una de ellas es su sorprendente pluralidad, condicionada por el propio medio físico, la gran diversidad de materiales existentes en cada área geográfica y la presencia de un pasado precolombino. Entre los condicionantes físicos, la frecuencia de terremotos en algunas zonas como Guatemala o Perú produjo ciertos patrones estéticos, al tiempo que conducía al desarrollo de técnicas constructivas especialmente resistentes a los movimientos sísmicos como la quincha (red de cañas atadas con cordobanes aglutinados con barro).

Los objetos de metal conforman, indudablemente, la elaboración más llamativa de todas cuantas realizaron los incas. La tradición orfebre, muy antigua en la costa peruana, ocupó un capítulo muy importante dentro de su ajuar. Trabajaron el cobre, el bronce, la plata y el oro, siendo el repujado y calado de láminas el procedimiento más empleado. Las decoraciones son eminentemente geométricas, aunque los motivos antropomorfos y zoomorfos, representados frontalmente conforme a los principios de hieratismo y simetría axial, son muy comunes. Los alfileres y prendedores para sujetar las prendas de vestir, tupu en lengua quechua, fueron elementos muy corrientes aunque de tipología poco variada. El remate solía ser una lámina muy elaborada, de manera variable, que en el caso poco habitual de ir ornamentada, presentaba motivos geométricos muy simples dispuestos en bandas o cenefas. El alfiler de cabeza laminar o circular fue el modelo cuzqueño que alcanzó más divulgación y popularidad, pudiéndolo encontrar tanto en Cuzco como en los últimos confines del Imperio.

Flores Xochipilli, Damián © Estela Sánchez

La escultura azteca era fundamentalmente monumental y aparecía asociada a las grandes construcciones arquitectónicas. Muy realista en su concepción, contenía un elemento simbólico y abstracto de gran relevancia relacionado con su universo religioso. Existen piezas de grandes dimensiones que representan a los dioses, los mitos, los monarcas y sus hazañas. De las obras que han acudido hasta nosotros y que se hallan en el Museo Nacional de Antropología de México destacaremos la imponente Coatlicue (diosa serpiente de la tierra), de relieve plano y repleta de símbolos; la cabeza de Coyolxauhqui (diosa de la Luna e hija de Coatlicue); la Piedra del Sol o Calendario azteca, grande bloque circular trabajado en relieve y en honor a la deidad solar Tonatiuh que algunos investigadores atribuyen al señor de la tierra Tlaltecuhtli, y la Piedra de Tizoc, grande disco que cuenta en un friso las conquistas del que fuera célebre tlatoani (emperador) de los aztecas entre 1481 y 1486.

En la cerámica inca la falta del torno hacía que el alfarero se viera obligado a modelar la vasija a mano, y la pasta, presentada en términos generales en forma de rulos alargados, se enroscaba sobre sí misma para cimentar las paredes de la pieza. Adicionalmente de esta antigua técnica andina, el uso del molde aceptó la fabricación en serie, de tal forma que la realización se incrementó eminentemente. Debemos discernir entre el menaje doméstico y la vajilla de uso ritual. Mientras que en el primer caso las formas y tamaños derivaban de las necesidades ordinarias, en el segundo, su desarrollo estuvo de manera directa condicionado por el mundo de las convicciones.

Estilísticamente encontramos la cerámica tipo killke, con una tiempología que va del 1200 al 1450 d.C., y la cerámica policroma tipo Cuzco desde 1450 hasta la colonia. Las iniciales aparecen ornamentadas con motivos geométricos muy sencillos en tonos rojos y negros mientras las segundas, ornamentadas de igual forma, denotan una realización técnica más cuidada. No sólo se plasmaba sobre sus paredes una rica iconografía, sino que las piezas mismas eran puestas como ofrendas en las sepulturas.

Arte azteca, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas por el pueblo azteca entre el 1250 y el 1521 d.C. que se cuentan entre las más importantes de Mesoamérica antes de la aparición de los europeos.

El término azteca, junto con los de mexica y tenochca, se emplea hoy día para denominar al pueblo que llegó al valle de México proveniente de Aztlán, lugar mítico ubicado al norte de Mesoamérica. El arte azteca es, básicamente, un arte al servicio del Estado, un lenguaje empleado por la sociedad para comunicar su visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las culturas foráneas. De establecido constituyente político-religioso, el arte azteca se manifiesta a través de la música y la literatura, sin embargo igualmente de la arquitectura y la escultura, valiéndose para ello de soportes tan variados como los instrumentos musicales, la piedra, la cerámica, el papel o las plumas. Lo primero que llama la atención es la asimilación azteca de las tradiciones artísticas previos y la impronta personal que conferiron a sus expresiones. El arte azteca es violento y rudo sin embargo deja entrever una complejidad intelectual y una sensibilidad que nos hablan de su grande riqueza simbólica.

Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, museo mexicano ubicado en el bosque de Chapultepec de la ciudad de México. Su fundación contestó al gesto del pintor Rufino Tamayo y de su cónyuge Olga, los cuales, tras años de juntar una gran recopilación de arte internacional, decidieron cumplir su anhelo de donarla al pueblo mexicano. El diseño del edificio que recibiría el centro artístico fue responsabilidad de los arquitectos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky. Tras dos años de construcción, el Museo abrió sus puertas al público en 1981. En 1986, tras ser constituido como patrimonio nacional, quedó bajo la administración del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). La Fundación Olga y Rufino Tamayo colabora, desde su producción en 1989, en los diferentes proyectos llevados a cabo por el Museo.

A través de sus diez salas, ofrece una sorprendente panorámica del arte coetáneo en sus diferentes géneros (pintura, escultura, fotografía). Entre los muchos estilos que se hallan representados en el Museo cabe citar el expresionismo abstracto de Willem de Kooning, el surrealismo de Salvador Dalí, René Magritte, Wifredo Lam y Roberto Matta, el dadaísmo de Max Ernst, el cubismo de Fernand Léger y Pablo Ruiz Picasso, el simbolismo de Francis Bacon, el arte cinético de Julio LeParc, Carlos Cruz-Díez y Victor Vasarely, el Pop Art de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, el vanguardismo de Jean Dubuffet, el estilo figurativo de George Segal, el informalismo de Antoni Tàpies y el constructivismo de Joaquín Torres García. Por lo que respecta a los artistas mexicanos, además de obras del propio Rufino Tamayo, se pueden observar las de Lilia Carrillo, entre otros.

Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, museo argentino ubicado en la ciudad de Buenos Aires, está completamente ungido a coleccionar, preservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano. El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) fue inaugurado el 20 de noviembre de 2001 y apareció a partir de la Colección Costantini, una importante agrupación de obras de arte latinoamericano del siglo XX propiedad del compañíario Eduardo F. Costantini. La citada recopilación inició a formarse en 1970 y se fue enriqueciendo hasta que la Fundación Costantini sentenció darla a conocer y exhibirla en diversos museos y salas de todo el mundo, y seguidamente, cimentar un edificio ex profeso para alojar este agrupación de obras que constituirían el acervo fundacional de un futuro museo. El propiedad es obra de los arquitectos argentinos Gastón Atelman, Martín Fourcade y Alfredo Tapia, y tiene una superficie de total aproximada de 8000 m2.

La recopilación estable está formado por pinturas, esculturas, dibujos y otros objetos artísticos, y engloba un amplio ámbito del arte latinoamericano desde sus vanguardias hasta la actualidad, con muestras de 78 artistas de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, México, Uruguay y Venezuela. Entre otros, el museo cuenta con obras de Fernando Botero, Wilfredo Lam, Frida Kahlo, Joaquín Torres García, Hélio Oiticica, Xul Solar o Emiliano di Cavalcanti.

El MALBA organiza además exposiciones temporales y otras actividades culturales como visitas guiadas, programas para niños, ponencias, seminarios, encuentros entre escritores o ciclos de cine.

Museo de Arte Moderno (México), museo mexicano ubicado en el bosque de Chapultepec de la ciudad de México. Fue inaugurado en 1964, año en que concluyeron las obras del edificio que lo alberga, cuyo diseño fue obra de los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares.

El Museo de Arte Moderno tiene una superficie de más de 36.000 m2, a la que hay que agregar los amplios jardines donde se exhiben obras escultóricas. Sus cinco espacios básicos de exhibición son la Sala Xavier Villaurrutia, la Sala Carlos Pellicer, la Sala José Juan Tablada, la Sala Antonieta Rivas Mercado y la Galería Fernando Gamboa. Su recopilación estable está integrada por obras de los más característicos artistas mexicanos del siglo XX, con una importante presencia de los miembros de la escuela mexicana de pintura. De este modo, se pueden observar obras de artistas como Frida Kahlo o Cordelia Ureta. Pintores surrealistas, rupturistas y jóvenes artistas mexicanos tienen igualmente un espacio en el Museo. Mención especial merece la recopilación que tiene de obras de Rufino Tamayo, de quien se exhiben establemente cuadros como Las músicas dormidas y Hombre radiante de alegría.

El Museo ha sido sede de importantes exposiciones, como las dedicadas a Auguste Rodin, Paul Klee, Wifredo Lam, Joan Miró, Henri Cartier-Bresson, Giorgio de Chirico y Henry Moore, entre otros.

Museo de Arte (Perú), museo peruano sito en la capital del Estado, Lima, que ofrece una visión general del arte de Perú a través de las tres grandes etapas de su historia: prehispánica, colonial y republicana.

Del periodo prehispánico pueden apreciarse piezas de cerámica, textiles y metalúrgicas provenientes de todas las culturas que poblaron Perú desde su horizonte temprano. El periodo colonial está representado por lienzos de Cuzco y Lima, escultura e imaginería religiosas, mobiliario, platería y marfiles. Las salas que se dedican al arte de la república incluyen aquellas obras identificadas representativas de los más importantes pintores académicos, indigenistas y modernos.

El Museo aún tiene un encantador adicional a sus fondos, que es el propio edificio que lo alberga, antiguo Palacio de la Exposición, construido en 1872.

Arte de Teotihuacán, agrupación de expresiones artísticas desarrolladas por la primera gran civilización de la región central de México (200 a.C.-700 d.C.). Su capital, Teotihuacán, situada a 45 kilómetros de la actual ciudad de México, se transformó en la ciudad más importante de Mesoamérica. Las mejoras en las técnicas agrícolas, inspiradas básicamente en la canalización de las aguas, hicieron posible una gran concentración de población que serviría de apoyo económico de la ciudad y de mano de obra para las grandes construcciones públicas. El arte teotihuacano manifiesta por primera ocasión de manera grandiosa la concepción estatal mesoamericana que encontraría eco en enclaves tan distanciados como Monte Albán, El Tajín, Kaminaljuyú o Tikal.

La mayor contribución de Teotihuacán fue establecer las peculiaridades definitorias de la ciudad sagrada. Toda ella constituye un gran teatro propagandístico donde la escenografía es espectacular y emotiva. La holgada Avenida de los Muertos con las grandes pirámides del Sol y la Luna componían un eje monumental, en torno al cual se erigían construcciones palaciegas y templarias, mientras las extensiones habitacionales se situaban en los barrios de las afueras (Atetelco, Tetitla, Tepantitla). Su grandeza es tal que en el momento en que varios siglos después los aztecas tuvieron que tomar la elección un lugar para situar la producción del mundo se decidieron por Teotihuacán. Un ascendente comercio llevó su influjo hasta los enclaves más distantes de Mesoamérica: por el norte hasta los desiertos de Sonora y Sinaloa y, por el sur, hasta Uaxactún y Tikal en las tierras bajas mayas. El resultado fue un grande crecimiento de los sectores artesanales y un perfeccionamiento técnico de todas las artes como jamás antes se había conocido.