A lo largo de los siglos XVIII y XIX la estética se mantuvo sometida por el concepto del arte como imitación de la naturaleza. Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y dramaturgos como el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Los pintores neoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temáticas extremando el cuidado en el detalle natural.
En la estética convencional se asumía además con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como bellas. Los cuadros podían conmemorar acontecimientos históricos o estimular la moral. La música podía imitar piedad o patriotismo. El teatro, por la influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad y, de ese modo, ser útil para reformarla.
En el siglo XIX, no obstante, conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética comenzaron a cuestionar los enfoques convencionales. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran atacados por los pintores academicistas por representar lo que ellos creían deberían ver, bastante más de lo que en realidad veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes desencadenadas por el juego distorsionante de luces y sombras en el momento en que el Sol se desplaza.
A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar su propia psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A comienzos del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como Pablo Ruiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se evidenciaba en la obra de Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas alemanes de la categoría de Ernst Ludwig Kirchner. Los aspectos literarios del expresionismo pueden verse evidenciados en las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind.
En estrecha relación con estos enfoques, hasta cierto punto no figurativos del mundo plástico, cobró relevancia el comienzo del ‘arte por el arte’, derivado de las proposición de Kant conforme las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue por acuñada en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el crítico británico Walter Horatio Pater y el pintor americano James Abbott McNeill Whistler. En Francia abrevió el credo de los poetas simbolistas como Charles Baudelaire. Desde ese momento, el comienzo del arte por el arte se volvió fundamental en la mayor parte de las vanguardias occidentales del siglo XX.
