Las primeras obras de arte datan de la época paleolítica. Entre las obras más antiguas se encuentran ahora las pequeñas estatuas humanas, como la Venus de Willendorf (aproximadamente 25.000 a.C.).
Los más conocidos conjuntos de pinturas rupestres (arte rupestre) se encuentran en Altamira, España y datan del 30.000 a.C. hasta el 12.000 a.C., y en Lascaux, Francia, del 15.000 a.C. hasta el 10.000 a.C., donde las pinturas rupestres muestran animales prehistóricos como caballos, bisontes y rinocerontes. Estas pinturas indican rituales prehistóricos relacionados con la caza. Las imagenes muestran el naturalismo y evolucionan de la monocromía a la policromía entre los años 15.000 a.C. al 9000 a.C.
Arte mesopotámico
En la región comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates se desarrolló la civilización mesopotámica. En esta región, sumerios, babilonios, asirios, caldeos y otros pueblos han creado un arte que demuestra el poder de los gobernantes y la religiosidad. Son toros alados, ojos circulares estatuillas, relieves murales que representan las guerras y conquistas militares y animales y pictogramas que representan hechos de la realidad de aquellos pueblos.
Arte de Egipto
En el Antiguo Egipto la obra de arte poseía un carácter fuertemente religioso y características funerarias. Esas obras pueden explicarse sobre la base de la creencia de que los egipcios tenían acerca de la vida después de la muerte. Hay representaciones artísticas de dioses, faraones y animales explicadas por textos en escritura jeroglífica. Las pinturas fueron hechas en las paredes de las pirámides o en papiros.
Igualmente, otro de los temas de las pinturas eran las representaciones sociales (como por ejemplo la nobleza) y de hechos de la vida cotidiana. Una de las características principales del arte egipcio es el diseño chapado, de perfil y sin perspectiva artística.
Arte en la Antigua Grecia
La cultura y el arte minoico se desarrollaron en la isla griega de Creta. En las pinturas murales observamos colores diversificados, fuertes y muy vivos. Dibujos de toros, imagenes abstractas, símbolos y animales marinos ilustran la cerámica.
El período clásico del arte griego es el momento de máxima expresión del arte griego. La naturaleza está representada con equilibrio y de la forma más cercana a la realidad. La perspectiva aparece intensamente en las pinturas griegas de este período. En las esculturas de bronce y mármol se destacan la armonía y la realidad. Los principales escultores son Mirón, Policleto, Fidias y Praxíteles. La arquitectura y la decoración de los templos religiosos, como el Partenón, la Acrópolis de Atenas y el templo de Zeus en Olimpia, muestran fuerza y rasgos expresivos.
En el período helenístico, se produce la fusión entre las artes griegas y orientales. El arte griego adquiere aspectos de la realidad, resultado de la dominación persa. En las esculturas hay drama y formas decorativas en exceso. Entre las obras más representativas de este periodo son: la Victoria de Samotracia, la Venus de Milo y el templo de Zeus en la ciudad de Pérgamo.
Arte Romano de Occidente y Oriente (arte bizantino)
Con una fuerte influencia de los etruscos, el arte romano antiguo siguió los modelos y elementos artísticos y culturales de los griegos tratando de ‘copiar’ estatuas clásicas. Es el momento de la construcción de monumentos públicos en honor de los emperadores romanos. Por tanto, el arte era una extensión del poder de sus gobernantes. El mural utiliza el efecto tridimensional. Los frescos de Pompeya (sepultados por el volcán Vesubio en I a.C.) son representativos de este periodo.
En el Imperio Romano de Oriente (Imperio Bizantino) con su capital en Constantinopla (antes Bizancio), el arte bizantino aparece bajo una fuerte influencia de Grecia. Destacamos los murales, manuscritos, iconos y mosaicos religiosos de colores fuertes y brillantes, cargados de un profundo carácter religioso.
Arte renacentista. El Renacimiento Cultural (siglos XV y XVI)
Los elementos artísticos de la antigüedad clásica volvieron a servir como un referente cultural y artístico. El humanismo coloca al hombre en el centro del universo (antropocentrismo). Son característicos de esta época: el uso de la técnica de la perspectiva, así como el uso de los conocimientos científicos y matemáticos para reproducir fielmente la naturaleza. En la pintura, se están utilizando nuevas técnicas: el uso de la pintura de óleo, por ejemplo, trataba de aumentar la ilusión de la realidad.
La escultura renacentista se caracteriza por la expresividad y el naturalismo. El grabado es ampliamente utilizado ahora en esta época. Entre las pinturas se encuentran: La pareja de Arnolfini (Jan van Eyck), La alegoría de la primavera (Sandro Botticelli), Virgen de las rocas, Mona Lisa y La Última Cena (Leonardo da Vinci), La Escuela de Atenas (Rafael Sanzio), el techo de la Capilla Sixtina y la escultura David de (Miguel Ángel Buonarroti).
Manierismo (siglo XVI)
Al romper con referencias clásicas idealización de la belleza, el manierismo se diferencia por sus imagenes alargadas y distorsionadas. La naturaleza está representada de manera distorsionada y realista, y las extrañas figuras aparecen con frecuencia. Obras más importantes del manierismo: El juicio pasado, de Miguel Ángel, La Crucifixión de Tintoretto, y El entierro del Conde de Orgaz, de El Greco.
Barroco. Arte barroco (1600-1750)
En el arte barroco destaca el color, no el formato del diseño. Las técnicas dan una sensación de movimiento al diseño. Los efectos de luz y sombra (claroscuro) se utilizan constantemente como un recurso para dar vida y realidad a la obra. Los temas que aparecen con mayor frecuencia son: paisajes, naturaleza muerta y escenas de la vida cotidiana.
Algunas populares obras barrocas son : La cena de Emaús de Caravaggio, El Descendimiento de la Cruz de Peter Paul Rubens, La ronda de noche de Rembrandt, El éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini, Las Meninas de Diego Velásquez, y Vista de Delft de Jan Vermeer.
Rococó (1730-1800)
El estilo rococó se caracteriza por pinturas de colores vivos, con líneas curvas y arabescas. El estilo es muy decorativo y la sensualidad es resaltada. Los frescos ganan importancia y se utilizan en entornos de interiores.
Los artistas más importantes del rococó son Jean -Antoine Watteau, Giovanni Battista Tiepolo, François Boucher y Jean-Honoré Fragonard.
Neoclasicismo (1750-1820)
Una vez más los elementos y valores de la antigüedad clásica (griega y romana) son rescatados. Hay una mayor incidencia de dibujo y la línea sobre el color. El heroísmo y los temas cívicos se exploran en este mismo período.
Algunas de las principales obras son Perseo con la cabeza de Medusa, de Antonio Canova, El Parnaso, de Anton Raphael Mengs, El juramento de los Horacios y La muerte de Sócrates, de Jacques -Louis David, y El bañista de Valpinçon, de Jean-Auguste-Dominique Ingres.
Romanticismo en las artes plásticas (De 1790 a 1850)
Subjetividad e introspección, sentimientos y sensaciones son característicos de este período. La literatura romántica, los elementos de la naturaleza y el pasado son retratados intensamente en el Romanticismo.
Son representantes de este tiempo el artista Francisco de Goya y Lucientes. Algunos de sus principales cuadros son: La familia de Carlos IV, El Coloso y Los fusilamientos del tres de mayo de 1808. Otras obras románticas son: La balsa de la Medusa, de Théodore Géricault, El carro del heno, John Constable, La muerte de Sardanápalo, Eugène Delacroix, y El último viaje del Temerario, de Joseph William Turner.
Realismo (De 1848 a 1875)
El realismo enfatiza la realidad física a través de la objetividad científica y cruda. Estas obras están inspiradas en la vida cotidiana y el paisaje natural. Aparecen fuertes críticas sociales y elementos de erotismo, lo que provoca reseñas negativas por parte de sectores conservadores de la sociedad europea del siglo XIX.
Las pinturas más importantes de la época son Entierro en Ornans, de Gustave Courbet. El vagón de tercera clase, de Honoré Daumier y Desayuno sobre la hierba, por Édouard Manet.
Impresionismo (De 1880 a 1900)
A través de la luz y del color los artistas del impresionismo tratar de alcanzar la realidad. Las obras se llevan a cabo al aire libre para disfrutar de la luz natural.
Las obras más populares son: Sol naciente de Claude Monet, La clase de danza de Edgar Degas, y el Almuerzo de remeros, Auguste Renoir.
Post-Impresionismo
Es el periodo marcado por los ensayos individuales. Los artistas buscan la realidad e imitar la naturaleza mediante la utilización de los recursos de luz y color. El cromatismo es muy utilizado.
Los colores más intensos son explorados por Vincent Van Gogh con pinceladas fuertes y explosivas, como en La noche estrellada. Henri de Toulouse-Lautrec utiliza la técnica de la litografía.
Expresionismo
Los artistas de diferentes épocas se consideran precursores del expresionismo, entre ellos Goya, Van Gogh, Gauguin y James Ensor. El expresionismo puede ser considerado como una toma de posición en diversas formas de expresión artística durante el siglo XX.
Varios artistas de este trabajo en esa línea, sin tener que conectarse a movimientos o grupos. Podemos nombrar algunos: Edvard Munch, Emil Nolde, Amedeo Modigliani, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Alberto Giacometti y Francis Bacon.
Cubismo (1908-1915)
Este estilo rompió con los elementos artísticos tradicionales para presentar diferentes puntos de vista en una sola obra de arte. Las formas geométricas se utilizan a menudo para representar figuras. Recortes de periódicos, revistas y fotografías son los recursos utilizados en este periodo.
Obras representativas de este periodo son: Les Demoiselles d’ Avignon, de Pablo Picasso y Casas en L’Estaque de Georges Braque.
Dadaismo (Décadas 1910-1920)
Revolucionario, anarquista, anticapitalista, el dadaísmo, predica una tontería, el sarcasmo, la sátira y el uso crítico de los diferentes idiomas, tales como la pintura, la poesía, la escultura, la fotografía y el teatro.
Resalte en este ramo artístico: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, Man Ray y George Grosz
Surrealismo (1920)
Los artistas exploran el inconsciente y las imagenes que no son controladas por la razón. El surrealismo utiliza asociaciones irreales, extrañas y provocativas. La ruptura con las nociones tradicionales de la perspectiva y de proporcionalidad resulta en imagenes extrañas y poco realistas.
Obras destacadas y más representativas del movimiento son: Autorretrato con siete dedos, Marc Chagall, el Carnaval de Arlequín, Joan Miró, La persistencia de la memoria, Salvador Dalí, La traición de las imagenes, René Magritte, y Una semana de bondad, Max Ernst.
Arte pop (1950)
Los cómics y los medios de comunicación visual y de impresión son las referencias del arte pop. El humor y crítica del consumismo están contenidos en las obras de arte pop.
Artistas populares : Richard Hamilton, Allen Jones, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselman, Jim Dine, David Hockney y Claes Oldenburg.
Arte Conceptual (1960)
Los textos, imagenes y objetos son las referencias artísticas de este tipo de arte. El trabajo debe ser valorado por sí mismo. Un medio preferido de los artistas conceptuales es la configuración, es decir, un espacio para la interacción entre la obra y el espectador. Incluso la televisión y el vídeo se utilizan en las instalaciones. Destacan los siguientes artistas: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Daniel Buren, Sol Le Witt (principal representante del minimalismo) y Marcel Broodthaers, Nam June Paik, Vito Acconci, Bill Viola, Bruce Naumann, Gary Hill, Bruce Yonemoto y William Wegman.
¿Sabía usted?
Se celebra el 12 de agosto de cada año el Día Internacional de las Artes.
Se celebra el 8 de mayo de cada año el Día del Artista Plástico.
